Juan Arturo Brennan: Hipotéticas músicas para 2015

E

n el ámbito musical, el turbulento annus horribilis que fue 2014 concluyó aquí con los usuales conciertos navideños por doquier que, más allá de su éxito popular o falta de él, poco o nada ofrecieron de nuevo o interesante. ¿Quién programará, y en qué fecha futura, un concierto de fin de año verdaderamente propositivo e imaginativo? Magro consuelo el saber que en la capital austriaca les fue peor, con el soso y cansino Concierto de Año Nuvo de la Filarmónica de Viena, que concluyó con Zubin Mehta dirigiendo, como siempre, a lo más rancio y decrépito de la burguesía vienesa en su palmoteo a destiempo de los acentos de la Marcha Radetzky.

¿Qué celebraciones se vislumbran para los 12 meses que vienen? De inicio, Antonio de Salazar (ca. 1650-1715), buen músico español que al paso del tiempo llegó a ser maestro de capilla tanto de la Catedral de Puebla como de la Metropolitana de la ciudad de México. Serían más que bienvenidos algunos programas monográficos con su música sacra, pero… ¿dónde están nuestros coros de verdadera alta calidad para ello? De Salazar habría que saltar hasta el destacado compositor ruso Alexander Scriabin (1872-1915), autor de potente e inquietante música para piano y creador de vastos lienzos sinfónicos de inspiración mística variada. Habría que escuchar sus tres sinfonías numeradas, Prometeo, el Poema del éxtasis y sus sonatas para piano. Sería necesario también recordar en los 150 años de su nacimiento al más importante de los compositores daneses, el temperamental, expansivo e inextinguible Carl Nielsen (1865-1931). Indispensable poner en el escenario, por lo menos, sus seis sinfonías y sus conciertos para violín, flauta y clarinete. Son realmente de primer nivel.

Y en la cima de las efemérides musicales de 2015 está, sin duda, el 150 aniversario natal del enorme finés Jean Sibelius (1865-1957), la figura cultural más destacada de su país. Representante cimero del último gran romanticismo, así como de una singular aproximación al nacionalismo sonoro, Sibelius contribuyó también con algunos importantes apuntes de modernismo en su producción tardía. ¿Completarán nuestras orquestas el ciclo de sus ocho sinfonías (incluyendo su sinfonía vocal Kullervo), todos sus poemas sinfónicos, y el notable Concierto para violín? Más importante: ¿quiénes en nuestro medio explorarán su poco difundida música pianística y de cámara, y qué coros y cantantes mexicanos se atreverán con su numerosa y bella música vocal sobre textos en sueco y en finlandés? Valdría la pena también que alguna de nuestras casas de ópera rescatara La doncella en la torre, única creación de Sibelius en este género. No es una obra mayor, pero ciertamente es muy interesante. Por lo pronto, en las programaciones tempranas que han dado a conocer algunos de nuestros conjuntos orquestales y de cámara ya aparecen algunas de sus obras. Ojalá esto se prolongue durante todo 2015; Sibelius y la sociedad representada en su música son muy dignos de atención.

Me parece más que justo, por otra parte, no limitar las celebraciones musicales de este o de cualquier otro año solamente a los grandes nombres de la música de concierto. Hay numerosas figuras imprescindibles en otros ámbitos que merecen recordatorios y homenajes en la misma medida. Ahí van un par de propuestas aventureras, por si alguien quiere retomarlas.

1.- Alguna(s) sesión(es) dedicadas a poner de relieve las notables contribuciones de Billie Holiday (1915-1959), Edith Piaf (1915-1963) y Frank Sinatra (1915-1998) a diversos ámbitos de la música verdaderamente popular, de trascendencia indiscutible.

2.- Uno o varios desfiles de buenos guitarristas, de aquí y de allá, para recordar a Lester William Polsfuss (1915-2009), mejor conocido como Les Paul, imaginativo músico que nos legó, entre otras innovaciones, el diseño de la legendaria Gibson Les Paul, equivalente a un Rolls Royce vintage entre las guitarras eléctricas. De nuevo, la pregunta obligada para el posible seguimiento de estas propuestas: ¿quién, quiénes?

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En esto ver aquello comparte el mundo plástico que rodeó a Paz

La exposición parte de las investigaciones que Paz tuvo sobre un espectro amplio de manifestaciones y prácticas artísticas, explica el coordinador de la muestra, César González AguirreFoto Guillermo Sologuren

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Sábado 3 de enero de 2015, p. 2

El lienzo El rostro de la noche (para Octavio Paz), pintado por Robert Motherwell en 1981, es el primer cuadro visible al ingresar a En esto ver aquello: Octavo Paz y el arte, magna exposición montada en el Museo del Palacio de Bellas Artes (MPBA) con motivo del centenario del nacimiento del poeta, premio Nobel de Literatura 1990.

Es así porque la obra que el estadunidense dedicó a su amigo mexicano se percibe a través de un vidrio a modo de gran ventana. En realidad, el cuadro que abre la muestra de más de 220 piezas, entre libros-objeto, primeras ediciones y piezas prehispánicas, así como de pintura, escultura, gráfica, fotografía y grabado, es un retrato que Alberto Gironella hizo a Paz en 1980.

Para ser exacto, la exhibición se inicia en la explanada y el vestíbulo del Palacio de Bellas Artes, donde fueron instaladas esculturas monumentales de Henry Moore, Juan Soriano, Vicente Rojo, Eduardo Chillida e Isamu Noguchi. Es decir, el visitante empieza a sensibilizarse desde el exterior del edificio, así que cuando sube al primer piso donde comienza el recorrido de la muestra en la Sala Nacional, ya está listo para vivir el mundo plástico del que se rodeó Paz.

Deleite en 11 núcleos

Después del retrato de Gironella se desencadena la primera secuencia de los 11 núcleos de la exposición: Picasso y el cubismo, Marcel Duchamp. Apariencia desnuda, Caminos a la abstracción, La subversión surrealista, La sonrisa de Eros, dividido en arte de India y arte erótico universal.

Para esto, el espectador se ha deleitado con obras también de Juan Gris, Georges Braque, Diego Rivera, Joan Miró, Vassily Kandinsky, Antoni Tàpies, David Alfaro Siqueiros, Manuel Felguérez, Jasper Johns, Paul Klee, Mark Rothko, Vicente Rojo, Lilia Carrillo, André Breton, Frida Kahlo, Remedios Varo, Leonora Carrington, Manuel Álvarez Bravo... la lista es interminable.

César Blanco, guía de la exposición, recalca que Paz no se consideraba crítico de arte. Simplemente describía las sensaciones y sentimientos que percibía cuando tenía una obra de arte enfrente. Nunca habló mal de un artista, nunca dijo qué arte es bueno. Sólo explicaba desde su punto de vista como poeta las obras y los artistas que le gustaban.

En el apartado La sonrisa de Eros hay un hueco en la pared, ya que una de las piezas fue retirada. César González Aguirre, coordinador de la exposición, explica que la mandala proveniente del Museo Guimet, de India, tenía una temporalidad de préstamo más corta que la duración de la muestra, que termina el 4 de enero de 2015.

Héctor Tajonar y Miguel Fernández Félix, director del MPBA, son los curadores de En esto ver aquello... que parte de las investigaciones que Paz tuvo sobre un espectro amplio de manifestaciones y prácticas artísticas, según expresa González Aguirre.

La sonrisa de Eros, por ejemplo, está inspirado en La llama doble y El mono gramático, obras que hablan sobre el paso de Paz por la India y su interés en temas como el erotismo, el deseo, el cuerpo y la escritura. Aquí se imponen obras de Balthus, Katsukawa Shunchu, Max Ernst, Edvard Munch, Francis Bacon, María Izquierdo, Georgia O'Keefe y Ángel Zárraga.

Capítulo dos, arte nacional

El segundo capítulo de la exposición, referido al arte mexicano, comienza en el segundo piso del recinto con los núcleos La otredad mesoamericana, Conquista y colonia, Mestizaje y milagro y Academia y cultura popular.

Mestizaje y milagro está dedicado de alguna manera a Sor Juan Inés de la Cruz, ya que allí se han reunido dos grandes retratos de la poeta: el de Miguel Cabrera y el de Juan Miranda. González Aguirre anota que Paz, autor de Las trampas de la fe, habla sobre la posibilidad por diferentes rastros que encontramos en los escritos de Sor Juana que hubiera sido pintora. Sabemos que era gran admiradora de la pintura.

De ser así, no sería ajeno a otros ejemplos que tenemos. Xavier Villaurrutia también diseñó escenografías, dibujó y pintó. Esta sala comprende un Estudio de figura para el castigo de Amán en la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel Buonarroti. Se trata de una sanguina sin fecha.

Ya en la planta baja, Revoluciones y revelaciones ocupa la sala Justino Fernández, mientras en la Paul Westheim la exposición llega a su fin en El aquí y el allá. No podría ser más apropiada la maqueta de Museo por el poeta que en 1994 Teodoro González de León dedicó a su amigo. Un museo dentro de un museo.

En esta última sala también se revela la procedencia del título de la exposición. González Aguirre relata que en su casa Paz tenía una reproducción de la litografía El buen samaritano (1861), de Rodolphe Bresdia, que, al mirarse con detenimiento permite ver una serie de personajes cuyos ojos miran fijamente al espectador.

A pregunta expresa, el entrevistado indica que la única obra proveniente de los dominios de Paz es la caja La pasión mariposante. Homenaje a Charles Fourier, de la autoría de su viuda, Marie José Paz, incluida en La subversión surrealista.

El INBA informó mediante un comunicado que debido al cierre de la exposición, el Museo del Palacio de Bellas Artes tendrá mañana un horario de 10 a 23 horas, y el domingo 4 cerrará hasta que el último visitante se retire.

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Nueva exposición en Londres ilustra las peripecias de la ciencia al estudiar el sexo

Nueva exposición en Londres ilustra las peripecias de la ciencia al estudiar el sexo

Johnny Walsh

The Independent

Periódico La Jornada
Sábado 3 de enero de 2015, p. 3

Londres.

Siempre ha habido un tufillo a impropiedad en los intentos de aplicar la investigación científica a la conducta sexual humana. Cuando Sigmund Freud sugirió por primera vez que la emoción sexual era la clave del trauma neurótico, se le tuvo por loco peligroso. Hasta Maria Stopes, que fue una revolucionaria al sacar las prácticas sexuales a la luz pública, decía a sus pacientes: Por favor no piensen en la mente inconsciente; toda la suciedad de este sicoanálisis causa un daño indecible. Las investigaciones sobre la práctica sexual llevadas a cabo por Henry Havelock Ellis y Richard von Krafft-Ebing fueron recibidas con profundo recelo, en tanto los experimentos de Wilhelm Reich con la caja de orgón (según se muestran en la película WR: misterios del organismo) fueron objeto de un ridículo semejante al de las películas instructivas sexuales suecas de la década de 1960.

Kinsey, el Mengele del sexo

Cuando Alfred Kinsey difundió los hallazgos de sus copiosas indagaciones, en Conducta sexual del macho humano (1948) y su secuela en la hembra humana (1953), los estadunidenses se sacudieron hasta la raíz. Cuando la película Kinsey fue estrenada, en 2004, su tema fue comparado (por el grupo Mujeres Preocupadas por Estados Unidos) con el médico nazi Josef Mengele; un libro condenatorio sugirió que era un homosexual desvergonzado que manipulaba sus cifras de investigación (y a sus colaboradores), en tanto el grupo pro cristiano Generation Life sostuvo: Alfred Kinsey es responsable en parte de que mi generación se haya visto forzada a enfrentar las devastadoras consecuencias de la enfermedad transmitida sexualmente, la pornografía y el aborto. Cuando los sexólogos Masters y Johnson publicaron La respuesta sexual humana, basados en sus investigaciones de laboratorio sobre el intercambio sexual, la universidad que había alojado sus estudios declaró que no tenía idea de lo que ocurría y estaba profundamente perturbada.

La nueva exhibición de la Wellcome Collection sobre los pioneros del estudio de la sexualidad toca todos estos asuntos, pero nos recuerda que "aún nos planteamos, en términos generales, las mismas preguntas que se formularon hace un siglo. ¿Cuál es la conducta sexual normal? ¿Es tal o cual impulso indebido o pervertido? ¿Por qué la religión debe tener poder para dirigir (o restringir) lo que hacemos en la cama? ¿Por qué los gobiernos deben dictar lo que los adultos consienten hacer en privado?

Ningún tema en el campo de las modernas relaciones sexuales ha recibido más atención de la prensa y el público en Gran Bretaña que la pedofilia, pero aún parecemos confundidos en cuanto a lo que es. En el caso de los abusos en Rotherham, los policías que recibieron la denuncia de una joven de 14 años de que había sido sujeta a abuso por docenas de hombres concluyeron que había sido sexo consensual.

La introducción de la exhibición ubica la primera discusión pública del sexo en la Contrarreforma del siglo XVI: más que barrerlo bajo la alfombra como algo inmencionable, la Iglesia católica lo sacó a la luz e instruyó a los fieles no sólo a reconocer en la carne la raíz de todo mal, sino también, conforme al imperativo de la confesión, a declarar todo acto transgresor y expresar de palabra todo deseo.

La exhibición intenta transformar las zonas más escabrosas de la investigación sexual en imágenes y artefactos. Ofrece un trayecto por varias galerías. Una de ellas, denominada La Biblioteca, nos presenta los datos visuales recabados por destacados sexólogos en el curso de los años. Por ejemplo, está Magnus Hirschfeld, médico berlinés cuyo Institut für Sexualwissenschaft promovió el conocimiento científico como forma de contrarrestar el tratamiento injusto de las minorías sexuales, en especial los hombres gays y transexuales: el instituto fue asaltado por los nazis en 1933, y quemaron sus libros y fotografías.

Un siglo antes vivió Krafft-Ebing, el hombre cuyo libro Psychopathia Sexualis popularizó los términos sadismo, sadomasoquismo y fetichismo, y cuya colección de tarjetas postales incluye un encantador estudio de una dominatriz en uniforme de sirvienta bávara que cabalga con entusiasmo a un caballero de aspecto bobalicón que lleva una chaqueta color bermellón y una brida de caballo entre los dientes.

Homosexualidad más natural que volitiva

Havelock-Ellis fue un médico brillante que gustaba de observar y registrar la conducta sexual. Su libro Sexual Inversion, publicado en 1897, dos años después del encarcelamiento de Oscar Wilde, fue el primero en sugerir que la homosexualidad podría ser innata y natural, más que volitiva y perversa. Su propia manía sexual era la urolagnia, es decir, se excitaba de ver a alguien orinando.

La Colección Wellcome pertenece al acervo del Instituto de Sexología en Londres. En la imagen, una espectadora en la muestraFoto AP

Por último, pero con la misma importancia entre los escritores está Henry Wellcome, fundador de la colección que lleva su nombre, un tipo de barba profusa y aspecto heroico cuyo sueño era reunir material ilustrativo de la historia de la salud humana y la medicina. En especial le atraían los objetos de tema sexual de diferentes culturas, y alentaba a ayudantes en todo el mundo a encontrar para él objetos fálicos como evidencia de un culto primigenio y panhumano al pene. Las muestras de Wellcome son la perla de la colección. Escenas eróticas en moldes de yeso, que pasan por antiguas pero datan claramente del siglo XIX, muestran cuán excitados estaban los victorianos por el descubrimiento de imaginería erótica en toda Pompeya. Conchas de cauri y esculturas de fruta de porcelana que se abren para revelar trampas sexuales en el interior. Falos enormes cuelgan de móviles o son apretados en brazos de niños sentados (imagen de fertilidad en las cosechas tempranas). Hay una gynaeplaque, modelo de vagina en esponja, supuestamente de uso didáctico, disponible para inspección (o algo peor) en el lado abierto de un maletín de cuero, circa 1925.

También una magnífica pintura de 1845, titulada El acompañante secreto, que muestra un caballero de aspecto compungido recostado en una chaise longue, completamente vestido a la moda pero apretando significativamente un pañuelo, al parecer en la última etapa de agotamiento mental y corporal debido al onanismo o la autodegradación. Data de una época en que se creía en serio que el dispendio de semen podía causar parálisis.

Histeria y aborto

La llamada Sala de Consultas se centra en dos figuras que ofrecieron solaz a los socialmente perplejos en los albores del siglo XX: Sigmund Freud y Marie Stopes. La invención señera de Freud, el sicoanálisis, fue resultado de su descubrimiento de que los trastornos nerviosos no tenían causas físicas. Entre las pinturas mostradas aquí están tres estudios de una mujer rapada, al parecer presa de la histeria, enfermedad que antes se consideraba resultado de los deseos femeninos no contenidos. Freud se apoyaba en la hipnosis y la asociación libre para desatar recuerdos enterrados.

Fotografías de la Clínica para Madres de Marie Stopes y su caravana de control natal, tirada por caballos, se muestran junto con algunas cartas espléndidas de personas a quienes no impresionaban sus enseñanzas sobre anticoncepción ("Doctora Stopes, regrese a su país –Escocia– a predicar allá sus sucios métodos. La gente decente inglesa está molesta por las sucias sugerencias que usted escribe en Married Love") y por damas desesperadas que la trataban como a una Pamela Stephenson de la década de 1920 (Querida doctora, le escribo en busca de su amable consejo porque estoy muy preocupada. El hombre con quien me casaré este año tuvo un accidente hace unas semanas y, cuando lo ayudaba a quitarse las ropas desgarradas y empapadas en sangre, no pude evitar notar que sus órganos sexuales son muy grandes, y la idea de tener relaciones maritales me ha preocupado desde entonces, porque soy pequeña en ese aspecto).

Galería de objetos

Una galería llamada La Tienda de Campaña examina los estudios antropológicos de Bronislaw Malinowski, aristócrata polaco que se instaló con los isleños de Trobriand en 1915, comiendo y durmiendo con ellos, y aprendió su lengua. Descubrió que, lejos de ser salvajes gobernados por el instinto y la naturaleza, tenían refinadas normas de conducta sexual. La galería Salón de Clases está dedicada a las asombrosamente detalladas indagaciones sexuales de Alfred Kinsey y su vasta colección de objetos eróticos: en particular, él y su equipo estaban interesados en alfarería erótica peruana, que en su mayor parte representa sexo anal.

Luego de esto, la exhibición pierde gas visualmente, pero el trabajo está muy bien hecho, al poner de relieve que, por mucho que los avances científicos revelen acerca de la conectividad del cerebro, la proliferación de células cancerosas o la clarividencia de la secuenciación genética, la conducta sexual humana rehúye el encasillamiento. Las razones por las cuales A fantasea por B, por qué algunas personas ansían tener sexo con mascotas, calzado o partes de máquinas, en tanto otras desean cambiar el sexo con que nacieron, y por qué prelados y parlamentos, desde el Vaticano hasta África subsahariana, insisten en decir a la gente cómo conducir su vida sexual, siguen siendo, pese a todas las encuestas, investigaciones y taxonomías del mundo, pasmosamente inescrutables.

La Colección Wellcome del Instituto de Sexología en Londres, estará abierta hasta el 20 de septiembre de 2015.

© The Independent

Traducción: Jorge Anaya

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Descubrimientos del INAH en 2014 abrieron rutas en el saber de los ancestros de América

Descubrimientos del INAH en 2014 abrieron rutas en el saber de los ancestros de América

Un descubrimiento revelador fue el del esqueleto de una mujer, que se realizó dentro del Proyecto Arqueológico Subacuático Hoyo Negro, en Tulum, Quintana RooFoto Roberto Chávez Arce/ Archivo SAS-INAH

De la Redacción

Periódico La Jornada
Sábado 3 de enero de 2015, p. 4

Una ninfa acuática en el interior de una cueva en Tulum que podría revelar el eslabón de los primeros pobladores de América con los indígenas contemporáneos, la ofrenda más abundante y rica bajo el suelo de Teotihuacán y enterramientos de huesos pintados en rojo en Sinaloa son algunos de los descubrimientos realizados por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), durante 2014.

Un total de 377 proyectos de investigación fueron desarrollados por el organismo gubernamental, con una inversión de 671 millones de pesos, se informó en un comunicado para dar a conocer descubrimientos que abren nuevas rutas en el conocimiento de las culturas prehispánicas y de los ancestros de poblaciones nativas de América.

El INAH destacó el hallazgo de una abundante ofrenda en Teotihuacán, bajo el umbral de tres cámaras localizadas al final del túnel de 102 metros de longitud que corre bajo La Ciudadela, en el centro arqueológico en el estado de México. Como parte del Proyecto Tlalocan. Camino bajo la tierra, ubicado a 18 metros de profundidad bajo el templo de la Serpiente Emplumada, se encontraron cuatro esculturas antropomorfas de piedra verde, decenas de grandes caracoles del Golfo de México y el mar Caribe, miles de cuentas de diversos materiales, jade de Guatemala, pelotas de hule, esqueletos de escarabajos, huesos y restos de pelo de grandes felinos, detalló.

Con la exploración de las tres cámaras en 2015 los especialistas esperan corroborar si esta actividad ritual, realizada aproximadamente hace mil 800 años, se relacionaba con el enterramiento de gobernantes de la gran metrópoli, difundió el INAH.

El esqueleto de una mujer, Naia (ninfa de agua) es un descubrimiento revelador que dio a conocer en 2014 el Proyecto Arqueológico Subacuático Hoyo Negro, en Tulum, Quintana Roo. Luego de tres años de estudio, en colaboración con la Sociedad Geográfica de Estados Unidos, se confirmó que los restos óseos recuperados de una cueva inundada tienen una antigüedad aproximada de entre 13 mil y 14 mil años.

Los estudios del ADN mitocondrial lo colocan como el eslabón que vincula a los primeros pobladores de América con los grupos indígenas contemporáneos del continente. Además, por primera vez se relacionó un esqueleto con características faciales y craneales de un paleoamericano con el ADN de cazadores-recolectores que cruzaron el Estrecho de Bering entre hace 18 mil y 26 mil años.

En El Rosarito, al sur de Sinaloa, fue encontrada la Tumba 1 de Chametla, un enterramiento de características inusitadas para la arqueología estatal, que al parecer corresponde a personajes importantes de la cultura que antecedió a las conocidas en ese lugar, asentamiento de agrupaciones sedentarias más antiguas de la entidad, alrededor de 350 a 450 dC. Los huesos pintados de rojo de varios individuos pertenecerían a los primeros pobladores de esta región.

En Colima, otra tumba de tiro intacta fue hallada en el municipio de Villa de Álvarez, con las fumarolas del volcán de Fuego como fondo. Los arqueólogos fueron los primero en ver su interior, después de que fue sellada hace más de mil 500 años. En la bóveda se encontraron los restos de dos individuos y otro personaje colocado posteriormente, acompañado por un chamán de rostro alargado y arma en mano.

Vestigios de barro xochimilca del siglo XII en la capital del país, una trinchera gala en Pueblo, la cual fue refugio del ejército francés en 1863; un fardo mortuorio en Zimapán, Hidalgo, y enterramientos prehispánicos de perros en Azcapotzalco se incluyen en el recuento de actividades del INAH.

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Zubin Mehta imprimió su alegre sello al tradicional recital de Año Nuevo

La sala de la Musikverein, de Viena, se convirtió en un mar de color gracias a 30 mil flores amarillas, rojas y rosas que evocaron las raíces de Mehta, nacido en Bombay en 1936Foto Ap

Dpa

Periódico La Jornada
Viernes 2 de enero de 2015, p. 5

Viena.

Alegre y con suaves semitonos: la Filarmónica de Viena saludó hoy 2015 con su tradicional concierto de Año Nuevo, en esta ocasión bajo la magistral batuta de Zubin Mehta.

Es la quinta vez que el director de origen indio se pone al frente de esta ceremonia, a la que imprimió su sello personal en medio de los tradicionales valses y polcas de la familia Strauss.

La gran sala de la Musikverein, de Viena, se convirtió hoy en un mar de color gracias a las 30 mil flores amarillas, rojas y rosas que rememoraban las raíces de Mehta, nacido en Bombay en 1936.

El comienzo del concierto, con la obertura Una mañana, una tarde y una noche en Viena, de Franz von Suppé, guarda una estrecha relación con varios momentos de la vida del director. Mehta llegó a la capital austriaca en 1954 y estudió en el Conservatorio de Música de Viena.

En 1961 se puso por primera vez al frente de la filarmónica, a la que ya dirigió en el concierto de Año Nuevo en 1990, 1995, 1998 y 2007.

Aquí hago música con amigos. No es una relación cualquiera entre orquesta y director, afirmó el maestro, de 78 años, antes del concierto.

Sin asomo de vanidad, Zubin Mehta dirigió hoy con vitalidad exultante a la Filarmónica de Viena. Junto con los cuatro integrantes de la familia Strauss –Johann, Johann, Josef y Eduard– y Suppé, el director hizo hueco también para el Strauss del norte, Hans Christian Lumbye.

Mientras la orquesta tocaba su Champagne Galopp, Mehta repartió vasos de champán entre los músicos, que cantaron a voz en cuello.

En el programa de este año figuraron cinco piezas que nunca se habían tocado en el concierto de Año Nuevo. En homenaje al 650 aniversario de la Universidad de Viena y a los 200 años de existencia de la Universidad Técnica, la orquesta tocó las polcas Estudiantes y Electromagnética, de Johann Strauss hijo.

En 90 países, 50 millones de espectadores

El coreógrafo Davide Bombana escogió además como escenario la Universidad de Viena para grabar en septiembre la puesta en escena de la polca Estudiantes y el vals Vino, mujer y canto, también de Johann Strauss hijo.

Las piezas, interpretadas por los solistas del ballet de Viena, se mostraron hoy en la tradicional Musikverein.

Alrededor de 50 millones de personas siguieron esta 75 edición del concierto de Año Nuevo a través de la televisión en unas 90 naciones, entre ellas, por primera vez, en Bahamas.

Como manda la tradición, el concierto concluyó con la interpretación de El Danubio azul y de la Marcha Radetzky, en la que Zubin Mehta dirigió también al público mientras éste acompañaba a la orquesta con sus aplausos.

El primero de enero de 2016 se pondrá al frente de la filarmónica el director letón Mariss Jansons, quien repite después de haberla encabezado en 2006 y 2012.

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“Con Sibelius sientes que si una gota toca tu piel quemará hasta el hueso”

Entre los actos conmemorativos que la Sociedad Sibelius de Finlandia anuncia anticipadamente para 2015 se encuentra la edición 11 de la Competencia Internacional de Violín Jean Sibelius, una conferencia mundial de estudiantes y el festival anual Sibelius. En las fotografías se muestra al compositor en distintas etapas de su vidaFoto tomadas del sitio del Club Finés de Helsinki

Alondra Flores

Periódico La Jornada
Viernes 2 de enero de 2015, p. 2

El año 2015 es marcado por el 150 aniversario de Jean Sibelius, compositor nacido en el extremo geográfico de Europa, que conformó parte de la historia musical sinfónica del siglo XX.

En su natal Finlandia ya se avecina un año de fiesta dedicado a su músico más célebre, mientras las orquestas del mundo incluirán sin duda parte de su obra en el repertorio de este año que empieza.

Sibelius es autor de siete sinfonías, un concierto para violín, música para coros y el Valse triste, una de sus piezas más características, entre otras obras.

Sibelius es tan concentrado y exacto. Con él sientes que si una gota toca tu piel quemará directo hasta el hueso, dijo el director Simmon Rattle, uno de los encargados de revalorar y traer a los repertorios la música del compositor finés.

Nació en Hämmelinna, Gran Ducado de Finlandia, el 8 de diciembre de 1865, en ese entonces territorio ruso. Compositor del posromanticismo y nacionalista, es el más sobresaliente de Finlandia, incluso con trascendencia internacional.

Jean Sibelius escribió sus obras durante 50 años, desde 1880 hasta finales de la década de 1920. Desde obras iniciales de un estilo marcado por la escuela clásica de Viena y el romanticismo temprano, que se movió a través del romanticismo nacional a un tipo de neoclasicismo, hasta una etapa intermedia, expresionista impresionista.

Finalmente llegó a una renovación y cristalización del pensamiento sinfónico, en formas que hasta ahora empiezan a comprenderse a la luz de la investigación contemporánea, valoración realizada por el Club Finés de Helsinki en un sitio dedicado al compositor.

Aunque comenzó estudios de derecho en la capital de Helsinki, Jean Sibelius estudió en el conservatorio de esta ciudad y luego en Berlín, Alemania, y también en Viena, Austria, donde inició su obra orquestal, inspirado por la obra de Bruckner y Wagner.

Tras una vida de altibajos, con fama y éxito inconstantes en toda Europa, además de luchar contra el alcohol y con su octava sinfonía inconclusa, murió el 20 de septiembre de 1957 en Ainola, cerca del lago Tuusula, lugar que fue su hogar y el de su familia desde 1904.

A principios del siglo XXI renació un interés por la obra de Sibelius, y desde los años 90 del siglo pasado sus sinfonías han sido interpretadas en renombradas salas de concierto en Londres, Helsinki, Tokio, Berlín y Viena.

La edición 11 de la Competencia Internacional de Violín Jean Sibelius, una conferencia internacional de estudiantes y el festival anual Sibelius son algunos de los actos conmemorativos que la Sociedad Sibelius de Finlandia anuncia anticipadamente para 2015. La larga vida de Sibelius fue una gran aventura que nos gustaría mostrarte con motivo de su 150 aniversario, anuncian.

Fuera de su país de origen, el director ruso Vladimir Ashkenazy dedicará una serie de conciertos dedicados a Sibelius, junto con la inglesa Philharmonia Orchestra. El repertorio incluye el concierto para violín del siglo XX con mayor número de grabaciones.

El anuncio del concierto a celebrarse el 18 de marzo en Cardiff expone que Sibelius en principio estuvo determinado a ser un violinista de clase mundial, incluso hizo audición en la Filarmónica de Viena.

Si hubiera tenido éxito, parte de la mejor música de orquesta del siglo XX no se hubiera escrito nunca. El resultado más notable fue su Concierto para Violín, compuesto para el virtuoso que Sibelius no pudo ser.

Ashkenazy es uno de los directores que grabó el ciclo completo de sinfonías de Jean Sibelius, uno de los más apreciados y populares desde Beethoven.

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Penultimátum

J

unto con el problema económico, los españoles soportan la enorme corrupción de funcionarios, políticos y empresarios ligados al poder. Uno de los frutos de lo anterior es la enorme desconfianza hacia las instituciones, muchas veces manejadas por personajes que se enriquecen a la sombra del servicio público. Por corruptos están sujetos a proceso o en la cárcel lo mismo banqueros y empresarios que ex ministros, ex gobernantes de las comunidades autónomas y miembros de los dos principales partidos políticos. En especial del que está en el poder. Toda una cauda de famosos que hasta doctorados honoris causa obtuvieron en sus tiempos de gloria.

Y dentro de esos casos, dos ocupan la atención ciudadana por sus semejanzas: el de la infanta Cristina, hija de los anteriores monarcas y hermana de quien hoy ostenta la corona española. Y el de la famosa tonadillera Isabel Pantoja. Ambas señalan a sus parejas como causantes de tener problemas con la justicia. En el caso de la infanta, su marido, Iñaki Urdangarin, aprovechó su matrimonio para hacer negocios mediante el Noos, instituto supuestamente sin fines de lucro y en cuya directiva también figuraba la infanta.

El que fuera yerno preferido del anterior monarca aprovechó su condición para obtener contratos millonarios con instituciones gubernamentales para actos y otros proyectos que nunca se celebraron. Con lo mal habido, el matrimonio adquirió y disfrutó lujoso palacete en Barcelona. La infanta igualmente cubrió diversos gastos personales. Nunca supe lo que hacía mi esposo, dijo en su defensa. Nadie le creyó y menos un juez probo, José Castro, quien resolvió procesarla por diversos delitos y obligarla a pagar cuantiosa suma por evadir al fisco. Primera vez que alguien perteneciente a una casa real europea es enjuicida.

Por su parte, la Pantoja deberá estar en prisión dos años, si es que antes no sale por buena conducta y carecer de antecedentes penales. Previamente la justicia la multó y obligó a devolver los millones de dinero sucio que llegó a sus manos. Era parte del botín que su pareja, Julián Muñoz, ex alcalde de la ciudad de Marbella, obtuvo de cobrar cuotas por autorizar licencias para construir urbanizaciones y realizar obra pública. Amasó así una enorme fortuna. Este caso y otros más recuerdan que en México no faltan los servidores públicos o sus familiares que también exigen su cuota a quienes hacen trabajos para el sector gubernamental. La popular cantante alegó en su defensa ante el juez que todo lo que hizo fue por estar ciegamente enamorada de Muñoz, el pillo que estará en la cárcel más años que ella. Sin presumir de adivino, puedo adelantar que la infanta Cristina no irá a prisión. Pero de lo que nunca se librará es de la condena ciudadana.

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En 2015 las artes plásticas celebrarán a grandes creadores en sus centenarios

Raúl Anguiano, en imagen de archivo

Mathias Goeritz, en imagen de archivo

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Viernes 2 de enero de 2015, p. 4

En México se celebrarán este año los centenarios de los reconocidos artistas Raúl Anguiano, Mathias Goeritz, Gunther Gerzso, Elizabeth Catlett y Feliciano Peña.

También en 2015, los artistas Philip Bragar y Arturo Estrada arribarán a sus 90 años.

Anguiano, pintor, muralista y grabador, nació el 26 de febrero en Guadalajara, Jalisco, y murió el 13 de enero de 2006 en la ciudad de México.

Anguiano perteneció a una tercera generación de muralistas, disciplina que cultivó hasta su muerte. De niño fue influenciado por fotografías de los murales de los llamados tres grandes (Orozco, Rivera y Siqueiros). A los 15 años ingresó a la Escuela Libre de Pintura de Guadalajara, que dirigía el pintor Ixca Farías.

En la capital del país, en 1937 ingresó a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios y un año después al Taller de Gráfica Popular (TGP), cuya primera preocupación era utilizar el arte para fomentar las causas sociales revolucionarias.

Formó parte en 1949 de la expedición a la selva Lacandona y a las ruinas de Bonampak que organizó el Instituto Nacional de Bellas Artes. Como resultado hizo apuntes y dibujos que fueron la base para una colección de óleos, temples y litografías. Su cuadro La espina (1966) ha sido tal vez su obra más difundida, ya que ilustró durante años los libros de texto gratuitos en las escuelas de educación primaria.

En 2000 fue merecedor del Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría de Bellas Artes.

Goeritz llegó a México en 1949

No podría ser más contrastante la trayectoria del arquitecto, escultor y filósofo de origen alemán Mathias Goeritz, nacido el 4 de abril en Danzig, nombre de la ciudad polaca de Gdansk en la época que fue parte del imperio prusiano; falleció en la ciudad de México el 4 de agosto de 1990.

Fue fundador en 1948 de la Escuela de Altamira, en Santillana del Mar, España; al año siguiente llegó a México invitado por el arquitecto Ignacio Díaz Morales como maestro en la recién fundada Escuela de Arquitectura de la Universidad de Guadalajara.

Al trasladarse a la ciudad de México, en 1952, creó una serie de obras icónicas, como el edificio El Eco (1953); las Torres de Satélite (1957), en colaboración con Luis Barragán y Jesús Reyes Ferreira; el altar de la Capilla de las Capuchinas (1963), también en colaboración con Barragán; los vitrales para la nave principal de la Catedral Metropolitana, además de promover la creación de la Ruta de la Amistad, en el Anillo Periférico, con motivo de los Juegos Olímpicos celebrados aquí en 1968.

De 1978 a 1980 realizó el Espacio Escultórico del Centro Cultural Universitario, en colaboración con los artistas Helen Escobedo, Manuel Felguérez, Hersúa, Sebastián y Federico Silva.

Luchadora social, integrante del TGP, escultora, grabadora y dibujante, Elizabeth Catlett, nacida el 15 de abril en Washington y muerta en Cuernavaca el 2 de abril de 2012, hizo de México su hogar desde 1946.

Dueña de una obra que abstraía la figura humana, de acuerdo con la crítica de arte Raquel Tibol, entre sus aportes resalta haber conservado en México una imagen, sobre todo en escultura, pero también en gráfica y dibujo, de la comunidad afroestadunidense. Fue distinguida con el Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award (premio a su trayectoria en la escultura contemporánea, en 2003).

En ocasión de una entrevista con La Jornada (30/10/02), la artista manifestó: Jamás he buscado fortuna ni fama. Siempre he trabajado para llevar algo de arte al pueblo negro en Estados Unidos. Aparte de su experiencia como afroamericana, quien creció en una época de segregación generalizada, su arte también recibió influencias de la escultura precolombina, los desnudos sensuales y reclinantes de Henry Moore y los murales de Diego Rivera.

Egresada de la Universidad de Howard, con una maestría de la Universidad de Iowa, Catlett viajó a México gracias a una beca. Su trabajo en el TGP la motivó a buscar un público lo más amplio posible, lo que luego la obligó a balancear la abstracción con la figuración.

Su escultura Hombre invisible, de 4.5 metros de alto, dedicada al escritor Ralph Ellison, se encuentra en el parque Riverside, en Manhattan.

Pintor y grabador, Feliciano Peña nació el 25 de abril en Silao, Guanajuato, y falleció en la ciudad de México el 16 de mayo de 1982. Arraigado en Tlalpan desde 1926, a falta de una escuela secundaria cercana su madre lo inscribió en la Escuela de Pintura al Aire Libre, donde estudió de 1928 a 1932 bajo la guía de Tamiji Kitagawa y Francisco Díaz de León.

A mediados de los años 30 se mudó a Xalapa, Veracruz, donde fundó una escuela de pintura con Francisco Gutiérrez y José Chávez Morado. El trío también pintó un mural de 155 metros cuadrados, Antifascismo, en la Escuela Normal Superior, que fue tapado unos años después, ya que el desnudo femenino de Gutiérrez fue considerado obsceno. Tres décadas después alumnos de la escuela trataron de recuperarlo, sin embargo, las secciones pintadas por Peña estaban destruidas.

Peña es mejor conocido como pintor de paisajes, con un estilo definido como una representación fiel de la naturaleza, sin distorsión de la forma o la luz. Una de sus influencias fue José María Velasco.

Gerzso, más pintor que diseñador

El pintor, diseñador de escenarios y escritor Gunther Gerzso nació el 17 de junio en la ciudad de México, donde falleció el 21 de abril de 2000. Relacionado con el movimiento de la Ruptura, en un primer momento se integró al grupo de artistas surrealistas que vivían refugiados en México en la época de la Segunda Guerra Mundial.

De ascendencia húngaro-alemana, Gerzso pasó varios años de su niñez y adolescencia en Europa. Allá conoció al diseñador Nando Tamberlani, quien lo introdujo al mundo del teatro, profesión que desarrolló después en la ciudad de México. Sin embargo, durante una estancia en Estados Unidos, becado para estudiar en la Cleveland Playhouse, se le convenció de participar en la exhibición anual del Museo de Arte de Cleveland, con dos cuadros.

Con el tiempo, Gerzso empezó a considerarse más pintor que diseñador. En un principio sus pinturas incorporaban aspectos de arte precolombino dentro de un contexto surrealista y cubista, hasta llegar a la abstracción.

También en 2015 se celebrará el cumpleaños 90 de los pintores Philip Bragar y Arturo Estrada.

Nacido el 10 de mayo en Nueva York, Bragar radica en México desde 1954. Estrada nació el 30 de julio en Pandícuaro, Michoacán. Como alumno de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmerada, tuvo como maestra a Frida Kahlo y fue conocido como uno de Los Fridos, junto con Arturo García Bustos, Guillermo Monroy y Fanny Rabel, también discípulos de la pintora.

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El mejor crítico literario soy yo: Emmanuel Carballo

Elena Poniatowska

Periódico La Jornada
Viernes 2 de enero de 2015, p. 3

Entre mis papeles encontré esta entrevista con Emmanuel Carballo hecha hace 48 años, en febrero de 1966, y pensé que recordarlo sería un mínimo homenaje en el que Carballo muestra su radicalismo, que sigue siendo energizante a pesar de su desaparición, a los 84 años.

–¿Emmanuel Carballo? ¿Quién es Emmanuel Carballo? Hace 10 años me lo preguntaron. Es un señor alto y risueño. Es el futbolista de la literatura mexicana y, a veces, muy de vez en cuando, mete goles. Es el más atrabancado de todos... Entre nuestros críticos literarios es el que más goles ha metido, porque dice lo que piensa sin importar las consecuencias. Por eso lo buscan y le temen. Él fue quien dijo que en lugar de torcerle el cuello al cisne había que retorcerle el pescuezo al poeta Enrique González Martínez y que Xavier Villaurrutia era el Henri de Chatillon de la poesía mexicana, pero con 20 años de atraso sobre la moda. Condenó al poeta José Tiquet, pidiendo que se le diera su return ticket a Tabasco. (Creí que el autor de esa frase era Salvador Novo). ¡Sus polémicas son famosas! Octavio Paz, Antonio Castro Leal, Manuel Pedro González, los grandes y los chicos, nadie se le ha escapado. Acaba de publicar 19 protagonistas de la literatura mexicana del siglo XX. Son: Alfonso Reyes, José Vasconcelos, Martín Luis Guzmán, Julio Torri, Genaro Fernández McGregor, Artemio de Valle Arizpe, Julio Jiménez Rueda, Carlos Pellicer, José Gorostiza, Jaime Torres Bodet, Salvador Novo, Octavio G. Barreda, Agustín Yáñez, Rafael F. Muñoz, Nellie Campobello, Ramón Rubín, Juan José Arreola, Rosario Castellanos y Carlos Fuentes.

–Emmanuel, ¿es cierto que son aburridas tus entrevistas?

–Depende... Yo no tengo la culpa de que haya gente aburrida. Respeto las virtudes y los defectos de mis entrevistados, y si algunos de ellos son plantígrados –de pies planos, como los osos–, la culpa es suya y no mía.

–Qué, ¿tus pies son muy livianos?

–Soy el Aquiles de la literatura mexicana. Mis pies son tan ligeros como mi prosa. Escribo con los pies, con el vientre y hasta con la cabeza, pero nunca con las manos.

–¿Qué significa escribir con las manos?

–Me pondré folclórico. Hay dos tipos de escritores: los que escriben con las manos y los que escriben con la cabeza. Los primeros no saben pensar, no tienen nada qué decir, pero lo poco que dicen es hermoso. Los que escriben con la cabeza son los que saben pensar, pero no saben escribir. Hay una tercera clase de escritores que no saben ni escribir ni pensar y, como así andan las cosas ahora, son naturalmente los más importantes de la literatura mexicana y se llaman Juan García Ponce, Gustavo Sainz, Salvador Elizondo (que acaba de sacarse el premio Villaurrutia), Inés Arredondo, Julieta Campos, Juan Vicente Melo, y qué sé yo... Juan García Ponce es ahora un escritor que empieza a tener discípulos. Tiene una manera muy honrada de escribir y de vivir, ambas muy respetables, pero que a mí no me interesan.

–¿Por qué?

–Me parece que su literatura es un tanto anacrónica. Repite sin agregar nada nuevo tema, estructuras y estilos, que han producido en otros países obras maestras.

–¿Césare Pavese?

–Sí, Pavese y muchos más... En el mejor de los casos, sus obras me parecen mediocres. Lo que más admiro en él es su profesionalismo. Con García Ponce, la joven literatura mexicana toma muy en serio el duro oficio de escribir. No son improvisados. Son escritores de tiempo completo. Y eso, aquí y en todas partes, es admirable. Elizondo también es un profesional. Alguien decía que si Elizondo no hubiera escrito Farabeuf habría cometido un crimen, y estoy de acuerdo con Sergio Fernández. Entre las novelas publicadas en 1965, Farabeuf, junto con Gazapo, fueron las mejores, me parecieron excelentes.

Rompieron las comedidas normas

"Gustavo Sainz y Elizondo rompen de una vez por todas con las comedidas normas que todavía acatan nuestros escritores: escribir a la manera de Juan Rulfo, de Juan José Arreola, de Carlos Fuentes, etcétera. Ellos dos no son epígonos. Abren nuevos caminos en la literatura mexicana.

Desde la izquierda, el poeta tabasqueño José Carlos Becerra, el cronista Carlos Monsiváis y el crítico literario Emmanuel Carballo, en una imagen incluida en Aquí no pasa nada: una historia literaria del 68, exposición de 2008 Foto cortesía de la Coordinación Nacional de
Literatura de la UNAM

"De novela a novela, me interesa más Gazapo. Está mejor estructurada, mejor escrita y es más novela. En Sainz hay escritor para rato. Inés Arredondo no ha escrito más que un solo gran cuento en su vida, por el cual figurará siempre en las antologías de la prosa narrativa mexicana: La Sunamita. Sus demás textos no valen nada. Una de mis grandes admiraciones es Juan Vicente Melo. Creo que es un escritor que sí sabe escribir y sí sabe pensar y que lo hace con los pies, con la cabeza y con las manos. ¡Es un maravilloso escritor! Es el mejor poeta mexicano joven, aunque escriba en prosa...

–¿Y por qué omitiste a Luis Spota, el que más vende entre los escritores mexicanos?

–El señor Spota no existe. Es un invento del jefe de la mafia Fernando Benítez y vende mucho porque tiene la calidad de Caridad Bravo Adams, Félix B. Cagnet y Carlos Monsiváis... Representa el momento más sublime de la cursilería de clase media.

No están todos los que son ni son todos los que están

–¿Por qué eliminaste a Fernando Benítez?

–¡Nadie ha querido leer correctamente el título de mi libro! ¡Ahí se dice 19 protagonistas! ¡No están todos los que son ni son todos los que están! Están algunos de los que más admiro y algunos escritores que me chocan, pero tienen alguna importancia histórica. Estos últimos son los modestos albañiles de la literatura mexicana, los que construyen paredes y techos, los que permiten que no vivamos a la intemperie: Fernández McGregor, Jiménez Rueda, Ramón Rubín, Nellie Campobello, Rosario Castellanos y el mismo don Artemio de Valle Arizpe, a quien quise muchísimo.

–¿No son grandes creadores?

–Por supuesto que no. Son los vulgarizadores de la auténtica tradición mexicana que va más allá del documento y tiene valor artístico permanente.

"Te confieso una de mis debilidades: Alfonso Reyes. Si yo fuera el Díaz Ordaz de la literatura mexicana, no daría a nadie permiso de escribir si antes no aprobara con excelentes calificaciones un examen minucioso de la obra de Alfonso Reyes. ¡Quien no conoce a Alfonso Reyes se puede dedicar a todo menos a la literatura! Te lo digo con toda franqueza. El recado más pequeño de Alfonso Reyes, sus innumerables cartas, sus artículos en los periódicos, son creación pura. Reyes es un creador, porque le dio una nueva fisonomía al idioma español. Una es la literatura mexicana anterior a Reyes y otra la que estamos creando los discípulos de Alfonso Reyes.

"De los que están en mi libro 19 protagonistas... me interesan Vasconcelos, Guzmán, Arreola y Fuentes. ¡Y me hubiera gustado entrevistar a dos escritores que me vuelven loco cuando los leo: Octavio Paz, el mejor escritor vivo de México hoy día, y Juan Rulfo! A Rulfo no lo entrevisté porque Rulfo es magnífico cuando escribe y de una torpeza infinita cuando habla. A Rulfo no hay que entrevistarlo, hay que leerlo. El peor enemigo de Rulfo es él mismo y sus mejores amigos son Pedro Páramo y Anacleto Morones.

–Emmanuel, ¿te parece haber hecho un libro importante?

–Muy importante.

–¿Por qué?

–Porque más que entrevistas son radiografías de la vida y la obra de algunos de los más notables escritores de nuestros días. ¡Quien de veras se interese por la literatura mexicana, tiene la obligación irremediable de leerlo! Quien no lo lea, vivirá en el limbo, no sabrá lo que ha pasado en el siglo XX mexicano. Por último, te diré sin modestia y sin vanidad que es un gran libro que no ha tenido la crítica adecuada, porque fuera de mí no hay críticos en la literatura mexicana. Y es muy triste que yo tenga que elogiarme a mí mismo. ¿En qué país vivimos? ¡Hay que irse a las montañas!

–¿A la guerrilla?

–Por supuesto que sí.

–Literaria naturalmente...

–No, de ninguna manera, revolucionaria, fusil en mano.

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La selva de la Amazonia, tema de una exposición sin precedente en México

Las piezas exhibidas en Amazonia, pueblos de selva –que estará hasta el 31 de mayo próximo– proceden principalmente de Perú, Ecuador y BrasilFoto cortesía del MNC

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Miércoles 31 de diciembre de 2014, p. 5

La selva tropical de la Amazonia, la más diversa del planeta, es el tema central de la nueva exposición del Museo Nacional de las Culturas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), que reúne por primera vez 137 piezas etnográficas de pueblos indígenas que se encuentran en peligro de extinción.

La exposición Amazonia, pueblos de selva exhibe la gran diversidad silvestre y zoológica de la zona, así como las culturas que ahí habitan y el empleo de los recursos naturales, que les ha permitido sobrevivir desde hace unos 15 mil años, como se explica en una de las cédulas informativas.

La muestra es resultado de más de dos años de estudio de las colecciones del museo, con piezas procedentes principalmente de Brasil, Perú y Ecuador.

El Museo Nacional de las Culturas, único en América Latina por su temática de antropología internacional, adquirió esta colección en la década de los 70; sin embargo, 13 piezas fueron prestadas por el hijo del embajador José Antonio González de León, quien representó a México en Brasil de 1987 a 1989.

Piezas de cestería, instrumentos de caza y agrícolas, ornamentos y arte plumario de la región integran la muestra, la cual fue dividida en seis módulos: El don de los pájaros, El don de las serpientes, Imitación de la selva, El silencio del cazador, Materiales de la selva y Entre dos mundos.

Materiales delicados

Tania Bustos, integrante del equipo de investigadores del museo, subrayó que estas piezas etnográficas son especiales, porque están hechas de materiales muy delicados que requieren para su preservación de condiciones específicas. Además, son únicas en su tipo debido a que los grupos amazónicos están desapareciendo a una velocidad vertiginosa, alertó.

En la exposición, inaugurada el 17 de diciembre pasado, el público podrá tener un acercamiento a la Amazonia, formada por las cuencas de los ríos Amazonas y Orinoco, que abarca territorios de Brasil, Perú, Ecuador, Bolivia, Colombia, Venezuela, Guyana, Surinam y Guayana francesa.

Al entrar a la sala hay una breve introducción a la selva tropical de la Amazonia, a la biodiversidad, a las 300 lenguas que existen en la zona y la explicación de por qué las poblaciones son demográficamente pequeñas: entre 200 y 400 individuos.

La investigadora agregó que los grupos indígenas son pequeños y están distribuidos de esa manera porque algunos son nómadas o seminómadas, y de esa forma logran convivir orgánicamente en ese ecosistema.

La primera parte de la exposición se inicia con El don de los pájaros, dedicada al arte plumario. Hay tocados y adornos realizados con plumas de tucanes, pericos y otras especies exóticas.

En un pectoral están pegadas plumas de diferentes pájaros sobre fibra de corteza, que en los objetos tradicionales nunca estarían mezcladas, por su simbolismo: la cabeza de un pájaro disecado y las alas de otro están cosidos para lograr una composición vistosa, junto con el tradicional adorno de semillas y huesos de pájaros.

En Imitación de la selva se abordan las técnicas agrícolas del área, mientras la sección El don de la serpiente presenta la organización social de los pueblos y la división de las tareas entre hombres y mujeres. También se incluyen muestras de cerámica y cestería.

En El silencio del cazador se ilustran las habilidades necesarias para la caza y la pesca con dardos envenenados. En el apartado Entre dos mundos se aborda el papel del chamán, a quien se atribuye el poder de viajar entre dos mundos.

La muestra finaliza con una reflexión sobre el futuro de los indígenas de la Amazonia, quienes han disminuido drásticamente a lo largo de los siglos por diferentes causas, llegando a ser alrededor de 250 mil individuos.

Amazonía, pueblos de selva se exhibirá en el Museo Nacional de las Culturas (Moneda 13, Centro Histórico) hasta el 31 de mayo de 2015. Habrá conferencias a partir de enero.

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