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Teresa del Conde: Alejandro Nava: in memoriam

Written By Unknown on Rabu, 26 Februari 2014 | 15.16

E

n la madrugada del 20 de febrero falleció en Zacatecas, su ciudad natal, el pintor Alejandro Nava, quien se ganó la admiración, el afecto y la solidaridad de sus colegas y de todas las personas que por alguna razón le fueron próximas. Tenía 57 años y pese a su enfermedad contra la que libró una valiente batalla de varios años, se mantuvo en activo.

Aunque era fundamentalmente pintor y grabador, incursionó también en la escultura monumental, uno de cuyos notables ejemplos fue la que construyó para Laboratorios Pisa, en Guadalajara, Jalisco, o las que se encuentran en algunas zonas de la ciudad capital, una de las cuales, vecina del museo Goitia, está hecha en cerámica.

En grabado tuvo múltiples logros en varios medios, pues además de la incuestionable valía de su producción –que continúa la tradición gráfica zacatecana de artistas como su colega de mayor edad Ismael Guardado–, Nava fue uno de los fundadores e impulsores del taller Julio Ruelas.

Dicho taller funcionó hasta hace algunos años, además, como centro cultural y mediante el poder de convocatoria que tuvo Alejandro, en más de una ocasión se convirtió en centro de debates artísticos y de políticas culturales.

En ceremonia íntima a la que asistieron sus familiares, amigos y colegas zacatecanos, Alejandro Nava fue velado en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, donde está representado con obras que son características del periodo en el que abrazó con singular ímpetu la no representación en obras de todos los formatos, incluyendo polípticos de grandes dimensiones en los que acostumbraba seguir una determinada secuencia tanto compositiva como colorística.

No por ello abandonó del todo la figuración, de la que ha ofrecido múltiples ejemplos que algunos conocemos mayoritariamente a través de sus grabados en diferentes técnicas, aunque también en pinturas que han sido exhibidas, entre otros sitios, en el Mexican Fine Art Center Museum de Chicago, Illinois, y al menos en dos ocasiones en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, así como en otras ciudades, señaladamente la afamada Galería Quetzali de Oaxaca.

Educado en un principio en Zacatecas, Aguascalientes y San Luis Potosí, reafirmó su entrenamiento plástico al adscribirse a La Tallera (el taller de Cuernavaca que fundó Siqueiros, vigente hasta la fecha, en el que hoy trabaja proyectos murales el pintor Rafael Cauduro) permaneció allí entre 1977 y 1978, lapso en el que colaboró activamente en el Encuentro de Arte Joven de Aguascalientes, no sólo mediante su propia participación, sino alentando la de otros jóvenes zacatecanos.

Hace aproximadamente cinco años, le fue diagnosticado un cáncer que según se dijo inicialmente amenazaba con acabar su existencia a los pocos meses. Fue remitido al hospital Salvador Zubirán, de esta ciudad, donde gracias al apoyo recibido de unos de sus más asiduos coleccionistas de Guadalajara, fue tratado químicamente por todos los medios disponibles.

Su médico de cabecera, Jorge Kasep, aparte de la efectiva ayuda terapéutica, le brindó una amistad que perduró hasta el momento de su despedida final, cuando el propio Alejandro decidió que se le trasladara a Zacatecas al conocer un reavivamiento del mal que padecía, posterior al trasplante de médula al que se sometió en fecha relativamente reciente. Hospitalizado, llevó a cabo una pintura de 1.50 por 2 metros en colores se dice que intensos a la vez que sombríos, dejándola como recuerdo al hospital. La firmó la víspera de su muerte, ante la presencia del director del mismo.

Durante el largo periodo que mantuvo denodada lucha, incluso radicándose en el Distrito Federal para mejor proseguir con sus tratamientos, logró al menos en un par de ocasiones mantener su costumbre de pasar unos meses de verano en Europa, aprovechando el alojamiento que le brindaba un colega suyo ausente de París durante el verano, con objeto de visitar museos y galerías en Francia y en otros países e incluso de planificar exposiciones algunas de las cuales lograron llevarse a cabo.

Alejandro Nava es ejemplo de una tradición zacatecana que ha rebasado las fronteras no sólo regionales, sino nacionales a través de artistas como Francisco Goitia dentro de la corriente nacionalista o Manuel Felguérez y los hermanos Pedro y Rafael Coronel.

Nava merece no sólo que se le recuerde, sino que se le inserte en la historia del arte mexicano como continuador, aunque esperamos que no epígono, de esa raigambre de pintores nacidos en esa capital pródiga en bellísimos museos y en alta tradición cultural, tanto literaria como artística de la que fue testigo, entre otras personas ya desaparecidas, el muy recordado Guillermo Tovar y de Teresa.

Sobreviven a Alejandro Nava su esposa Silvia y sus hijos Diego y Ximena Nava Torres, a quienes desde aquí expresamos no sólo nuestras condolencias personales sino igualmente las de otros colegas, amigos y coleccionistas del artista.


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Por primera vez exhiben colección de Monsiváis con el tema del estanquillo

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Uno de los trabajos de Teresa Nava incluido en la muestra que mañana se inaugurará en el recinto de Isabel la Católica 26, Centro HistóricoFoto cortesía del Museo del Estanquillo/ Colecciones Carlos Monsiváis

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Martes 25 de febrero de 2014, p. 7

El Museo del Estanquillo/Colecciones Carlos Monsiváis presenta por primera vez un amplio repertorio de las cajas que la poblana Teresa Nava realizó a lo largo de 16 años a petición del escritor y cronista fallecido en 2010.

De las 130 maquetas que Nava entregó, se han seleccionado 44 para montar Tiendas, comercios y estanquillos en las colecciones Carlos Monsiváis, exposición que se complementa con grabados, fotografías, caricaturas, libros, filmes y miniaturas para sumar un total de 141 piezas.

Beatriz Sánchez Monsiváis, albacea de las colecciones, a quien le tocó recoger los primeros encargos, expresó que Carlos Monsiváis (su primo) muchas veces le pedía a Teresa Nava una caja de algún tema en especial, como de los baños públicos de entonces, o bien ésta le mostraba lo que hacía. Las maquetas son reproducciones de los comercios que la mujer recordaba haber visto de niña en Puebla.

Doña Teresa, apuntó Sánchez Monsiváis, tenía una tienda de artículos religiosos y las cajas las hacía por gusto. A veces tardaba hasta un año en terminar una, porque éstas reunían muchos pequeños objetos.

Cuando el cronista encontró a Nava, ésta ya no hacía las maquetas. Sin embargo, con el tiempo y ante la insistencia de Monsiváis, llegó a entregarle gran cantidad de piezas.

Vocablo desconocido para muchos

El estanquillo, palabra que hoy muchos desconocen, era una pequeña fábrica familiar que hacía productos de una sola índole, pero con el tiempo varió hasta vender prácticamente todo, explicó Evelio Álvarez Sanabria, subdirector del museo.

De acuerdo con Ana Catalina Valenzuela, investigadora del recinto, tanto el concepto estanquillo como las maquetas de Teresa Nava, fueron detonantes de la muestra cuyo recorrido recrea el de un mercado que comienza con una representación de la panadería y la bizcochería La Vasconia. Aunque se trata del negocio de Puebla, todavía hay uno a unos pasos del museo. Hicimos una relación de los negocios cerca del museo que se vinculan con las cajas que vamos a presentar, acotó Valenzuela.

Siguen la lechería, la pescadería, la carnicería, la tortillería y los tacos. Todas las maquetas se complementan con obras de artistas como Posada, Cruces y Campa, Manuel Álvarez Bravo, Rius, Francisco Mora y Alberto Isaac.

El museo realizó un tiraje de 2 mil ejemplares de la caricatura de Isaac, Kant tacos de sesos, como obsequio para el público.

La pieza más antigua es el álbum Trajes civiles, militares y religiosos de México, del litógrafo italiano Claudio Linati, editado en 1828; y la más reciente, una maqueta de Teresa Nava, de 1997. Igualmente se incluyen un libro de Francisco Javier Clavijero, publicado en México en 1844, un rescate de los tipos populares que continuaron vigentes; un ejemplar de Revista de Revistas, en cuya portada Ernesto El Chango García Cabral utiliza la caricatura de un repartidor de pan para referirse a la problemática del país.

No podrían faltar El Rincón Brujo, expendio de dulces, pulques finos y curados de almendra, piña, naranja, limón y pitaya, etcétera; la tienda de artículos religiosos, la farmacia, la funeraria, la cerería, la florería, la perfumería, la peluquería, el estudio fotográfico, el expendio de ropa, de rebozos, la zapatería y la sastrería. Para recordar los calendarios que acostumbran regalar estos negocios, hay uno de La Esmeralda, edificio que alberga el Museo del Estanquillo.

Tiendas, comercios y estanquillos en las colecciones Carlos Monsiváis será inaugurada mañana, a las 19 horas, en el recinto de Isabel la Católica 26, Centro Histórico.


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El Zócalo: uno de los recintos urbanos más simbólicos del mundo

Periódico La Jornada
Martes 25 de febrero de 2014, p. 8

Apoyamos la carta abierta escrita por el arquitecto Fernando González Gortázar, publicada el martes 18 de febrero del presente año en el periódico La Jornada, y dirigida al jefe de Gobierno, doctor Miguel Ángel Mancera.

Desde hace tiempo somos muchos los ciudadanos preocupados e indignados por el uso irracional que se le da al Zócalo, la mayor plaza pública y corazón de México, ya que es la zona más significativa e histórica del país, tal y como menciona González Gortázar en su misiva.

Formamos un grupo interdisciplinario, denominado La Tertulia del Convento, en honor a la gentileza del original centro de reunión en que nos convocaba don José Rogelio Álvarez, autor de la Enciclopedia de México, cuyo propósito inicial fue la defensa de la identidad nacional a partir de su Centro Histórico. Coincidimos con la iniciativa publicada como el camino conveniente para valorar y licitar las obras públicas necesarias de tal importancia para el bien común, sin tiempos políticos y con transparencia en los diferentes recursos. Proponemos que exista un comité regulador de las acciones y decisiones que se tomen para dar uso a este espacio, así como a otros más, que forman parte integral de la nación.

Eugenio Aguirre
Gonzalo Celorio
Sergio García Ramírez
Felipe Garrido
Ángeles González Gamio
Hernán Lara Zavala
Eduardo Matos Moctezuma
Silvia Molina
Carmen Parra
Vicente Quirarte
Mónica del Villar
Sergio Zaldívar


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Consternación en Uruguay por la muerte del pintor Carlos Páez Vilaró

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Carlos Páez Vilaró, en imagen del pasado 14 de febrero, durante la participación del artista en el carnaval Llamadas, en MontevideoFoto Ap

Afp y Dpa

Periódico La Jornada
Martes 25 de febrero de 2014, p. 9

Montevideo, 24 de febrero.

El artista uruguayo Carlos Páez Vilaró murió el lunes en Casapueblo, la residencia que él mismo había construido a orillas del mar y a la que definía como escultura viviente. Tenía 90 años.

Este martes, por la mañana, será velado con honores en el edificio del Congreso, en Montevideo, se informó oficialmente.

La muerte del artista provocó hondo pesar en la comunidad cultural de Uruguay.

"No hay un pésame. Papá trabajó hasta el último día, la única frase que le cabe es 'que descanse en paz'. Hasta el último minuto estuvo laborando y pensando proyectos para adelante. Eso fue lo que lo mantuvo hasta los 90 años. Si me tocara vivir una vida así, yo firmo, porque llegó lúcido e impecable, con seis hijos. Murió hace dos horas y no paran de sonar los teléfonos. Es un referente para todo Uruguay", dijo su hijo Carlos al canal 12 de la televisión local.

Pintor, escultor y ceramista, Páez Vilaró estuvo desde joven muy vinculado a la cultura de los negros uruguayos, que inspiró buena parte de su obra. Nueve días antes de morir participó del desfile de Llamadas, la fiesta más tradicional, el carnaval uruguayo, en la cual las comparsas de negros y lubolos (blancos pintados de negro) marchan haciendo sonar sus tambores al ritmo del candombe, música de origen africano traída por los esclavos. En esa ocasión, el pintor anunció que era la última vez que desfilaba en las Llamadas.

Autor de grandes murales

Páez Vilaró nació en Montevideo el 1º de noviembre de 1923.

En los años 40, motivado por el tema del candombe, comenzó a decorar los tambores de las comparsas afro-uruguayas, en un momento en que la fiesta de los descendientes africanos no gozaba de la aceptación masiva de hoy. Su gusto por las fiestas y la cultura afro no lo abandonó nunca. Los motivos de sus coloridos cuadros recorrieron todos los temas de la cultura negra local y su pasión lo llevó a recorrer buena parte de África, donde visitó Liberia, Senegal, Congo, Camerún y Nigeria.

En ese continente trabajó como coguionista de la película Batouk, que cerró el festival de Cannes en 1967.

En 1972, Carlos Páez Vilaró vivió uno de los momentos más duros de su vida, cuando el avión en el cual viajaba su hijo Carlos, junto con sus compañeros de un equipo de rugby, se estrelló en la cordillera de los Andes.

Páez Vilaró nunca dio por perdido a su hijo y fue uno de los padres que insistió en continuar buscando a los muchachos desparecidos en la montaña, a pesar de que la búsqueda oficial por parte de las autoridades había sido abandonada.

Finalmente y tras 72 días, el hijo del pintor fue uno de los 16 jóvenes que apareció con vida. El caso, conocido como el milagro de los Andes, ha sido contado en libros y películas.

Sus grandes y coloridos murales se pueden apreciar en decenas de edificios públicos en distintas partes del mundo: desde la sede de la Organización de Estados Americanos (OEA), en Washington, a la Biblioteca Nacional argentina en Buenos Aires. Convencido de que el color podía aliviar el dolor, pintó murales en hospitales, como el de San Fernando (Chile), el de Niños de Anillaco (La Rioja, Argentina) y el de la Universidad de Georgetown (Estados Unidos).


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Con aerosoles y pinceles rinden homenaje a la cultura zapoteca

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Los integrantes del Colectivo Chiquitraca pintan murales de gran formato en los muros de casas zapotecas en el IstmoFoto cortesía del colectivo

Diana Manzo

Especial para La Jornada

Periódico La Jornada
Martes 25 de febrero de 2014, p. 5

Juchitán, Oax., 24 de febrero.

Con el lema Pintar hasta explotar, Jomer, Gotha, Spot y Osnar Galo son cuatro artistas zapotecos, amigos, innovadores y creativos.

Integran un cuarteto conocidos como Colectivo Chiquitraca, quienes mediante la creatividad personal y conjunta desarrollan el proyecto Ruta artística del Istmo con murales, con temática de homenaje a los ancianos zapotecas que han dejado una experiencia terrenal.

Entre risas y café, Gotha, fundador del colectivo, expresa que la idea de llamarlo Chiquitraca nació en una cena hace tres años. Todos coincidieron en que ese nombre se refiere a una palabra infantil, dulce y pegajosa además de típica del Istmo.

Los chiquitracas son cohetes, así les llaman a los juegos pirotécnicos que se prenden en época decembrina y es típico de los niños y niñas. Simplemente nos gustó y desde entonces hemos expresado nuestro arte de grafiti para demostrar a la sociedad que es un verdadero arte y no es vándalos o personas viciosas, explican.

El Colectivo Chiquitraca nació el 27 de abril de 2011 y desde entonces acordaron implementar la ruta artística de murales en el Istmo, la cual consiste en pintar sobre paredes de casas tradicionales de las comunidades zapotecas de esa región, seleccionando los lugares y personas adultas mayores, hombres o mujeres, que han sido ejemplo de vida.

Revolución del arte

Para los chiquitracas, el grafiti es una revolución del arte, el cual tiene sus orígenes en el continente europeo, y admiten que en México también se ha fomentado, como en el estado de Oaxaca y en la región del Istmo.

Los integrantes del colectivo son los pioneros y los únicos en crear obras de gran formato con la utilización de aerosoles y pinceles y así hacer murales para rendir homenaje y fomentar la cultura zapoteca.

Los artistas comentan que en otras culturas pensar en abuelos es sinónimo de estorbos, cansancio y asilo, mientras para los zapotecas significa sabios, mucha experiencia y la biblioteca más grande del hogar; ante estas acepciones decidieron emprender la ruta de murales.

La ruta de los murales consiste en realizar 20 obras de gran formato de adultos mayores representativos de su comunidad, aquellos hombres y mujeres que practicaron un trabajo, oficio o profesión que dejó huella en la sociedad en que viven.

Los chiquitraca señalan que para la última etapa de la ruta de los murales que los cinco últimos murales completan una colección de 20 obras, han invitado a artistas como Soid Pastrana, César Martínez, Víctor Chaca y Sabino López, entre otros, quienes fusionarán sus conocimientos con los del colectivo y de ese modo resaltar aún más los murales.

Dicen que una vez terminados los 20 murales, se publicará un catálogo con la biografía de cada uno de los personajes, es decir, una narración de su vida y obra, un croquis de la ubicación de cada mural.

El catálogo se distribuirá por toda la región, el estado y en el ámbito nacional.

Unión Hidalgo, primera escala

La primera escala de la ruta de los murales, indican los artistas que integran el colectivo, fue la comunidad zapoteca de Unión Hidalgo, donde se pintó uno con la finalidad de rendir homenaje a Na Rosita, indígena que toda su vida se ha dedicado a la venta de flores, pues es la primera en realizar esa actividad en ese lugar.

Fue en esa comunidad donde los chiquitracas plasmaron al segundo, tercero y cuarto murales, todos plasmando a mujeres y hombres que han dejado su experiencia a los demás.

Para concretar el quinto y sexto murales, trasladaron pinceles, cubetas, escaleras y aerosoles a la tierra juchiteca para rendir tributo a dos mujeres zapotecas, una cohetera y una artesana que confecciona abanicos de palma.

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Aspectos del quehacer artístico desarrollado por Jomer, Gotha, Spot y Osnar Galo, jóvenes visionarios del arte, los amos del grafiti en la región del Istmo e integrantes de ChiquitracaFoto cortesía del colectivo

El valor de cada una de las obras y el gusto de los otros los recomendó para plasmar el séptimo mural, donde se dirigieron a la tierra de la inmortal sandunga, Tehuantepec.

Allí pintaron y rindieron homenaje al escritor tehuantepecano Antonio Santos Cisneros.

Retornan para el octavo y el noveno a tierras de Chicapa de Castro, donde una mujer emprendedora los cautivó por ser la pionera en elaborar el pan tradicional, al igual que el trovador Hermenegildo, considerado uno de los mejores artistas de la localidad.

El secreto de cada uno de los murales, según los Chiquitraca es el primer paso, el cual implica investigar el oficio de cada uno de los abuelos que serán homenajeados. Posteriormente analizan diversas casas con toque tradicional (construcción de adobe y teja), solicitan el permiso del dueño y comienzan a realizar el mural, el cual dura de cinco a siete días.

Cuando realizamos el mural, nos turnamos en pareja, en ocasiones dos pintamos el fondo y el otro equipo el rostro. Todos aportamos nuestras ideas, somos expertos en lo que hacemos y sobre todo nos gusta, es una pasión que tenemos y la disfrutamos.

En cuanto a costos, los chiquitraca detallaron que varían. Sin embargo, se necesitan entre 15 y 20 mil pesos, los cuales han sido aportados por ellos mismos o mediante patrocinios mínimos, porque dicen que esas obras forman parte de un proyecto que como colectivo quieren demostrar cómo se ama lo que se hace. Todo se puede concretar sin disponer de mucho presupuesto.

Respecto de los apoyos que el colectivo ha recibido, los chiquitraca de manera tajante expresan: Todo lo que hemos logrado es por la recomendación de nuestro trabajo.

Coinciden en que tantos requisitos y elaboración de proyectos para obtener becas y apoyos es un obstáculo para el creador de cualquier índole.

El artista no sabe ejecutar programas, apoyos; él plasma su técnica y termina su obra, esa es su función, lo cual hace difícil acceder a proyectos por su desconocimiento ante tanto requisito que piden las instituciones culturales, señalan.

Puntualizan que con esta ruta del mural, quieren demostrar a todos los gestores sociales y directivos de instituciones culturales, que el artista que sabe lo que hace, será siempre un artista exitoso; esa es la ley.

El Colectivo Chiquitraca ha recorrido varios estados y ha realizado sus murales, así como en mercados públicos del Distrito Federal, con el proyecto Marchante: un trueque con el arte.

Luego, en Cuernavaca, Morelos, realizan murales en el DIF Municipal y en la Escuela de Enfermería de esa ciudad.

Asimismo han expuesto en galerías de Juchitán y en la capital de Oaxaca; han participado con artistas de renombre internacional, los que han valorado que el grafiti es una forma de arte urbano y cultural.

En cuanto planes a futuro, los chiquitraca dicen que cuando terminen La ruta de murales del Istmo comenzarán a trabajar el tema de los muxes (homosexuales) de Juchitán con la misma temática de los murales, además de conjuntarlo con una exposición de óleos en gran formato para un museo en Londres, el próximo año.

Jomer, Gotha, Spot y Osnar Galo son cuatro jóvenes visionarios del arte, son considerados los amos del grafiti en la región del Istmo, quienes tienen hambre de seguir creciendo y preparándose con la finalidad de que algún día tengan una escuela para enseñar y aprender el arte e impulsarlo como un medio de expresión para niños y niñas, jóvenes y adultos de la región.

"La vida del artista es sumamente difícil, pero querer es poder; ser artista no sólo significa obtener dinero y más dinero, sino dejar huella.

Al artista se le recuerda y es noble; aquel ser humano que no tiene este concepto en su vida, simplemente no es artista, es un simple ser terrenal y los chiquitraca somos artistas.


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Regresa al DF la propuesta multidisciplinaria El automóvil gris al estilo benshi japonés

Written By Unknown on Sabtu, 01 Februari 2014 | 15.16

Regresa al DF la propuesta multidisciplinaria El automóvil gris al estilo benshi japonés

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Viernes 31 de enero de 2014, p. 6

Después de 12 años, El automóvil gris al estilo benshi japonés, una de las producciones multidisciplinarias mexicanas que se ha presentado en varios idiomas por el mundo, regresa a la ciudad de México con una temporada en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, durante febrero.

Con la dirección de Claudio Valdés Kuri, la compañía Teatro de Ciertos Habitantes realiza la narración en vivo del filme silente de Enrique Rosas, de 1919, sobre los famosos crímenes que conmovieron a la sociedad.

Las actrices Irene Akiko Lida y Fabrina Melón de nacionalidad japonesa y francesa, respectivamente, realizan en escena 40 inflexiones de voz de casi todos los personajes femeninos, mientras el pianista mexicano Ernesto Gómez Santana interpreta partituras japonesas de la época.

"Es una película de la que se conoce mucho el nombre, pero no se puede ver con facilidad, y es algo excepcional en la historia del cine mexicano. El público apreciará el filme con dos actrices a un lado de la pantalla y un pianista en el foso del escenario.

Generalmente decimos que es cine en tiempo presente porque el cine siempre es tiempo pasado y el teatro siempre es presente. La pieza tiene la frescura de que cada función es dintinta, explicó Valdés Kuri.

Inspirada en el benshi, tradición japonesa de narración de cine mudo, la propuesta de Teatro de Ciertos Habitantes no es una función convencional porque la película determina el ritmo y requiere una coordinación vocal y actoral distinta al trabajo teatral.

Improvisaciones de las actrices

El automóvil gris al estilo benshi japonés es un recorrido por la ciudad de México de 1915, cuando una banda de ladrones aterrorizó a la alta sociedad. Los asesinatos, robos y secuestros se suceden mientras un detective sigue la huella de los criminales.

La película de Rosas es un tesoro del país, el primer largometraje mudo que la Cineteca Nacional digitalizó para su acervo, con la generosa ayuda de la familia Rosas Priego, dueña del filme.

El proyecto de Valdés Kuri, que ha sido traducido al francés, inglés, portugués, árabe, polaco y japonés, tiene la cualidad de reunir cine, teatro y música. Para los diálogos y textos intepretados por Akiko y Melón se recurrió al guión original de Enrique Rosas y a los doblajes de los años 30 y 40; incluso algunos surgieron de improvisaciones de las actrices.

Teatro de Ciertos Habitantes una vez más comparte con el público mexicano una versión de El automóvil gris con nuevo sonido para las nuevas generaciones. El proyecto es producido por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y la Haus der Kulturen der Welt de Alemania.

El automóvil gris al estilo benshi japonés se presentará los viernes 7 y 14 de febrero, a las 20 horas; sábados 8 y 15, a las 19 horas, y domingos 9 y 16, a las 18 horas en el Teatro de la Ciudad (Donceles 36, Centro Histórico).


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La humanidad estará acabada si no resolvemos la crisis: William I. Robinson

La humanidad estará acabada si no resolvemos la crisis: William I. Robinson

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Robinson, el 27 de mayo de 2010, cuando fue detenido en Arizona por policías luego de manifestarse en contra de las leyes antimigrantes

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William I. Robinson, en marzo de 2006, durante una protesta en defensa de las víctimas de crímenes de Estado, en Medellín, Colombia;Foto tomadas de Internet

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En la imagen, cuando visitó el Museo Fernando Botero, ubicado en esa ciudad, en junio de 2007Foto tomadas de Internet

Reyes Martínez Torrijos

Periódico La Jornada
Viernes 31 de enero de 2014, p. 5

La humanidad enfrenta una crisis que amenaza su existencia, causada por el capitalismo global que se traduce en insostenibilidad ecológica y una sociedad orwelliana sin precedente de violencia y control social, afirma el sociólogo y filósofo estadunidense William I. Robinson (NY, 1959).

A lo anterior se suman la desigualdad en la distribución de la riqueza, la incapacidad de limitar la anarquía de las fuerzas económicas y el final de la expansión del capitalismo, agrega en entrevista con La Jornada, con motivo de la reciente edición de su libro Una teoría sobre el capitalismo global: producción, clase y Estado en un mundo transnacional (Siglo XXI Editores).

El volumen publicado por primera vez en 2004, será presentado por Pablo González Casanova, Enrique Dussel, Juan Manuel Sandoval y Edur Velasco, en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México (UACM), plantel Del Valle (San Lorenzo 190, colonia Del Valle), hoy a las 18 horas, a 20 años de la entrada en vigor del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) entre Canadá, Estados Unidos de América y México.

Robinson señala que hemos llegado a un nivel nunca visto de polarización social sólo comparable a los primeros años del siglo XX; y también estamos rumbo a la construcción de un Estado policíaco global.

Como respuesta a esta crisis, los grandes capitales y gobiernos han buscado mantener su actividad económica por medio de la guerra. La invasión a Irak tenía objetivos geopolíticos pero, aparte, era una forma de acumular capital (...) Ahora, la militarización de la frontera entre México y Estados Unidos es una industria al alza. Es una economía mundial de guerra, de conflicto, de represión que tiene dos funciones: contener la rebelión, reprimir los movimientos sociales y acumular. Lo llamo en el libro acumulación militarizada.

México es el rostro del mundo

En torno al arribo a este nuevo orden, Robinson dice que en el salto de los siglos XX al XXI comienza la época histórica: el capitalismo global, nacido por la crisis mundial de los años 70 y a la posterior restructuración masiva. Los elementos distintivos de este estadio son: un sistema globalizado de producción, finanzas y servicios, una clase capitalista trasnacional, que en México está ejemplificada por Carlos Slim; el surgimiento de un aparato de Estado trasnacional y nuevas modalidades de dominación y desigualdad en escala global.

Destaca que en el presente no hay un gobierno mundial (...) sin embargo, surge una red cada vez más densa, más activa de organismos supra y trasnacionales que se coordinan entre sí, junto con estados nacionales que han sido integrados a los primeros. Estas redes funcionan para promover la acumulación trasnacional por encima de la acumulación nacional y para establecer un marco regulatorio e institucional para que pueda funcionar la economía globalizada.

En otro tema, asegura que la presente crisis no tiene precedente, por su magnitud y el deterioro ecológico y social. Los rasgos de ésta se notaron entre 1999 y 2001: el colapso de la bolsa en el área de nuevas tecnologías, la recesión de 2001, "el repunte de resistencias, porque la crisis se ejerce política y socialmente, el surgimiento del Foro Social Mundial y Otro Mundo es Posible.

La nueva crisis, continúa, se da en 2008 con el colapso del sistema financiero internacional. Es una crisis estructural que amenaza con convertirse en sistémica. Refiere que según datos de la Organización Internacional del Trabajo (OIT), una tercera parte de la población mundial no tiene empleo.

El catedrático de la Universidad de California sostiene que hay dos visiones de resolución de esta crisis. Una, en los organismos internacionales: Neokeynisianismo global, una redistribución de la riqueza, eso alivia la polarización social y la tensión política y el conflicto, para que se consuma un poco, aumente la demanda y la economía productiva, impulsada por personas como el inversionista George Soros y el Nobel de Economía Joseph Stiglitz. Por otro lado están los proyectos de resistencia que proponen una transformación.

El choque de estas propuestas y su fusión –según Robinson– puede permitir otras tres décadas para resolver las cosas, si no, la humanidad estará acabada. No soy pesimista. Creo que hay salidas que requieren lucha.

Robinson, quien hizo periodismo durante los años 80, explica sobre los fenómenos de violencia en México: "Se da en el territorio mexicano, pero se tiene que calificar como trasnacional. La incorporación de México a la economía globalizadora ha resultado en la pauperización de millones de mexicanos, quienes se convierten en migrantes en Estados Unidos, en las ciudades o en tropas para el narcotráfico o la delincuencia. Es una ley sociológica: entre más desigualdad social, más violencia.

México es el rostro del mundo, del futuro, es un espejo. Este colapso del tejido social, esta escalada de violencia, de narcotráfico es un espejo de lo que pasa en el resto del mundo, y del futuro si no hay un cambio de rumbo.


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La Orquesta Típica de la Ciudad de México “vive una nueva era”

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Ensayo de la orquesta que, según su director, tiene que ser de la sociedad, por eso realizan conciertos en plazas y jardines públicosFoto Marco Peláez

Ángel Vargas

Periódico La Jornada
Viernes 31 de enero de 2014, p. 3

Que la Orquesta Típica de la Ciudad de México (OTCM) se consolide como una institución cultural y artística representantiva de la capital del país y adquiera renombre internacional, a la manera del Ballet Folclórico de Amalia Hernández, son dos de las aspiraciones de su director artístico, Arturo Quezadas (DF, 1957).

"La orquesta típica –preconiza– debe ser como el ballet de Amalia Hernández. Es una comparación afortunada, en el sentido de que debe ser representativa y el orgullo de la ciudad de México y al mismo tiempo tener una calidad internacional que sea un factor más de atractivo de esta capital".

En entrevista a propósito de que la agrupación comienza este viernes su primera temporada del año, durante el cual se conmemorará el 130 aniversario de su existencia, el también docente, promotor cultural y filósofo externa su confianza de que 2014 será el año de consolidación de la orquesta.

Esa convicción tiene lugar luego de que el de la OTCM ha sido un destino un tanto accidentado e incluso, a los ojos de sus integrantes, hasta hace un lustro se encontraba en riesgo de desaparecer ante la falta de una sede fija, de una estructura administrativa y de partituras, además de irregularidades en el aspecto laboral de los músicos.

Tal panorama cambió, asegura Quezadas, quien fue nombrado titular del conjunto en agosto pasado en sustitución de Jesús Galarza, a raíz de que la orquesta fue declarada Patrimonio Cultural Intangible del Distrito Federal, en junio de 2011, por decreto emitido por el entonces jefe de Gobierno Marcelo Ebrard.

De acuerdo con el director, la Secretaría de Cultura capitalina está hoy muy interesada en esta institución artística y atiende sus necesidades más urgentes, como la creación de una infraestructura administrativa formal, la modernización de sus áreas y el otorgamiento de sede para ensayar y para los conciertos.

Para los ensayos es la sala Hermilo Novelo del Centro Cultural Ollin Yoliztli, mientras para los conciertos se tendrán como sedes principales el Museo de la Ciudad de México y el kiosco morisco de Santa María la Ribera.

Uno de los rubros que faltan por atender es regularizar la situación laboral de la plantilla de la orquesta, pues sólo la mitad de sus 95 integrantes, entre instrumentistas (85) y cantantes del coro (15), tiene contrato de base; el resto está por honorarios.

El impulso que el gobierno capitalino busca dar a la agrupación contempla su proyección artística y social, con la finalidad de ubicarla como una de las principales orquestas de México.

El reto artístico es llevar a la orquesta a un nivel homogéneo con otras agrupaciones importantes del país; y a nivel social, se trata de que incida en la población, que sea de la ciudadanía. Por eso es que tocamos en plazas y jardines públicos, kioscos, los Faros y las 16 delegaciones, destaca Quezadas.

A decir del director, la OTCM vive un buen momento artístico. Sin embargo, reconoce que aún se debe trabajar en varios detalles. Ello, precisa, luego de que se había estancado en cierto nivel de comodidad, debido sobre todo a que no se salía de un mismo repertorio.

Los músicos están muy entusiasmados con esta nueva etapa y los retos que estamos teniendo con otro tipo de obras, asegura y adelanta que la programación se renovará con partituras más recientes e incluso de autores mexicanos contemporáneos.

Por rescatar mil 300 partituras

A lo anterior se suma el proyecto de rescatar del Archivo General de la ciudad de México un acervo de mil 300 partituras históricas, gran parte de ellas creadas ex profeso para la Orquesta Típica de la Ciudad de México.

Algunas se remiten a 1884, año en que fue fundada la OTCM, lo cual la convierte, según Quezadas, en la orquesta en funciones más antigua no sólo de México, sino del resto del continente.

El proyecto del director, según lo hace expreso, considera recuperar el espíritu que dio pie al surgimiento de esta institución musical, que fue muy innovador y audaz para su época.

Consistió en integrar una sinfónica que combinara instrumentos típicos mexicanos, como el salterio, bandolón, bajo sexto, guitarras y marimba chiapaneca, con los clásicos de las orquestas europeas del romanticismo.

No queremos ser una orquesta anquilosada ni una pieza de museo. Una tradición se mantiene viva si se le actualiza con las influencias contemporáneas de la época en turno. Entonces, debemos hacer la tradición, pero también abrirnos a lo de hoy, a los compositores que están haciendo la nueva música tradicional mexicana.

Varios son los actos para celebrar 130 años de la Orquesta Típica de la Ciudad de México en el transcurso de los próximos 11 meses. El principal será el primero de agosto, fecha en que se fundó oficialmente la agrupación. Ese día se efectuará una gala en el Teatro de la Ciudad, con arias de óperas de Melesio Morales y Ricardo Castro, de quien se interpretará su concierto para piano.

El programa de hoy, en la sala Silvestre Revueltas del Centro Cultural Ollin Yoliztli (Periférico Sur 5141, colonia Isidro Fabela), a las 19:30 horas, incluirá la Misa mexicana, de Jesús Echevarría.


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Muere Félix Grande; de nuevo el mundo de la poesía está de luto

Foto

Félix Grande (1937-2014)Foto tomada de Internet

Armando G. Tejeda

Corresponsal

Periódico La Jornada
Viernes 31 de enero de 2014, p. 4

Madrid, 30 de enero.

Félix Grande, el poeta español que más sabía del arte del flamenco y quien fue un niño de la guerra, murió en Madrid a los 76 años víctima de un cáncer de páncreas.

La voz poética de Grande irrumpió con fuerza en los años 60 del siglo pasado, cuando renovó la poesía española que vivía en la semiclandestinidad, debido a la censura y la represión de la dictadura de Francisco Franco.

El mundo de la literatura en español pierde de nuevo a un poeta, después de los recientes fallecimientos de Juan Gelman y José Emilio Pacheco.

La poesía está de nuevo de luto. Ahora se apagó la voz de uno de los poetas más reputados y celebrados de las décadas recientes en España, un escritor entregado a la innovación de su propia tradición, pero también entregado al culto y estudio de los clásicos, así como a otra de sus grandes pasiones: la guitarra flamenca y todo cuanto tenía que ver con el arte del flamenco.

Contra la persecución

Félix Grande nació en Mérida, en la comunidad de Extremadura, el 4 de febrero de 1937. Es decir, en plena Guerra Civil española (1936-1939), que, como a millones de españoles, también lo marcó para siempre; su madre trabajó de enfermera en un hospital, mientras su padre combatía en el frente.

Tenía dos años cuando fue a vivir a la ciudad de Tomelloso –en Castilla La Mancha– con su abuelo materno, que era cabrero.

El poeta permaneció en esa localidad hasta los 20 años, entonces decidió emigrar a Madrid para iniciar sus estudios de literatura y estar más cerca del ambiente literario que, a pesar de la censura y la persecución, estaba presente en la capital española.

Su primer trabajo relacionado con la literatura fue como redactor en la revista Cuadernos hispanoamericanos, en la que trabajó con 24 años y en la que en poco tiempo se convirtió en su director, entre 1983 y 1996. Fue entonces cuando se encontró de nuevo con la censura y con la persecución por motivos ideológicos, ya que fue sustituido con la llegada del nuevo gobierno conservador de José María Aznar.

Poesía, teatro, ensayo y novela

Otras de las aportaciones de Félix Grande a la literatura y a la poesía fue la colección de libros El puente literario, de la editorial Edhasa, además de su obra que abarca poesía, prosa y ensayo.

Entre sus libros destacan el poemario Las piedras (1964), Música amenazada (1966), Blanco Spirituals (1967), Taranto y Homenaje a César Vallejo (1971), Puedo escribir los versos más tristes esta noche y Biografía (1971), Años (1975) y La memoria en llamas (2004).

En prosa es autor de las novelas Las calles (1980), La balada del abuelo Palancas (2003) y los relatos Por ejemplo, doscientas (1968), Parábolas (1975), Lugar siniestro este mundo, caballeros (1980), Fábula (1991), Decepción (1994), El marido de Alicia (1995), Sobre el amor y la separación (1996), y Té con pastas (2000).

Entre sus ensayos más celebrados figuran Apuntes sobre poesía española de posguerra (1970), Agenda flamenca (1985), La vida breve (1985) y Paco de Lucía y Camarón de la Isla (1998).


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José Cueli: Minuto enigma irrepetible

C

on qué fuerza cantó José Emilio Pacheco (1939-2014) la fugacidad del instante. El (Nachträglich) futuro anterior: freudiano se hace presente en los versos del poeta que acaba de morir.

"El misterioso día
se acaba con las cosas que
no devuelve

Nunca nadie podrá
reconstruir
lo que pasó ni siquiera en este
más cotidiano de los mansos
días

Minuto enigma irrepetible
quedará tal vez
una sombra una mancha en
la pared
vagos vestigios de ceniza en
el aire

Pues de otro modo qué
condenación
nos ataría a la memoria por
siempre

Vueltas y vueltas en derredor
de instantes vacíos
Despójate del día de hoy para
seguir ignorado y viviendo".

Antes en esa línea temporal Antonio Machado escribía:
"Al corazón del hombre con
red sutil envuelve
el tiempo como niebla del río
en una arboleda

¡No mires nada pasa: olvida
nada vuelve!

Y el corazón del hombre se
angustia. ¡Nada queda!"

La memoria, la historia y el olvido se escriben en la representación del pasado.

La memoria la revisa Paul Ricoeur (Memoria, historia y olvido, Fondo de Cultura Económica) a partir de los vínculos entre imaginación y memoria, recuerdo e imagen.

En la historia se interroga el filósofo y la comparte Enrique Florescano (Función social de la historia, Fondo de Cultura Económica) sobre la temporalidad y la escritura de la historia: ¿es la historia un remedio o un veneno? ¿Qué lugar corresponde a los testimonios y el archivo? En el olvido, Ricoeur se pregunta sobre el olvido y el perdón. Huella del pasado y memoria reconciliada.

La memoria según Sigmund Freud es la esencia del siquismo. Se ha estudiado por las neurociencias, la historia, la filosofía o el sicoanálisis.

Los trabajos de rememoración contra la compulsión a la repetición que llevan a los dolorosos trabajos de la elaboración de las pérdidas. Despreocupada memoria en el horizonte de la preocupada memoria; alma común a la olvidadiza y no olvidadiza memoria.

Lógica paradójica del dolor que es parte de la vida y tratamos de olvidar. Permanencia del afecto sobre los sentidos. Sexualidad visión de lo faltante. Poesía montaña de recuerdos. Fuente de la que brotan deseos dormidos. Visión cristalina demenciada de pálidas representaciones de esperar lo que nunca llegará.

Presencia de la ausencia, percepción siempre irreal, casi siempre vinculada al conflicto.

Oposición entre presencia y ausencia, descubrimiento de las diferencias de las palabras que nos nombran por lo que somos. Poesía que no es otra cosa que la instauración del ser con la palabra. Sicoanálisis que no es otra cosa que la instauración de ese mismo ser en la misma palabra, sólo que a diferencia del poeta que llega a ella intuitivamente, el sicoanalista lo hace técnicamente.

¡Quién fuera poeta!


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