Me encanta que Tlatelolco vuelva a ser un foco de sabiduría: León-Portilla

Miguel León-Portilla durante su disertación titulada Tlatelolco: escenario de grandes realizaciones culturalesFoto María Meléndrez Parada

Reyes Martínez Torrijos

Periódico La Jornada
Sábado 3 de agosto de 2013, p. 4

Tlatelolco fue el centro de rescate y conservación de muchos de los valiosos saberes indígenas, en materias como medicina, antropología, historia y lingüística.

Sobre el tema, el historiador Miguel León-Portilla dictó una conferencia magistral con la cual la tarde del jueves se inauguró el ciclo Tlatelolco en el siglo XVI: lugar de historias y saberes, y que cada semana desde ese día se realizará con diferentes participantes en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT).

"La riqueza de aquí fue de textos de sabiduría, de códices, del herbario el Códice Badiano, fue de todo el saber acerca de la cultura indígena, la tradición y las discusiones de los frailes con los indígenas, fue un tesoro maravilloso", señaló el especialista con jovialidad y elocuencia durante la ponencia Tlatelolco: escenario de grandes realizaciones culturales.

Tlatelolco, de origen prehispánico, despuntó como centro político y social en el siglo XVI, y con el Colegio de Santa Cruz fue eje de la cultura novohispana. A través de este ciclo de 13 conferencias, que concluirán a mediados de octubre, se analizará la aportación de franciscanos y nativos del lugar.

León-Portilla (DF, 1926) destacó que la institución, enclave de la orden franciscana fundado en 1536 era como los monasterios benedictinos de la Edad Media, donde se copiaron y salvaguardaron los manuscritos antiguos. "Esto es una gloria de México. Si aquí hubo un foco de sabiduría… me encanta que hoy vuelva a serlo."

Afirmó que fray Bernardino de Sahagún obtuvo de sabios indígenas ancianos tlatelolcas los dramáticos testimonios de la conquista convertidos en poema épico. Por tanto, su libro La visión de los vencidos está basado en historias originadas en esta zona.

Como ejemplos de la riqueza cultural de Tlatelolco, mostró un mapa de la ciudad de México elaborado en el colegio hacia 1550 para el rey español Carlos V, que ahora se encuentra en la Universidad de Uppsala, Suecia. En ese entonces, el centro religioso contaba con un scriptorium, donde pintores, escultores, cantores y elaboradores de códices laboraban; ahí se realizaban docencia, investigación y difusión de la cultura.

Hizo una petición al Gobierno del DF: "Ojalá que con sentido histórico a lo largo del Paseo de la Reforma se pongan monumentos a los grandes maestros tlatelolcas, a Antonio Valeriano, a Martín Jacobita, a Sahagún, a Andrés de Olmos… esa pléyade de hombres que rescatan gran parte de nuestra más antigua herencia cultural". También pidió que si le interesa participe en una nueva edición del mapa.

El también antropólogo mencionó la labor de franciscanos asentados en la zona para la recuperación del conocimiento indígena en huehuetlahtolli (palabra antigua). Fray Andrés de Olmos recogió documentos en los que se educaba a los hijos, cómo impartían justicia los jueces, cómo se hacían oraciones a los dioses, entre otros.

De Sahagún se apoyó en sabios indígenas en Tepeaculco, Hidalgo, para recuperar textos canónicos, respuestas a preguntas específicas y ocurrencias de los herederos del saber prehispánico, organizados como una enciclopedia en 12 volúmenes. Se trata de La historia general de las cosas de la Nueva España, el Códice Florentino, que se puede consultar en Internet (La Jornada, 6/02/13).

En el acto estuvieron presentes Jorge Jiménez Rentería, director general del CCUT; José Rubén Romero Galván y Pilar Máynez, organizadores del ciclo nacido a partir del proyecto de Salvador Guillem en el espacio que conjunta las épocas prehispánica, novoshipana y contemporánea, que cristalizó con el programa académico sobre el Colegio de Tlatelolco.

Las próximas conferencias son El Colegio de Tlateloco: cuna de proyectos interculturales (Berenice Alcántara, 8 de agosto) y Santa Cruz de Tlatelolco: centro de los primeros humanistas mexicanos (Francisco Morales, 15 de agosto). Ambas a las 18 horas. El programa completo se puede consultar en la página electrónica UNAM Tlatelolco

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Fallece José Guadalupe Moreno de Alba, reconocido lingüista y filólogo

De la Redacción

Periódico La Jornada
Sábado 3 de agosto de 2013, p. 7

El reconocido lingüista y filólogo José Guadalupe Moreno de Alba falleció este viernes en la ciudad de México a la edad de 72 años, tras padecer de cáncer.

Miembro de la Academia Mexicana de la Lengua (AML) desde 1978, la labor del especialista se dedicó a la preservación y enriquecimiento del idioma español.

Rafael Tovar y de Teresa, presidente del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes lamentó el deceso y manifestó sus condolencias a familiares y amigos.

En el transcurso de la tarde, la Real Academia Española difundió por redes sociales el deceso citando a una fuente mexicana.

Docencia en el extranjero

Moreno de Alba nació en la población jalisciense de Encarnación de Díaz, el 12 de diciembre de 1940. Realizó sus primeros estudios en la ciudad de Aguascalientes, para luego trasladarse al Distrito Federal, donde se tituló como licenciado en lengua y literatura hispánicas y más tarde como maestro y doctor en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), dependencia que dirigió al paso del tiempo. También realizó estudios de entonación hispánica y dialectología general en El Colegio de México, entre otros cursos.

José Guadalupe Moreno de Alba, en imagen de 2009Foto José Núñez

Fue autor de una serie de amenos artículos sobre el idioma español difundidos con el título Minucias del lenguaje en diversas publicaciones periódicas, que fueron reunidas por el Fondo de Cultura Económica en varios tomos. El último apareció en 2003.

También se convirtió en miembro correspondiente de las academias Cubana de la Lengua y Norteamericana de la Lengua Española. Realizó labores como profesor invitado en 18 universidades de Reino Unido, Francia, Alemania, Canadá, Estados Unidos y Países Bajos.

Entre 2003 y 2011 fue director de la AML. Recibió los reconocimientos de la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio en 1999, otorgada por España; y los premios Universidad Nacional 2003 en investigación en humanidades y, en 2008, el Nacional de Ciencias y Artes en el área de Lingüística y Literatura.

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Juan Arturo Brennan: Reporte de jazz: Wycliffe Gordon

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ué? Jazz. ¿Dónde? En la nueva Sala Telefónica inaugurada hace poco en terrenos de la SACM. ¿Quién? Wycliffe Gordon y su cuarteto. ¿Alineación? El propio Gordon en trombón, trompeta y voz, Ehud Asherie en piano, Yasushi Nakamura en contrabajo, Alvin Atkinson Jr. en batería. (Nada mejor que una banda multiétnica para darle sabor al caldo). ¿Contexto? La serie de presentaciones que bajo el rubro NY Jazz All Stars organiza y difunde en México el trompetista y promotor Eugenio Elías. ¿Conexión institucional? La mejor posible: el proyecto Jazz at Lincoln Center que preside Wynton Marsalis. ¿Primeras referencias sonoras de la velada? El swing y el dixieland. ¿Homenaje particular? A Louis Satchmo Armstrong, a través de buenas aproximaciones a su voz y a su trompeta a cargo de Gordon. ¿Ornamento específico de estilo? Un skat muy bien trabajado, que funciona especialmente bien en ciertos episodios a manera de responsorio entre el trombón y la voz. ¿Otra referencia destacada? A la música inmortal de Edward Kennedy Duke Ellington. ¿Por ejemplo? Una gran versión de It don't mean a thing, en la que el uso de las sordinas (incluyendo la infaltable bomba destapacaños) lleva la música a estratos sonoros cercanos a la legendaria Sequenza V para trombón solo de Luciano Berio. ¿Alguna sorpresa notable? Varias. Entre ellas, por ejemplo, el vasto repertorio de efectos sonoros y modos de producción a cargo de Atkinson Jr., destacando el sistemático y eficaz uso del rim shot y la asombrosa creación de melodías en… ¡la tarola! Por si fuera poco, Atkinson Jr. también canta, y su alucinante dueto vocal con Wycliffe Gordon resulta una de las cimas de la noche. ¿Algunas otras referencias memorables? El ragtime, por ejemplo, y la música indispensable de Fats Waller. Sus African ripples brillan intensamente en el piano solo de Ehud Asherie, quien va y viene con gran flexibilidad entre sus propias contribuciones estilísticas y el homenaje al stride piano, la marca personal de la música de Waller. ¿A quién más se refiere Wycliffe Gordon a lo largo de la noche? A su ilustre colega y antecesor Jack Teagarden, un grande del trombón. La interpretación de su Black & Blue, formidable pieza contestataria y polisémica cuyo texto es una poderosa declaración política, deviene ejemplar lección de coherencia instrumental. ¿Alguna otra cosa que deban ustedes saber? Un par, al menos. Wycliffe Gordon toca brevemente un mini-trombón que es el soprano de la familia, del que extrae todas las virtudes del trombón y algunas más asociadas con la trompeta, instrumento del que también es un sólido ejecutante. Y en la sabrosa ejecución de la legendaria Caravan de Ellington, el otro trombón de Gordon, el grande, comienza sonando como un didjeridoo, dándole kilométrica amplitud al rango sonoro del cuarteto.

Dicho lo cual me bajo de esta especie de ejercicio de estilo de escuela periodística de otros tiempos para comentar que, por lo visto y escuchado esa noche, es evidente que esta serie jazzística viene a paliar un poco, en buena hora, la evidente y ya añeja carencia de espacios para el buen jazz en esta metrópoli y en esta nación. La Sala Telefónica es un espacio muy adecuado para el quehacer musical, y exhibe la virtud de tener el tamaño idóneo para colocarse a medio camino entre la Sala Carlos Chávez (chica) y la Sala Nezahualcóyotl (grande), que buena falta hacía por estos rumbos. Sería formidable que se programara allí buena música de cámara, desde recitales a solo hasta una sinfónica mediana tipo Mozart-Haydn, que permitieran calibrar en condiciones más exigentes (léase unplugged) las buenas cualidades acústicas de la sala. Por lo pronto, lo que hay en el futuro de este espacio es jazz, jazz y más jazz: la serie se reanuda el 7 de septiembre con Vincent Gardner, y las presentaciones siguientes serán protagonizadas por John Ellis, Matt Wilson y Ali Jackson. Resumen y conclusión: hay pocas experiencias musicales tan energizantes y potentes como una buena sesión de jazz. La de Wycliffe Gordon y sus cómplices fue de primera.

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Krzysztof Smolana: Refugiados polacos en México

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iendo historiador dedicado a la historia de las relaciones entre Polonia y México, con una alegría y placer auténticos leí el artículo de la ampliamente conocida y estimada escritora Elena Poniatowska, titulado México: país providencial para los polacos. Me permito, no obstante, agregar unos comentarios al susodicho texto.

Antes que nada la información sobre el inicio de la guerra me parece haber surgido de una abreviación intelectual excesiva o de un recurso de redacción erróneo. La fecha de su comienzo siempre se ha prestado a controversias y de forma distinta la fijan los españoles, los franceses, los rusos o los polacos. Para nosotros –los polacos– la guerra comenzó con la agresión alemana del 1º de septiembre de 1939, mientras el 17 de septiembre del mismo año Polonia fue invadida por la URSS. Tampoco pudieron los nazis deportar a los ciudadanos polacos de Siberia, Uzbeskistán y Kazajstán, pues aquéllos pertenecían en ese entonces a los soviéticos. Puede ser también, por supuesto, objeto de discusión la magnitud de las pérdidas humanas durante toda la Segunda Guerra Mundial, particularmente en la Europa Central y Oriental, donde en cada país vivieron, y a menudo aún viven, numerosas minorías nacionales. En Polonia, sin embargo, se habla oficialmente de la pérdida de 6 millones de ciudadanos polacos, incluidos judíos polacos. Además las experiencias de las últimas décadas en Europa demuestran que ser yugoslavo consistía más bien en la pertenencia a un Estado y no a una nación.

Me permito también ampliar cierta información ofrecida en el artículo. El acuerdo firmado en diciembre de 1942 entre el presidente de la República, el general Manuel Ávila Camacho, y el primer ministro polaco, el general Wladyslaw Sikorski, fue el único convenio de esa índole concluido por cualquier país de América Latina durante aquella guerra sangrienta. La llegada del general Sikorski a México se convirtió en la primera visita de tan alto rango en América Latina hasta aquel momento.

Con un deleite especial leí las tan verdaderas y agradables palabras sobre Henryk Stebelski, quien sin bien es verdad que debido a su debilitada vista no fue oficial del Ejército Polaco –lo cual la autora del texto tiene derecho a ignorar– fue uno de los voluntarios quienes en 1920 lucharon por la independencia de su país. Es mi convicción personal que merece que se le titule capitán, tomando en cuenta no sólo la manera en que manejó el transporte de refugiados polacos camino a Santa Rosa, pero también su dedicación a los asuntos de Polonia durante su gestión diplomática. Su persona y destino merecen un relato aparte. Sin embargo deseo añadir una minúscula corrección e indicar que los refugiados de los que se hizo cargo fueron principalmente los deportados de la Polonia ocupada por los soviéticos en el periodo entre 1939 y 1941.

También el profesor Erik Kelly –ciudadano estadunidense, quien mucho antes de la Segunda Guerra Mundial se interesaba en Polonia y le tenía una simpatía especial– es merecedor de una cobertura más amplia. Se podría al mismo tiempo prolongar la lista de los inmigrantes polacos que en México fueron capaces de logros extraordinarios, bellos y útiles, como por ejemplo el profesor Jerzy Plebanski o Jan Patula, profesor de la Universidad Autónoma Metropolitana-Iztapalapa.

Texto que publicamos como seguimiento de México: país providencial para los polacos, artículo de Elena Poniatowska, el cual apareció en estas páginas el domingo 28 de julio

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Regresa tianguis al Museo Universitario del Chopo, donde surgió hace 33 años

Ericka Montaño Garfias

Periódico La Jornada
Sábado 3 de agosto de 2013, p. 5

El Tianguis del Chopo regresa al lugar donde se originó hace 33 años: el Museo Universitario del Chopo. Las propuestas alternativas abandonan también el espacio museístico para llegar al mercado que se ubica ahora a un costado de la Biblioteca Vasconcelos.

Se trata del ciclo El tianguis regresa al Chopo en el cual se realizarán conciertos con grupos representativos de la fundación del tianguis, y poetas alternativos irán al lugar donde aún existe el trueque de discos.

Tratamos de vincular nuevamente al tianguis y al museo, dice José Luis Paredes Pacho, director del recinto universitario que este domingo a las 18 horas recibe el primer grupo, Decibel. Queremos mirar hacia adelante pero también revisar y documentar la historia del museo. Queremos documentarlo mediante acervos y eso implica hacer la historia o pensar o visitar la historia de las escenas que rebasaron al museo porque no se extinguieron y cobraron vida propia. No es visitarlo nostálgicamente y es justamente olvidarnos de esa nostalgia, explica en entrevista el músico e investigador.

El tianguis regresa al Chopo es un proyecto del museo y de Carlos Alvarado, del área de cultura del tianguis, y uno de los músicos del emblemático grupo Chac Mol.

Un poco de historia: el Tianguis del Chopo se fundó el 4 de octubre de 1980 en las instalaciones del museo, de donde salió tres años después para ubicarse en la calle frente al inmueble. Después, por las quejas de los vecinos y por acciones de la delegación Cuauhtémoc, dejaron la calle para rentar un estacionamiento.

En su periplo ha pasado por el Casco de Santo Tomás, Ciudad Universitaria, el Kiosco Morisco, La Raza y ahora a un costado de la Biblioteca Vasconcelos, recuerda Carlos Alvarado.

La fundación del tianguis, añade José Luis Paredes, se dio porque en ese entonces era complicado que el rock entrara a las instituciones, de repente un museo universitario, de la UNAM, al norte de la ciudad que representaba una de las pocas instancias oficiales de cultura o una de las pocas infraestructuras culturales al norte de Viaducto, generó esta oferta cultural de expresiones vinculadas al rock, y en un momento dado convocan a un encuentro de melómanos, de intercambio de grabaciones, libros y parafernalia musical, de música que en ese entonces dijeron era no comercial lo cual implicaba música clásica, jazz, blues, rock en sus distintas expresiones, folclórica, canción de protesta, etcétera.

Participaron músicos, melómanos y los pocos sellos que grababan esa música y esto en un país de fronteras cerradas, aranceles altos, de persecución y estigmatización hacia el rock, permitió que se convocara cada vez más gente, más melómanos, porque no había lugares donde uno pudiera ir a comprar discos y juntarse con sus amigos para compartir todo eso, y entonces tiene un éxito total, agrega Pacho.

Lo interesante a la luz de 2013 es que el tianguis generó una autoorganización emblemática, brigadas de autodefensa, principios de autogobierno, muy democráticos, nociones de política pública, propició la diseminación de ideas y de producciones culturales por vías distintas al gran mercado y a las instituciones, propició la praxis del trueque, del intercambio cultural y de productos artísticos, no mediados por el dinero. Esto y otras cosas hacen que sea importante reflexionar hoy día ante un contexto completamente diferente, expresa el director del museo.

Alternativa para los jóvenes

El Tiaguis del Chopo sigue siendo una alternativa para todos los jóvenes. Ha cambiado muchísimo por las nuevas tecnologías, un chavo ahora baja la música en el momento, no le importa la portada ni nada, a diferencia de nuestra generación que buscaba el LP, el importado, el que traía las letras, aunque sí hay algunos jóvenes que llegan buscando el vinil y el casete. En esa época lo grabábamos todo en casete, ni siquiera había VHS, toda esa tecnología ha ido cambiando, los chavos han ido cambiando. Sigue habiendo una zona de intercambio. Y ahora nos visitan tres generaciones: el abuelo, el hijo y el nieto. También van mujeres. Al principio eran muy pocas, dice Alvarado.

El programa de El tianguis regresa al Chopo incluye una serie de conciertos, todos los domingos del 4 de agosto al 1º de septiembre a las 18 horas, en los que participarán Decibel, Carlos Alvarado, Capitán Pijama, Luz de riada y Rafael Catana.

A partir del sábado 10 de agosto, algunos poetas visitarán el tianguis a las 13 horas. Entre los invitados figuran Manuel de J. Jiménez, Ricardo Pohlenz, Rojo Córdoba y Vicente Quirarte.

Además se prevé la organización de conversatorios privados entre personajes emblemáticos tanto del tianguis como del Museo Universitario del Chopo a manera de registro testimonial a los cuales no está invitado el público, pero a los que podrá acceder después en la página de Internet del museo y del Centro de Información y Mediateca.

El próximo 4 de octubre, cuando se cumplirán 33 años de la fundación del tianguis, habrá una mesa redonda a la que se prevé invitar a personajes que estuvieron estrechamente vinculados con su creación.

(El Museo del Chopo se encuentra en la calle Doctor Enrique González Martínez 10, colonia Santa María La Ribera. La página en Internet es www.chopo.unam.mx mientras el Tianguis del Chopo se encuentra todos los sábados en la calle Aldama, entre en Sol y Luna, colonia Guerrero).

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La falta de espacios para exhibir deja a los artistas “en un limbo”

Pablo Rulfo y Yolanda Mora flanquean un cuadro de la pintora en la Galería Metropolitana, en la calle Medellín 38, colonia RomaFoto Cristina Rodríguez

Alondra Flores

Periódico La Jornada
Viernes 2 de agosto de 2013, p. 3

Ser moderno o contemporáneo significa decir no me gusta la pintura, opina el artista Pablo Rulfo. Lo cual es aberrante, y lo han dicho directores de mu-seos. Te quedas aterrado, porque se repite un discurso muy consabido del tema vergonzoso del sastre del rey.

La Galería Metropolitana, de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), alberga la exposición P.I.N.T.U.R.A, en la que Rulfo comparte espacio con su colega Yolanda Mora.

En entrevista, con motivo de la muestra que concluirá el 7 de septiembre, Pablo Rulfo afirma que estamos en un momento en el cual la pintura está mal vista.

"La Galería Metropolitana –coinciden los dos artistas– es uno de los pocos lugares institucionales, de los pocos en la zona céntrica, que tiene capacidad para recibir estas propuestas. Hay que hacer espacios, porque se están cerrando, los sustituyen o desaparecen. Entonces, eso es muy grave. Toda la cuestión institucional que es sumamente difícil, mientras en las galerías privadas es un imposible. Y se queda en un limbo".

El contraste sorprende a primera vista al espectador cuando entra al espacio ubicado en la calle Medellín 38, colonia Roma. Coloridas pinceladas en óleos de gran formato de Yolanda Mora alternan con pequeños cuadros, con figuras humanas insertas en las obras de Pablo Rulfo.

Un gozo que se puede transmitir al público es como Rulfo describe el arte al que se dedica. Es emoción, color, luces, pensamientos, es vida, todo a través de lo no verbal. La pintura es pura sugerencia, que el público debe aportar esa avidez de sentir, plantarse ante un cuadro con mucha honestidad, al descubierto de prejuicios. La pintura es pura ilusión: una superficie plana, una tela y un montón de colorcitos embarrados.

La exposición P.I.N.T.U.R.A reúne 11 obras de Yolanda Mora y 20 de Pablo Rulfo, de reciente creación, la cual en una primera impresión podría destacar por el contraste. Sin embargo, los dos opinan que también tienen coincidencias.

Trabajo gestual

Una de las razones para montar la exposición, explica Yolanda Mora, es que siempre ha pensado en el quehacer de Rulfo, dentro de una parte muy figurativa que parecería muy controlada. Es un trabajo muy gestual, creo que el mío también. He pensado que es algo que nos une. Existe un propósito que compartimos y pensamos que era un buen hilo conductor. Hay un contraste, pero también un espíritu que se comparte.

Sentados en el amplio salón desde donde se observa el ir y venir citadino, detrás de un acristalado ventanal, las obras persisten en un diálogo sobre los muros en otro costado. Rulfo agrega: subyace un hilo que une, es esa cuestión expresiva de la pintura. Que sea reconocible o no, es anecdótico. Es la sustancia pictórica importante.

La cuestión de la pintura contemporánea, desde su punto de vista, es demasiado igual, entonces que guste, moleste o desconcierte que dos personalidades aparentemente contrastantes y con formatos diferentes se vean juntas, es un hecho positivo, que para algunos puede ser refrescante o chocar.

Al igual que la música, la pintura tiene una facilidad de poder huir de conceptualizaciones verbales, que son muy tramposas. Hoy día estamos hasta el copete de verborreas estúpidas, redundantes, retrógradas, nulas e infértiles. Entonces, la pintura tiene un sentido que acerca a lo esencial de lo humano, lleva mucho más allá de lo que se puede imaginar.

A su vez, Yolanda Mora apunta: Es una de las cosas fascinantes de la pintura, es un universo incalculable e inimaginable. Como dice Pablo, puedes imaginar muchas cosas, pero ya cuando te sientes sumergido en la pintura y sigues intentando, las sorpresas son infinitas.

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Reabren el museo Renoir; quedó como estaba cuando el pintor vivió y trabajó ahí

Reabren el museo Renoir; quedó como estaba cuando el pintor vivió y trabajó ahí

Dpa

Periódico La Jornada
Viernes 2 de agosto de 2013, p. 7

París, 1º de agosto.

El museo Renoir en Cagnes-sur-Mer abrió de nuevo sus puertas tras casi dos años de obras de renovación: Fue ampliado e instalado como estaba cuando Renoir vivió y trabajó allí, dijo su directora, Cecile Bertran.

Este espacio, que se encuentra entre las ciudades de Niza y Cannes, se sometió a una amplia remodelación que costó más de 2 millones de euros.

El ingreso al museo, donde se venden las entradas, ha cambiado de posición y se encuentra en un edificio aparte que ha sido construido a propósito para ello. Se ubica antes de las dos hectáreas de parque que el visitante recorre hasta la suntuosa mansión.

Pierre-August Renoir (1841-1919) se mudó a esta casa en 1908. En la planta baja se instaló el estudio, al que de nuevo se puede acceder gracias a la remodelación.

En este taller creó sus primeras esculturas, en colaboración con Richard Guino, pues Renoir padecía artritis crónica. Postrado en una silla de ruedas, apenas podía mover la mano.

Con la renovación, se pueden visitar las tres plantas de la mansión. Renoir murió en Cagnes-sur-Mer el 3 de diciembre de 1919, a los 78 años.

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Spencer Tunick concreta su primer proyecto con intervención de otro artista

Mujeres participantes en la propuesta que desarrolló recientemente en Nueva York, en una fotografía enviada por el artista a La JornadaFoto Spencer Tunick

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Viernes 2 de agosto de 2013, p. 4

¿Quién causa más daño a las pirámides de Teotihuacán? ¿Un enorme turista de Texas, con su camisa floreada, cámara, pesadas sandalias o grandes botas, o un individuo mexicano descalzo caminando sobre sus superficies?, pregunta el artista neoyorquino Spencer Tunick (Middletown, 1967), quien no pierde la esperanza de realizar una instalación masiva de desnudos en la ciudad de los dioses.

El entrevistado sabe que sólo falta encontrar a la persona indicada, cuya energía y emoción frente a su obra le hará decir a su curador, en el caso de ser un director de museo, este es tu proyecto, vamos a traerlo de regreso.

A esa persona Tunick le habría enseñado el par de fotos comparativas como una manera de decir: No vamos a hacer daño, no será un acto visualmente destructivo porque es orgánico y bello. Sería artístico, armonioso. No tiene que haber 20 mil personas (como en el Zócalo capitalino en 2007), pero tal vez 3 mil. No se trata de romper récords, sino de hacer arte.

El fotógrafo haría el proyecto de Teotihuacán en un "latido de corazón: En el momento que alguien me pregunta si quiero hacer algo, digo que sí. Entonces, un día de estos alguien que lee un artículo o texto, de repente dirá, ¿sabes algo?, vamos a hacerlo.

"Como artista uno tiene que ser humilde. Uno mismo no puede llamarles a los directores de museos y decir, 'oh, debería estar aquí o debería estar allá. Hay que esperar y ver si los demás te hablan. Así es eso. Necesito una invitación, así que espero que un día de estos, antes de que me vuelva demasiado viejo, alguna institución o persona me invite y quiera producir una obra conmigo".

–¿Se volverá demasiado viejo para hacer las instalaciones masivas de desnudos?

–Depende. Subir escaleras se torna difícil y, por lo general, trato de crear varios escenarios. Espero recibir los permisos antes de mis 60 años.

Este sábado 3 de agosto, en las afueras de San Miguel de Allende, Guanajuato, Spencer Tunick exhibirá obra suya intervenida por el músico y pintor Joseph Arthur, en la Galería La Capilla de Jimmy Ray, creada y dirigida por el estadunidense Anado McLauchlin, quien presentará una selección de sus ensamblajes, joyería y trabajo en mosaico.

No soy realmente malo

La muestra se titula El bueno (Joseph Arthur), el malo (Tunick) y el visionario (McLauchlin). Tunick es el malo, ya que es arrestado en otros países por hacer sus proyectos aunque, rectifica, no soy realmente malo.

Será la primera vez que Tunick realice una obra en conjunto con otra persona. Joe, como le dice el fotógrafo, tiene la particularidad de a veces pintar cuando toca.

Tunick se ha vuelto familiar en San Miguel de Allende, pues el pasado noviembre realizó la instalación Espíritus para la primera edición del Festival de la Calaca.

El festejo de los muertos le causó tal impacto que quiso transportarlo a su trabajo. También pensó que sería una buena oportunidad para concretar un proyecto con Joe, quien crea criaturas místicas y posee una mano muy controlada.

Primero, tomó fotografías en San Miguel de Allende, para las que posaron cuatro o cinco mexicanas, cuyos cuerpos fueron pintados en parte de blanco, y llevó las fotos a Nueva York. Allí invitó a otras 15 mujeres a reunirse en la azotea del edificio donde vive Joe, en Brooklyn, quienes se pintaron de blanco.

Una vez seca la pintura, el músico trazó con pintura negra sus dibujos en los cuerpos.

Tunick editó ese trabajo, organizó a las mujeres en diferentes composiciones e imprimió las fotos en lienzos de 30 x 40 pulgadas, que fueron devueltos a Joe, quien les puso una nueva capa de pintura. También trabajó en la superficie de algunas de las fotos que el artista neoyorquino había tomado en México.

En la Galería La Capilla de Jimmy Ray, la dupla de artistas mostrará 10 obras hechas sobre lienzos y alrededor de 20 más pequeñas realizadas en papel fotográfico. La exposición concluirá el 9 de noviembre.

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La Compañía Marie Chouinard realiza un trabajo “visceral y físico al extremo”

Ericka Montaño Garfias

Periódico La Jornada
Viernes 2 de agosto de 2013, p. 5

La Compañía Marie Chouinard llega al Palacio de Bellas Artes este fin de semana para presentar la sensualidad de dos obras: Preludio a la siesta de un fauno y La consagración de la primavera, con música de Claude Debussy e Igor Stravinsky, respectivamente.

En la agrupación, fundada por Marie Chouinard en 1990, los bailarines realizan un trabajo extremadamente físico, visceral, para expresar la vida a través del cuerpo, dijo Carol Prieur, quien desde hace 18 años interpreta La consagración de la primavera.

En la compañía cada bailarín aporta su individualidad al trabajo, es un quehacer de representación de lo humano. Es el vehículo expresivo de esa fuerza de vida que permea toda la obra de Chouinard.

Tony Chong, director de ensayos, subrayó que el trabajo de la compañía, con sede en Quebec, Canadá, es un sistema. Cada bailarín tiene un compromiso con el papel que tiene con el escenario. Marie fue solista y elige bailarines que tienen ese compromiso, pero no busca un grupo de bailarines sin individualidad, sino que esa individualidad conforme al grupo.

La consagración de la primavera, compuesta por Stravinsky hace cien años, es una obra que tiene mucho que ver con la columna vertebral, "con la energía que viene del cielo y de la tierra y que se mueve a través de la espina dorsal, tiene que ver con la respiración. Eso forma parte de toda la obra de Marie y se hace muy evidente en La consagración... Lo importante es la asociación con la música, nos volvemos representación de la música, nos transformamos en esa música. El cuerpo se vuelve otra forma de escuchar la música de una manera visual y energética", añadió Carol Prieur.

Marie Chouinard en imagen incluida en su página web oficial

Música que inspira

La música de Stravinsky "fue una gran inspiración para Marie. ¿Cuántas veces hemos escuchado esta pieza y cada vez es diferente? Por eso los bailarines somos capaces de entrar en ella de nuevas maneras, se nos permite ser capaces de entrar a la danza y abrir la puerta para que sea nueva cada vez. Esta coreografía no está empaquetada, es algo vivo, y así como cada vez que la escuchas eres alguien diferente, nosotros tenemos la capacidad de leerla e interpretarla de manera diferente dentro del sistema y la visión de Marie.

Es música que inspira a cada uno de los bailarines, no es una experiencia fija. Captura la escencia total de Stravinsky. No importa cuántas veces se escuche la música, es inspirado por los bailarines, por eso aunque la representen varias veces no es lo mismo, señaló Tony Chong.

El bailarín James Viveiros apuntó: No importa cuántas veces se haya representado, Marie siempre trata de que sea algo fresco.

En cuanto a Preludio a las siesta de un fauno, Prieur indicó que se basa en una coreografía montada por Chouinard en 1978, y fue en 1994 cuando se adaptó a la música de Debussy. La versión actual es tan importante como la original y tanto en Preludio... como en La consagración, la creación dancística se conecta de manera especial con la música, dijo Prieur.

La primera función fue anoche, hoy será a las 20 horas y el sábado a las 19 horas en el Palacio de Bellas Artes (avenida Juárez, esquina Eje Central Lázaro Cárdenas, Centro Histórico).

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Penultimátum

L

os italianos Domenico Dolce y Stefano Gabbana son dos de los diseñadores más ricos y reconocidos del mundo. Entre sus clientes figuran famosas como Madonna, Beyoncé, Isabella Rossellini, Mónica Bellucci, Ayumi Hamasaki, Britney Spears, Lady Gaga, Killie Minogue y Gisele Bündchen.

Ambos diseñadores han sido noticia últimamente porque las instancias judiciales de su país demostraron que son evasores fiscales. Por lo menos desde 2007, cuando los expertos en moda crearon Gado, una sociedad con sede en Luxemburgo con la que se autocompraron en 470 millones de dólares dos marcas que forman parte del grupo Dolce & Gabbana. En realidad, Gado se gestionaba desde Italia pero pagaba impuestos bajísimos en Luxemburgo, donde sólo tenía una pequeña oficina y no realizaba ninguna actividad.

La maniobra fue descubierta luego de una puntual investigación. El fisco italiano los denunció en 2010 de haber montado en el extranjero un sistema destinado a ahorrarse el pago de impuestos en el país donde tiene su sede el emporio.

Un año después, el tribunal fiscal de Milán los condenó a devolver a las autoridades hacendarias 450 millones de dólares. Se comprobó que la parte que compraron bajo la legislación de Luxemburgo valía 920 millones de dólares, y no los 470 que supuestamente pagó Gado por las dos marcas. Los diseñadores se inconformaron con la sentencia y lo menos que dijeron fue que el fisco italiano era un ladrón que asaltaba a los que trabajaban honradamente. Como ellos.

En abril de 2011 un juez desestimó los cargos contra los diseñadores al considerar que no había lugar para su enjuiciamiento, pero la Fiscalía recurrió al Tribunal Supremo, que en noviembre de ese mismo año acordó proceder contra ellos por evasión fiscal y no por el supuesto delito de estafa al Estado que también se había formulado en un principio.

El Tribunal Supremo recientemente dijo la última palabra al hallar pruebas tan sólidas como una roca de un fraude fiscal sofisticado. Condenó a Dolce y a Gabbana a un año y ocho meses de prisión, a pagar lo evadido y a una multa de 13 millones de dólares. Los diseñadores apelaron de la sentencia por lo que no ingresaron en la cárcel, prevista sólo para condenas definitivas.

Además cerraron tres días sus tiendas en Milán, la emblemática ciudad en la que mostraron su primera colección en 1985, para protestar por haber sido puestos en la picota por los medios. En sus vitrinas podía leerse Cerrado por indignación y una explicación de los motivos para tomar tal decisión.

Las famosas no defienden públicamente a los diseñadores, pero los respaldan encargándoles la elaboración de prendas únicas, carísimas, que aminorarán el hueco que dejan las sanciones impuestas por el fisco italiano, urgido de dinero.

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