Yuriria Iturriaga: No sólo de pan...

No sólo de pan...

E

l hambre, para quien la conoce antes de comer y hasta saciarla, es una abstracción rubro de estadísticas. Tal es el caso de los expertos internacionales y nacionales en el tema del hambre. Pero mientras los primeros tienen imaginación suficiente para comprenderla, aunque no la sufran, en los mexicanos, como dijo el antropólogo Maurice Godelier comentando sus varias visitas a nuestro país: Es sorprendente la tolerancia que tienen ante la miseria.

En febrero de 2009, Andrés Manuel López Obrador (AMLO) entregó a Marcelo Ebrard un proyecto para paliar el hambre de centenas de miles de mexicanos que viven en el Distrito Federal y sus suburbios. El proyecto no era original en el mundo, pero sí en México: copiado de la llamada sopa popular que se practica en Europa hace un siglo, requería de ciertas adecuaciones legales y administrativas, entre ellas estimular fiscalmente a los productores y distribuidores de alimentos a fin de que dejaran de temer al dumping y regalaran al Gobierno del Distrito Federal (GDF) alimentos que suelen destruir, porque están llegando a su caducidad o son invendibles por los empaques maltratados. Con estos y otros donativos debía hacerse un gran Banco de Alimentos en una bodega acondicionada según las normas de higiene y seguridad alimenticia vigentes en Europa. Los productos perecederos debían provenir de las zonas rurales del DF, promoviendo la pluriagricultura tradicional y el comercio justo, sin mediadores. La cocina semindustrial debía contar con grupos de tres marmitas de gran capacidad para preparar cotidianamente, en éstas, un guisado de proteínas animales, otro de verduras y otro de cereales. Sendas camionetas debían recoger en toneles térmicos los tres alimentos y repartirlos en los puntos de distribución que estarían ubicados en patios de escuelas públicas o de parroquias. Un equipo, detrás de una ventanilla, serviría los alimentos en platos de acero inoxidable con tres receptáculos que presentaría cada comensal formado en una cola. Dichos platos serían obtenidos por cinco pesos en oficinas donde se establecería un padrón de beneficiarios del programa llamado Cazuela Popular. Este programa contra el hambre real de seres humanos de sangre y hueso, evitaría gastar recursos en espacios físicos, mesas, sillas, lavado de vajillas, agua y jabón, o en desechables que contaminan y en intermediarios.

La coordinación general del proyecto estaría a cargo de voluntariado, incluidos el control del banco de alimentos, el diseño equilibrado del menú cotidiano y el reparto de los alimentos a los beneficiarios. El trabajo de cocina, de recolección de alimentos donados y de reparto de los guisados en camionetas, estaría asegurado por personal de base del GDF, subocupado en funciones de mensajeros, choferes o ayudantes de oficina. Los beneficiarios eran indígenas y sus hijos, quienes acampan en los camellones urbanos, limpiaparabrisas y vendedores de todo tipo de chucherías entre los autos, buscadores de empleo que se sientan al pie de las rejas de iglesias o afuera de los mercados, y todo aquel que llegara con su plato triple hasta la ventanilla de la Cazuela Popular. La capacidad inicial de comidas diarias era de 300 mil unidades de tres guisos, con una inversión inicial –en adecuación y equipamiento del local central– de 30 millones de pesos, sin contar en ello la bodega concesionada y las camionetas asignadas por el GDF. Los costos de operación se reducían al pago de agua, luz, gas, mantenimiento del equipo y compra de perecederos a los campesinos de las zonas rurales del DF. Si este proyecto se hubiese realizado en su momento, se habría podido apoyar a las cerca de 300 mil personas que quedaron de la noche a la mañana sin recursos para comer cuando Calderón arrojó a la calle a los miembros del Sindicato Mexicano de Electricistas.

Pero este proyecto, aprobado por AMLO, fue convertido por el Secretario de Desarrollo Social de entonces en comedores populares establecidos en la propiedad privada de quien tuviera 50 metros cuadrados de cemento en piso y techo y dispusiera de cinco personas disponibles para operarlos (Cfr. convocatoria de dicho programa cuyo costo se anunció en 100 millones de pesos.) A quienes obtuvieron la concesión se les dio dinero para adecuar sus locales y amueblarlos y se les pagó 25 mil pesos mensuales para operar. Se fijó en 10 pesos el costo del cubierto y en tres años la multiplicación de estos comedores revelaron su éxito entre la capa social a la que iban dirigidos desde el principio: la de quienes sí cuentan desde el punto de vista electoral.

Aunque los comedores populares de Martí Batres no tienen por qué ser excluyentes de la cazuela popular que propuso AMLO, ésta última era y sigue siendo urgente desde el punto de vista humano y social. Queda esperar que el gobierno del doctor Miguel Ángel Mancera sea más sensible al hambre de quienes sí la padecen y cuyo derecho constitucional –que no asistencialismo– a una alimentación suficiente, nutritiva y de calidad sea cumplido en la capital de la República, pasando a la historia como un mexicano que no pudo más ante la intolerable miseria de sus compatriotas más desfavorecidos.

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Condecora ministra francesa de cultura al dibujante Quino

Afp

Periódico La Jornada
Domingo 2 de diciembre de 2012, p. 5

París. La ministra de Cultura de Francia, Aurelie Filippetti, condecoró el sábado al dibujante argentino Quino con la medalla de Oficial de la Orden de las Artes y las Letras. Toda Francia lo conoce y lo quiere (...) Mafalda forma parte de nuestra vida (...) Esa niña está inscrita para siempre en nuestra existencia, en nuestro imaginario, declaró la ministra al rendirle homenaje. Filipetti destacó que a través del personaje de Mafalda Quino no ha cesado de expresar verdades, entre ellas la necesidad absoluta de la libertad, el ejercicio permanente de la libertad frente a todas las dictaduras, frente a las órdenes impuestas, a las negaciones del libre albedrío. La ministra francesa destacó también el sentido político de los dibujos de Quino. Usted es un gran humanista, que nunca es severo, muy cercano, con sus dibujos y con su actitud al corazón de los demás, concluyó la ministra.

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Cada relato de El silencio de las amantes “muestra una porción del alma femenina”

Alfonso Doñate

La Jornada Jalisco

Periódico La Jornada
Domingo 2 de diciembre de 2012, p. 6

Guadalajara, Jal., 1º de diciembre. El periodista Andrés Ruiz, contralor de edición de La Jornada, presentó el libro El silencio de las amantes, de la escritora Elena Sevilla, en el salón Agustín Yañez de la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara.

El volumen en un mapa de la debacle social y la pérdida de valores sociales ante los problemas de las mujeres, comentó Ruiz sobre la obra de la escritora egresada de la escuela de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem).

Buen número de estudiantes se dio cita a la presentación del libro, lo que llenó de gozo a la escritora que dedicó gran parte de su discurso a alabar a esos jóvenes, que de seguro dejaron su lugar de confort y se tomaron la molestia de venir a entender el mundo de las letras.

Andrés Ruiz resumió las historias de vida que comparten los personajes dentro de los cinco cuentos del libro. Detalló que cada relato muestra una porción del alma femenina que siempre incita a preguntar y preguntarse por los detalles de la vida sin olvidar su contraparte, que es la parte de las mujeres que se resigna siempre a una vida habitual, sin riesgos intelectuales.

"El libro –abundó el periodista– es un acto de rebeldía ante el conformismo actual de una sociedad que carece de ambiciones; de esa manera, aprender es un acto de humildad en el que uno acepta su falta de conocimiento y abre una nueva ruta de vida."

El libro de Sevilla está cargado del dolor de las relaciones humanas tormentosas que marcaron siempre la vida de la autora, quien reconoce haber tenido una infancia llena de carencias, en la que lo único que nunca faltó fueron ganas de salir adelante, dentro de una sociedad que siempre se encargó de marginarla.

Jóvenes, jamás dejen de perseguir sus sueños, porque esa actitud nos borra del mapa. Aprendan siempre de su dignidad como personas, aprendan de este libro, en el que seguro habrán de reconocerse. Y, hombres, comprendan en el libro nuestra forma de pensar.

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En Todo empezó en domingo, Poniatowska evoca al DF “chaparrito y cálido” de 1957

Elena Poniatowska con Marcelo Ebrard y su esposa, Rosalinda BuesoFoto Pablo Luis Ramos

Reyes Martínez Torrijos

Periódico La Jornada
Domingo 2 de diciembre de 2012, p. 4

Un homenaje a la escritora Elena Poniatowska, al artista Alberto Beltrán –considerado integrante de la Escuela Mexicana de Pintura– y la celebración a una ciudad que se ha modernizado fue la presentación del libro Todo empezó el domingo, el viernes pasado en el Antiguo Palacio del Ayuntamiento.

Acompañaron a la colaboradora de La Jornada, Marcelo Ebrard, jefe de Gobierno del Distrito Federal (GDF), acompañado por su esposa Rosalinda Bueso, además de Inti Muñoz, director general del Fideicomiso Centro Histórico; Alejandra Moreno Toscano, titular de la Autoridad del Centro Histórico; Salvador Martínez della Rocca, secretario de Educación capitalino, y el cronista Armando Ramírez.

Durante su intervención, Poniatowska afirmó: Es un libro de mucho cariño, que a Beltrán le hubiera gustado que existiera, que no costara caro, que fuera para todos, porque él fue un niño pobre y siguió siendo un artista pobre.

Él nunca quiso estar en las galerías de arte, siempre estuvo con los más pobres, siempre estuvo con los más humildes; él mismo fue humilde, y eso es lo que representa este libro. Beltrán, recuerda la autora, era hijo de un sastre y a pesar de la negativa de su padre decidió ser dibujante y fue a la escuela.

Todo empezó el domingo, afirmó la escritora, nació el 24 de noviembre de 1957: Seguro muchos de ustedes no habían nacido. No sabían ni como era México; era un México más bien chaparrito, familiar, cálido donde había muchísimos personajes populares en la calle: un cilindrero que seguro en la noche se metía a dormir en su cilindro, porque no tenía ni a donde ir; la quesadillera, que hacia quesadillas a flor de banqueta...

Recuperar la memoria

En su momento, los participantes recordaron la forma en que conocieron a Poniatowska, y reconocieron su escritura y la sensibilidad con que aborda lo que le rodea en este escrito. También señalaron la importancia de la recuperación del trabajo de Alberto Beltrán, iniciado como artista en el Taller de la Gráfica Popular.

Inti Muñoz manifestó que la redición de este libro, nacido por idea e iniciativa de Elena Poniatowska, es también una manera de recordar de dónde venimos, recuperar la memoria, ver cómo es que la ciudad de México empieza a ser una ciudad moderna.

E informó que los ejemplares de esta redición en unos días se encontrarán a la venta en librerías a un precio bajo, por decisión de Elena y porque fue posible trabajar en equipo, a partir del encuentro con editorial Mapas. El libro en esta edición 2012 cuenta con fotografías de Graciela Iturbide. Además de un texto nuevo de Elena que no hay que dejar de leer.

Moreno Toscano dijo en su turno que el libro de Carlos Monsiváis Días de guardar es como un homenaje también a Todo empezó el domingo, "esta vista de lo que pasaba en la ciudad en esos días.

Este libro todavía pertenece a la estirpe de los libros de viajeros ilustres que llegaban a las ciudades y descubrían las cosas que los locales muchas veces nunca llegaban a ver. Y concluyó: Elena completa estás en el libro; me encantó lo volví a disfrutar y espero que me toque después comentar otras cosas.

Armando Ramírez reconoció que el libro lo maravilla, porque uno puede hablar de Elena como una gran periodista, un ser política y socialmente comprometido, pero a veces se deja de lado a la gran escritora que es, y en este libro nos demuestra con frases magistrales cómo es capaz de ver y nos enseña a ver las voces; eso lo tienen los grandes cronistas, y la comparó con Guillermo Prieto o Ángel de Campo, Micrós.

Este volumen fue reditado en conjunto por el GDF, el Fideicomiso Centro Histórico y editorial Mapas. Al final, el acto se convirtió en una celebración de la ciudad como espacio cambiante y de avanzada gracias a la sensibilidad, se dijo, de Marcelo Ebrard, jefe de Gobierno saliente. Leticia Bonifaz, Marta Lamas, Raquel Serur, Malú Micher, Evangelina Corona, Rosa Márquez, Consuelo Mejía, entre otras invitadas, ofrecieron al gobernante un reconocimiento, mariachi y flores por su apoyo en temas de equidad de género.

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Intentar censurar a medios impresos sería absurdo en tiempos de Internet: El Fisgón

Intentar censurar a medios impresos sería absurdo en tiempos de Internet: El Fisgón

Ericka Montaño Garfias

Enviada

Periódico La Jornada
Domingo 2 de diciembre de 2012, p. 3

Guadalajara, Jal., 1º de diciembre. La libertad de expresión es de quien la ejerce, dijo el monero Rafael Barajas El Fisgón, quien además señaló que intentar censurar a los medios impresos es absurdo en está época de redes sociales. Veremos un recrudecimiento de la defensa televisiva de Peña Nieto. Durante la presentación de su nuevo libro, La democracia me da Peña, recuento de la historia de la democracia en México, el dibujante dijo que todo país tiene su propia tradición cultural democrática, pero en México es una tradición de fraudes ininterrumpida desde que se forma como nación.

Este es un libro sobre esta gran tradición democrática que tiene México, que es la tradición de las grandes elecciones, pulcras e impolutas, dijo El Fisgón, quien estuvo acompañado por los moneros de La Jornada, José Hernández y Antonio Helguera, así como de Eduardo del Río, Rius.

La presentación del volumen ocurrió en el contexto del Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta que se realiza en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara, un día antes de la llegada de Enrique Peña Nieto como presidente del país y el regreso del PRI al poder.

Los señores del PRI son los campeones históricos del fraude electoral en México. Son los campeones mundiales, universales e intergalácticos; en ningún otro lugar del universo te vas a encontrar con un aparato de defraudación como el que tiene el PRI, que ha convertido al fraude electoral en una de las bellas artes.

En las elecciones pasadas, ese partido puso en marcha una maquinaria en la que gastó varias veces lo permitido en los topes de campaña, y el fraude se realizó aun antes del conteo de las actas, esto implica que fue más caro y más complejo, porque se hizo echando mano del aparato de televisión y de las encuestas, y con la compra masiva de votos, enlistó El Fisgón.

Enrique Peña Nieto siguió una estrategia clara, que fue cambiando. Si revisamos la campaña electoral, al principio tenía más de 50 por ciento de intención de votos según algunas encuestas, la elección era suya, parecía imposible que fuera a peder, pero ocurrió algo que nadie esperaba, que lo hizo bajar en las preferencias: abrió la boca. La primera vez, aquí en la FIL.

Hay un problema de fondo, añadió el investigador, Peña Nieto es tan ilegítimo como Calderón, y esto nos plantea problemas de diversa índole; uno de ellos es que si gastaron arriba de 40 mil millones de dólares, seguramente una parte vino del erario y otra de empresarios.

Ante todo esto no queda cruzarse de brazos, agregó, sino construir un gran movimiento de resistencia, organizarnos en serio, más como ciudadanos que electoralmente; es decir, convertirnos en ciudadanos militantes de tiempo completo.

Pero Rius advirtió: "esa propuesta es algo que he venido oyendo desde 1950: 'vamos a organizarnos', pero nos organizamos y nos hacen de chivo los tamales. Mi propuesta para no gastar tanto dinero, es que antes que nada, antes que empiecen a hacer campañas electorales y antes que el candidato empiece a recorrer el país tenemos que echar un telefonazo al departamento de Estado y preguntar si el candidato de izquierda tiene algún chance de que le den el visto bueno. Seguramente nos va a decir: 'están ustedes locos, cómo vamos a permitir que pase la izquierda'. Entonces ahí le paramos ya. ¿Para qué nos hacemos pendejos?"

Hay que recordar, terció El Fisgón, que los cambios de gobierno más importantes en América Latina comenzaron con grandes movimientos sociales que ganaron las calles, y ya que obtuvieron el territorio se les tiene que reconocer el triunfo electoral.

La pinche bronca es que no nos hemos organizado; hay que organizarnos ahora sí en serio.

–¿Cómo afecta el regreso del PRI? –preguntó un asistente.

–"A escala profesional tendría que estar feliz, es lo mejor que nos pudo hacer pasado, la maravilla de regresar a los tiempos de los zedillos y los salinas de gortaris. Nos facilita el trabajo, pero creo que van a buscar controlar a la prensa; creo que tienen más herramientas que las que jamás tuvo el PAN para controlar los medios impresos.

"Pero en esta época de Facebook, Twitter y redes sociales, buscar censurar los medios impresos es absurdo; lo que sí vamos a ver es un recrudecimiento de la defensa televisiva. Van a defender a Peña Nieto con las uñas de Adela Micha.

El próximo gobierno va a intentar dos cosas: coptar o censurar. Espero que me copten, ese sarcasmo final corrió a cargo de Hernández.

Poco antes de la presentación de La democracia me da Peña, los tres moneros, sin Rius, porque no alcanzó a llegar, estuvieron en otra mesa acompañados por otros moneros, como Noé Lynn Almada y Erasmo, para hablar de la revista El Chamuco que, anunciaron, se seguirá publicando.

Esa primera sesión terminó con el público y los moneros de pie para despedir con mentadas de madre a Calderón, Elba Esther Gordillo y algunos de losmiembros del gabinete saliente.

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Jimmie Durham crea arte desde “la visión de los vencidos”

Alejandra Ortiz Castañares

Especial para La Jornada

Periódico La Jornada
Sábado 1º de diciembre de 2012, p. 3

Amberes. El Museum van Heden-daagse Kunst Antwerpen (M HKA) mostró a lo largo de seis meses –del 24 de mayo al 18 de noviembre– la primera retrospectiva integral en el mundo dedicada a Jimmie Durham (Arkansas, 1940), considerado uno de los artistas vivos más importantes e influyentes de los recietes 20 años, según manifiestan los organizadores.

La exposición A matter of Life and Death and Singing –como ocurrió con su primera muestra individual de 1985 en el Museo Alternativo de Nueva York– fue curada por Bart De Baere y el sueco Anders Kreuge, director y curador, respectivamente, del M HKA.

Con más de 120 obras, abarcó la producción del artista desde sus primeras y raras esculturas que realizó cuando estudiaba en la École des Beaux-Arts, de Ginebra, a principios de los años 70, hasta las instalaciones más recientes, al reflejar la complejidad de su multifacético quehacer empezando por la diversidad de materiales y la interdisciplinariedad de su actividad. Durham inició su carrera en los años 60 al explorar teatro, literatura y performance.

La muestra belga integró, por tanto, aquella francesa de 2009 titulada Pierre Rejetées, presentada en el Musée d'Art Modern de la Ville, de París, que sólo incluyó el periodo europeo desde 1994.

Obra con materiales reciclados

Al recorrer las cándidas y anónimas salas del museo que adoptó un criterio cronológico-temático, la sensación inmediata es de una obra desguarecida y escueta, del todo antiespectacular aunque clara e inmediata, puesto que para el artista –como sucede con sus ensayos– es fundamental la comunicación con el espectador, pues considera que el arte no es individual, sino colectivo.

El arte de Durham es contrario a la arquitectura, a la narración y a la estructura como él mismo afirma.

Sin embargo, el artista no pretende del espectador el goce estético ni la pasividad contemplativa, sino que lo pone en condición de cuestionarse y romper con los paradigmas estéticos e ideológicos establecidos por la cultura hegemónica en términos de colonialismo y racismo, a menudo interpretado irónicamente.

La vena intelectual del artista emerge en toda su producción: "Quiero pensar sobre arte, ser parte del proceso pensante de la humanidad y no de aquello 'sensible'. Tenemos suficientes emociones y sentimientos, pero carecemos de pensamientos".

La palabra escrita es un reflejo de ello, no sólo en su actividad de poeta, teórico y ensayista, sino al integrarla en su arte, como es plausible en los títulos que nunca son banales o casuales.

La obra de Durham está realizada con objetos reciclados, ensambles con materiales pobres y poco atractivos, como pedazos de madera, plumas, hueso, tubería de PVC, troncos u objetos de desecho. Sin embargo, el material símbolo de su arte son las piedras que comenzó a utilizar cuando arribó a Europa, usadas como objeto artístico y como símbolo de la destrucción del sistema, pero también como herramienta para arruinar objetos o agredirlos durante sus performances.

Crítica al poder y el Estado

Jimmie Durham es un artista de ascendencia cherokee, lo cual se cita no como dato exótico, sino como elemento determinante para comprender su arte. Su condición periférica, sumada a una sensibilidad y estatura intelectual singular, lo han puesto en condiciones de experimentar en primera persona y desde adentro la visión de los vencidos, donde su arte asume una actitud fuertemente crítica respecto de las estructuras del poder y del Estado sin ser un arte visiblemente político o de protesta.

La Malinche, 1988-1991, SMAK, Gante, obra de Durham incluida en la muestra de AmberesFoto Alejandra Ortiz

Durham comenzó su actividad artística mediante el teatro experimental, pues tuvo como referencia el teatro del oprimido, teorizado por el brasileño Augusto Boal. En una entrevista Durham manifestó: "Las personas de mi grupo eran en su mayoría negros, y trabajábamos también muy cerca del teatro campesino, compuesto por chicanos. Nuestra idea primordial era organizar políticamente a la comunidad, educando a la gente a entender sus derechos con la idea de liberarnos de la opresión cotidiana. Para mí, el teatro era un acto político."

El empeño político de Durham fue completo de 1973 a 1979, como activista del American Indian Movement (AIM), además de haber fundado y dirigido el International Indian Treaty Council, reconocido por la ONU.

Tal experiencia debió de ser fundamental para afianzar sus ideas y transmitirlas a través del arte cuando la retomó en 1980. En estos años hizo performance con la colaboración de su esposa, compañera de vida y colaboradora, Maria Thereza Alvez (de origen brasileño), como ocurre hoy. Pero lo más reconocible de en-tonces es la escultura con esqueletos de animales y plumas que le permitieron adquirir fama en Nueva York. Su trabajo, al ser interpretado como arte indio, lo lleva a mudarse a México y es cuando comienza a exponer en galerías y museos del mundo, así como más recientemente en las prinicpales citas del arte desde las bienales de Venecia y São Paulo hasta Manifesta 7, Documenta IX, y la XIII de este año, entre muchos otros.

Jimmie Durham ha tenido un contacto importante con México, donde vive desde 1987 y por siete años en Cuernavaca en condiciones de gran pobreza.

De este periodo son algunas de sus obras más famosas y reconocibles, como las esculturas La Malinche (1988-1991) y Cortés (1991), pertenecientes al Museo SMAK, de Gante, en Bélgica.

En la poesía Columbus day (en Día de la raza, 1975), Durham recuerda que fue en la escuela donde supo de Colón, Cortés, Pizarro y una docena de inmundos asesinos.

El artista se indigna porque la historia ha olvidado a sus víctimas, preguntándose: ¿Cómo se llamaba la joven que agraciadamente bailaba y que todos en el pueblo cantaban con ella antes que la espada de Cortés le tajara sus manos, mientras protestaba porque habían quemado a su amado?

Representado por Kurimanzutto

El Cortés de Durham aparece frente a nosotros como Deus ex machina: una enorme escultura-collage compuesta en su mayoría por objetos metálicos disímiles y con ruedas en lugar de piernas. Su aspecto amenazante y gélido es mitigado apenas por un pedazo de tubería naranja que completa el cuerpo del personaje. El único aspecto humano de su figura es el semblante-máscara de rasgos caucásicos que contrasta con la piel morena y cálida de La Malinche, resaltado por la madera y la tela que componen la figura melancólica de ella que cubre su desnudez con un anacrónico corpiño.

Kurimanzutto es la galería mexicana que representa a Durham; además, críticos como Cuauthémoc Medina se han ocupado de su obra al realizar la curaduría, por ejemplo, de la exposición Dominó caníbal en Murcia, que duró todo 2010.

Asimismo, por estas fechas saldrá una recopilación de ensayos de Durham, 1993-2011, publicada por Jean Fisher.

La muestra forma parte de un proyecto de investigación que incluye la creación de una base de datos desarrollada por el M HKA, museo que ha recopilado todos sus textos y más de 800 obras, lo cual marca el inicio del catalogue raisonné, que el recinto realiza.

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La Orquesta Simón Bolívar reivindica a compositores de AL

Gustavo Dudamel dirige a la Orquesta de la Juventud Bolivariana de Venezuela, durante su primera visita a México, en noviembre de 2007Foto Pablo Espinosa

Afp

Periódico La Jornada
Sábado 1º de diciembre de 2012, p. 5

Berkeley, Cal., 30 de noviembre. Que todo el mundo sepa que en Latinoamérica tenemos grandes compositores, manifiesta emocionado el joven director Jesús Parra en la Universidad de Berkeley, donde la orquesta venezolana Simón Bolívar comienza una gira por Estados Unidos, con repertorio de música de la región.

Este joven de sólo 18 años es una de las promesas del Sistema de Orquestas Infantiles y Juveniles creadas por el maestro José Antonio Abreu en 1975 para apartar a los niños de la miseria y la marginación, y es también uno de los directores invitados para esta gira de la Simón Bolívar, la joya del Sistema, bajo la batuta del aclamado Gustavo Dudamel.

Jesús Parra habla en el receso de un ensayo en el Zellerbach Hall de Berkeley, antes de uno de los dos conciertos que la orquesta –con más de 170 músicos– ofrece en esta ciudad del estado de California.

Indicaciones de Dudamel

Hasta el próximo 12 de diciembre, la orquesta desplegará su arte también en Chicago, Washington, Filadelfia y Nueva York, con un programa que incluye obras de los compositores mexicanos Carlos Chávez y Silvestre Revueltas, el venezolano Antonio Estévez y el argentino Esteban Benzecry.

"La música clásica nace en Europa, pero nosotros tenemos grandes cosas. Si tuviera que hacer un concierto en Europa o Estados Unidos, decidiría hacer Santa Cruz de Pacairigua" (del compositor venezolano Evencio Castellanos)", añade Jesús Parra.

La voz de Dudamel, vestido con vaqueros y camiseta a rayas, suena nítida mientras desde su tarima en el escenario da a los músicos –también vestidos de calle– las últimas indicaciones de la Sinfonía India, de Chávez.

¿Podemos repetir ese final, por favor?, ¡Trompeta, cuidado con esa reacción, llegó demasiado tarde!, Sinceramente, no está bien o Ahora sí!, va marcando Dudamel, director también de la Filarmónica de Los Ángeles y de la Sinfónica de Gotemburgo, mientras los músicos repiten una y otra vez los movimientos.

Sentado en las primeras filas de la platea vacía, el maestro Abreu, creador de este sistema de inclusión social mediante la música que ya cuenta con 400 mil niños y adolescentes en Venezuela, y ha sido replicado en varios países, observa con devoción cada uno de los movimientos.

El ambiente es de una seriedad relajada, y a veces los irónicos comentarios de Dudamel propician alguna que otra carcajada entre los músicos, la mayoría de entre 20 y 35 años de edad. El ritmo estos días es frenético en Berkeley, entre ensayos, audiciones, conciertos con niños, orquestas de cámara en comunidades y conferencias.

Gustavo ha abierto una puerta gigantesca para las obras latinoamericanas. No son conocidas como una sinfonía de Beethoven o de Brahms, pero les falta mucho camino por recorrer, asegura Joshua Dos Santos, de 27 años, joven director invitado y compañero de Dudamel durante años.

Ejemplifica con la Sinfonía India, de Chávez, o La noche de los mayas, de Revueltas. Son de gran fuerza y gran capacidad para mostrar lo que fue la cultura prehispánica, dice, mientras Dudamel da por concluido el ensayo y el sonido de trompetas, violines y contrabajos se va apagando.

Algo grandioso

No es la primera vez que la Sinfónica Simón Bolívar pasa por Estados Unidos. En 2007 ya deslumbró en una gira por Los Ángeles, San Francisco, Boston y Nueva York, y en enero de este año hizo algunos conciertos con la Filarmónica de Los Ángeles.

Tampoco es la primera vez que Dudamel presenta piezas latinoamericanas. "Ya hizo la Sinfonía India con la Filarmónica de Berlín", recuerda Ismel Campos, de 27 años, ejecutante con viola, quien nació en una modesta barriada de Coro e integra el Sistema junto a su madre y sus tres hermanos.

"Es realmente grandioso. Dar a conocer (a los compositores latinoamericanos) para que otras orquestas se integren y hagan nuestro repertorio y lo combinen con el tradicional europeo, como con la Sinfonía Alpina, de Strauss", agrega.

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Abraham Zabludovsky recibe homenaje en el Museo Nacional de Arquitectura

Aspecto de la muestra-homenaje al arquitecto Abraham Zabludovsky (1924-2003) en el recinto ubicado en el Palacio de Bellas ArtesFoto Roberto García Ortiz

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Sábado 1º de diciembre de 2012, p. 4

El Museo Nacional de Arquitectura rinde un merecido homenaje a Abraham Zabludovsky (1924-2003) mediante una exposición de fotografías de alrededor de 30 obras y 14 maquetas, expresa Dolores Martínez Orralde, directora de Arquitectura y Conservación de Patrimonio Artístico Inmueble (ACPAI), del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

Zabludovsky, señala la funcionaria, es reconocido como uno de los grandes representantes de la arquitectura mexicana contemporánea, ya que en la práctica desarrolló y consolidó un lenguaje arquitectónico que lo distingue e identifica en el ámbito nacional e internacional.

El arquitecto originario de Bialystok, Polonia, llegado a México a los tres años de edad, más que pertenecer a una corriente arquitectónica, inició una: la de Zabludovsky, que destaca por el uso del concreto aparente y la volumetría, externa Juan Manuel Ortiz Híjar, coordinador del museo, ubicado en el tercer piso del Palacio de Bellas Artes.

La exposición Abraham Zabludovsky: 1924-2003, inaugurada la noche del jueves 29, comienza con dos obras póstumas del Premio Nacional de Ciencias y Artes 1982, galardón que compartió con Teodoro González de León: el Museo Interactivo Papagayo, en Villahermosa, Tabasco, y el Auditorio y Centro de Convenciones, Coatzacoalcos, Veracruz. De hecho, fue gracias al impulso y compromiso de su esposa Alinka Kuper que ambas obras se terminaron.

El Premio a la Composición Arquitecto Abraham Zabludovsky fue instituido por Alinka Kuper tras haber donado la colección de planos, croquis y fotografías de su cónyuge a la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma (UNAM) de México en 2003.

A partir de entonces la muestra prosigue en orden cronológico al empezar con su primera etapa, la cual consistió básicamente en obras con fines habitacionales, como casas y edificios de departamentos. Su propia casa, construida en 1969, marcó una transición, ya que empezó a usar otro tipo de materiales.

Construida en un terreno en forma de abanico y con una pendiente muy pronunciada, la edificación se asienta sobre una plataforma de concreto elevada a media altura de la pendiente y sus habitaciones se hallan orientadas hacia la barranca. Los muros exteriores son de concreto ocre con agregado de mármol blanco. De allí, trabajó en obras como auditorios, centros cívicos y embajadas de México.

En un texto publicado en 1999, el crítico Manuel Larrosa consideró que Zabludovsky logra en lo arquitectónico una fecunda reiteración compositiva, semejante a la que ofrecen, en la música las fugas de Johann Sebastian Bach.

La crítica Louise Noelle también escribe: La plasticidad y la abstracción del concreto, como única materia, le permitieron pasar del proyecto a la obra desde un discurso que entrecruzó las enseñanzas de Movimiento Moderno con una lectura personal de las culturas autóctonas.

Para la selección del material expositivo, se contó con el apoyo de la familia y la Facultad de Arquitectura de la UNAM. Intuición, reflexión, ser interno, tenacidad, trabajo incansable con un genuino placer y un deseo legítimo por alcanzar un sueño, así es como Jorge Tamés y Batta, director de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, se acuerda de Abraham Zabludovsky, con quien trabajó.

Un texto de Gina Zabludovsky Kuper, proporcionado por la dirección del ACPAI, subraya que durante los últimos meses se han rescatado e intervenido tres de sus obras (de su padre): el Auditorio de la Reforma en Puebla (1979), que contó con la ejemplar defensa de los comités ciudadanos ante autoridades que querían destruirlo por motivos comerciales, el Museo Tamayo, uno de los que más ha resistido el tiempo, y la biblioteca de la Ciudadela.

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Exhiben trabajos de la edición 15 de la Bienal Tamayo en el museo del artista

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Sábado 1º de diciembre de 2012, p. 5

Después de su itinerario por los estados de Oaxaca, Chihuahua, Tamaulipas y Guanajuato, la muestra de la edición 15 de la Bienal de Pintura Rufino Tamayo finalmente se exhibe en las salas renovadas del Museo Tamayo Arte Contemporáneo.

La exposición, que fue inaugurada la noche del jueves, reúne 51 piezas de 34 autores, seleccionadas de un total de 2 mil 605 obras recibidas, de mil 34 artistas participantes.

El jurado que se encargó de la selección estuvo integrado por Melanie Smith, Germán Venegas, Teresa Velázquez y la curadora Carmen Cebreros.

En defensa de la pintura

Teresa Velázquez explicó que el criterio para elegir las piezas fue puramente estético y de experimentación, al tiempo que subrayó la importancia que tiene la bienal como único espacio para evaluar lo que sucede con la pintura contemporánea.

Somos miles de pintores en México, desde los jóvenes hasta los grandes maestros, porque existe una innegable tradición pictórica. Los pintores requerimos de estos espacios como la bienal para investigar, contemplar, conservar y desarrollar el arte pictórico, uno de los conocimientos primordiales en la historia de la humanidad y quizá de los más valiosos, señaló Velázquez.

La artista recordó que en 2010 se intentó suspender la bienal y la comunidad de pintores exigió que se mantuviera el certamen. Había una política de Estado que trató de diluir la pintura de otros medios alternativos e incluirla en este saco general de artes visuales, de manera que estuviera todo representado menos la pintura.

La muestra incluye los tres premios de adquisición de la edición: Emi Winter, por su obra Nube (2011); J.J. Lozano, con Pirámide devastada (2011), y Roberto Rébora, por Islas de mujeres (2011), las cuales ahora pertenecen al acervo del gobierno del estado de Oaxaca.

También se exhiben las obras que recibieron mención honorífica, de Luis Hampshire, Parangón menina (2010); Destrucción compositiva: los profetas del Apocalipsis (2011), de Óscar Rafael Soto; Cualquier casa puede ser una prisión (2011), de Karen Dana Cohen, y Socio Bob y Halcón herido (2011), de Hugo Leonello.

Retratado por Álvarez Bravo

El guión museográfico de la muestra reflexiona sobre la figura de Rufino Tamayo mediante una selección de 22 fotografías del artista oaxaqueño pertenecientes al acervo del museo Tamayo, quien fue retratado por Manuel Álvarez Bravo, Irving Penn, John Rawlings, el Estudio Maywald, Cornell Capa, el Estudio Dena, Nicolás Murray, José Verde y el Estudio Herrera, entre otros. Asimismo se incluye el óleo Hombre en rojo (1976), de Rufino Tamayo.

La Bienal de Pintura Rufino Tamayo 2012 se exhibió en los museos de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO) y el Chihuahuense de Arte Contemporáneo Casa Redonda, así como en el Parque Cultural de Reynosa, del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes, y en la Galería del Sistema Municipal de Arte y Cultura de Celaya, Guanajuato.

En el Museo Tamayo Arte Contemporáneo (Paseo de la Reforma y Gandhi, Bosque de Chapultepec), la exposición permanecerá abierta al público hasta febrero de 2013, de martes a domingo de 10 a 18 horas.

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Juan Arturo Brennan: Puentes nuevos

E

n días pasados, se realizó en esta ciudad el tercer Festival Puentes, guiado por la compositora Marcela Rodríguez, como una continuación de aquellos históricos Festivales Hispano-Mexicanos de Música Contemporánea que abanderó Alicia Urreta y que tanto enriquecieron entonces el intercambio sonoro entre ambas naciones. A la luz de la magra asistencia a los dos conciertos que enmarcaron el desarrollo del festival, se hace necesario enfatizar una vez más la evidente desconexión entre el público y la música de hoy. De un lado, y de otro, esos puentes no están siendo cruzados.

El concierto inaugural, protagonizado por los percusionistas de Tambuco y realizado en la Ollin Yoliztli, integró una obra mexicana y cuatro españolas, con un balance general positivo. De inicio, Kailash, obra colectiva de Mario Lavista (con él mismo al piano preparado), Tambuco y la oboísta Carmen Thierry, en cuya parte instrumental fue posible detectar claras referencias a la obra Marsias para oboe y copas de cristal de Lavista. Una buena dosis de improvisación controlada, con elementos sonoros que remiten a lo oriental, a lo repetitivo (¿minimalista?), a John Cage (no podía ser de otra manera) y algunos episodios con centros tonales como ancla. Notable, una potente sección a base de gradaciones dinámicas extremas en placas metálicas. Después, Shiver, para cuatro marimbas y vibráfono, de Miki Campins, de corte más claramente minimalista, armónicamente dulce y con ciertos aromas sonoros tropicales. Le Prie-Dieu sur la Terrasse, de Luis de Pablo, es una pieza que no hace justicia a la bien ganada reputación de este gran compositor español. Más performance que música, más teatro que sonido, usa principalmente el bombo y los cencerros para explicitar su preocupación con los modos de producción sonora, preocupación que es empañada por el movimiento escénico propuesto. Después, en estreno mundial, la obra De anima, de Inés Thiebaut, muy sólida en sus juegos tímbricos y en la diferenciación (tanto sónica como estructural) entre lo de metal, lo de madera y las membranas. Inteligente y refinado uso de los cuencos metálicos y del motor del vibráfono por parte de la compositora. Para terminar, Acte Prealable de Francisco Guerrero, compleja, energética y explosiva partitura cuyo discurso se articula con buena lógica sobre todo a través de tambores y blocks. Solidez y coherencia evidentes en este trabajo de Guerrero y, como en las demás obras, ejecuciones de primer nivel a cargo de Tambuco.

Una semana después, el Festival Puentes concluyó, en la misma sala, con un muy interesante concierto sinfónico a cargo de la Filarmónica de la Ciudad de México bajo la conducción de José Areán, que incluyó sendos estrenos en México de Javier Álvarez y José Manuel López López. Jardines con palmera, de Álvarez, es un bien logrado concierto para percusión en cinco partes, en el que el compositor propone y logra una hábil estilización de un cierto ambiente tropical, vía referencias varias (más de lo popular que de lo académico) y con una batería solista de insólito instrumental, que incluye cajón, steel pan y berimbaus, entre otras cosas. Como siempre en la música de Álvarez, desarrollo de ideas a la vez complejo y claro, y una componente rítmica llena de laberintos y sorpresas. Como solista, y de muy eficaz rendimiento, Florent Jodelet.

El concierto y el festival concluyeron con el Concierto para piano de José Manuel López López, una partitura de enorme complejidad y densidad, de apretadas, casi microscópicas texturas y una puntillista filigrana sonora tanto en el instrumento solista (inteligentemente intervenido por el compositor) como en la orquesta. En esta era postpiano preparado, López López logra obtener del teclado (y otras partes del piano) sonoridades insospechadas, además de integrarlas con eficacia al total de su discurso.

El pianista Alberto Rosado, quien realizó proezas técnicas en esta demandante partitura, tocó después otra pieza de López López (dedicada a Luis de Pablo), urdida en una expresividad y un lenguaje diversos, no menos contemporáneos, cuya audición reafirmó el estatus del compositor como un muy importante creador sonoro de la España de hoy. De la obra de Eduardo Mata que completó el programa, daré noticia detallada en otro momento.

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