Nada hay más fascinante que la vida misma: Cristina Pacheco

Cristina Pacheco, con algunos de sus colaboradores de la emisión Aquí nos tocó vivir, ayer, en el Lunario del Auditorio Nacional, durante el homenaje que se rindió a la periodistaFoto María Meléndrez Parada

Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
Jueves 20 de junio de 2013, p. 3

"Lo más bonito que me ha dejado Aquí nos tocó vivir ha sido conocer la sinceridad y la honestidad de personas que no quieren quedar bien con nadie ni pasar a la historia, sólo plasmar algo de su vida", señaló la periodista Cristina Pacheco en la fiesta que le organizó Canal Once para celebrar los 35 años de su emblemático programa.

Acompañada por amigos y colaboradores, la conductora agradeció al equipo de producción que la acompaña cada semana por su generosidad, su paciencia y su resistencia; porque debe ser un fastidio trabajar con alguien que detesta las vacaciones como yo, bromeó.

Recordó que alguna vez alguien le preguntó si no se cansaba de hacer su trabajo, porque consideraban que la vida era siempre la misma. Pero para mí no hay nada más fascinante que la vida misma.

Aquí nos tocó vivir, añadió, esta lleno de la memoria de muchos mexicanos y mexicanas que han hecho este país. ¿Mis próximos planes? Pues aquí nos vemos dentro de otros 35 años.

Historia larga y rica

La directora del Canal Once, Enriqueta Cabrera, señaló que el festejo, realizado en el Lunario del Auditorio Nacional, al que acudieron a felicitar a Pacheco, entre otros, el escritor Ignacio Solares, las cantantes Susana Harp y Laura León y el chelista Carlos Prieto, era para rendir homenaje a la periodista por su incansable labor de dar voz a quien no la tiene.

La historia del programa, el de mayor duración en la televisión mexicana, continuó, "es larga y rica. Es único por su contenido, es memoria gráfica de México de los recientes 35 años, testimonio televisivo de vivencias, esperanzas, problemas y desafíos de millones de mexicanos que se reconocen en la pantalla del Once, de los que a veces son invisibles y conforman la mayoría de la población del país.

"Cristina les ha dado presencia. Por eso ella es parte fundamental de la vida de nuestro canal. No hay trabajador en la emisora, sea técnico, camarógrafo, productos, guionista o reportero que no tenga un recuerdo de ella.

Este es el reconocimiento del Canal Once a la periodista, la entrevistadora que recoge semana tras semana los testimonios de vida en las calles.

Enriqueta Cabrera recordó que en 2010 Aquí nos tocó vivir trascendió fronteras al ser inscrito en el programa Memoria del Mundo de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura. Ahora esa instancia internacional resguarda más de mil 800 programas de Cristina Pacheco.

Durante la celebración, se proyectó un video en el que se apreciaron algunos de los momentos inolvidables de la emisión, como aquellas entrevistas que Pacheco realizó a las costureras afectadas por el sismo de 1985, frente a sus centros de trabajo, es decir, frente a los escombros donde murieron sus compañeras.

Los invitados también recordaron a través de las imágenes los interminables recorridos de la periodista por la ciudad de México, en busca de los testimonios del día a día ya sea del vendedor de merengues, del campanero de la Catedral, o de los niños del campo que, entusiasmados, le platicaron a Cristina que tenían un burrito.

No faltaron las escenas de Pacheco dando voz a los afectados por inundaciones o algún otro conflicto social, sirviendo de paño de lágrimas para una mujer que perdió todo en una catástrofe natural o compartiendo la satisfacción del herrero al forjar una herramienta.

Cristina Pacheco le ha dado dignidad al rostro de nuestro pueblo, comenta el presidente de la Academia Mexicana de la Lengua, Jaime Labastida, al finalizar el video proyectado.

La fiesta continuó, por supuesto, con la partida de un pastel, al tiempo que se proyectó un video en el que le cantaron las mañanitas a la conductora muchas de las personas que han dado vida al programa Aquí nos tocó vivir: barrenderos, meseras, cocineros, niños de primaria, entre otros. También participó el flautista Horacio Franco, quien dedicó varias de sus composiciones a la festejada: Gracias por mostrarnos las entrañas de México, por eso te amamos, Cristina, concluyó el intérprete.

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Acoyani Guzmán persiste en “detonar la curiosidad de los bebés” mediante el teatro

Acoyani Guzmán persiste en detonar la curiosidad de los bebés mediante el teatro

Acoyani Guzmán estrenará El sueño del Sol y la Luna de la fiesta de los pájaros en la capital española, en julioFoto Cortesía Bambola Teatro

Mariana Domínguez Batis

Periódico La Jornada
Jueves 20 de junio de 2013, p. 7

Una cigüeña, un colibrí, un ficticio nendebrensen azul, un búho blanco y un cisne, son algunos de los personajes que darán vida a El sueño del Sol y la Luna de la fiesta de los pájaros, tercera obra de teatro para bebés que estrenará en julio la compañía Bambola Teatro, de Acoyani Guzmán, en la sala La Puerta Estrecha de Madrid, España.

Mediante estímulos sensoriales, los integrantes de Bambola Teatro buscan convertir a los pequeños en una nueva generación de espectadores, al detonar su potencial creativo, desde una contemplación activa de la belleza, por medio de una historia teatral, cercana y llamativa para ellos, en palabras de la actriz Acoyani Guzmán.

La compañía se enfoca en el proceso de formación y crecimiento de los bebés, por lo que busca que reconozcan y desarrollen, casi sin darse cuenta, sus capacidades olfativas, visuales, auditivas, táctiles y gustativas, de forma agradable y divertida. Con esta finalidad, sus actores utilizan títeres creados y construidos por ellos mismos.

El sueño del Sol y la Luna de la fiesta de los pájaros es la combinación de las dos propuestas precedentes creadas por Bambola Teatro. El más reciente, titulado La fiesta de los pájaros, fue estrenado en mayo pasado en una de las salas más emblemáticas de la capital española: Microteatro.

En la actualidad, la compañía de Acoyani Guzmán realiza una búsqueda cada vez más profunda para incorporar mayores medios de producción, además de los títeres, que detonen la curiosidad y alegría de los bebés.

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Por segunda vez, Laboratorio Arte Alameda monta muestra con riesgo para el público

Por segunda vez, Laboratorio Arte Alameda monta muestra con riesgo para el público

Aspecto de la exposición SIN, que hoy se inaugura a las 20 horas en el recinto de la calle Doctor Mora 9, Centro Histórico. Las bocinas emiten sonidos de ultrafrecuencia dañinos para la saludFoto Cortesía Laboratorio Arte Alameda

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Jueves 20 de junio de 2013, p. 4

El Laboratorio Arte Alameda (LAA), por segunda vez, presenta una exposición con riesgo físico para el visitante.

En Zee, del austriaco Kurt Hentschläger, montada en 2010, había posibilidad de un ataque epiléptico, mientras en SIN, de Mario de Vega, quien explora la percepción acústica y el efecto vibratorio sobre el cuerpo, el malestar puede traducirse en mareos, dolor de cabeza para personas que sufren migraña, incluso alucinaciones.

Como se hizo con Zee, el visitante antes de entrar al recinto –la taquilla estará en el atrio de la otrora iglesia de San Diego– debe firmar una carta responsiva en la que manifiesta haber "leído y entendido el texto de SIN", además no sufrir de trastornos o enfermedades, como presión arterial anormal (alta o baja), migraña o dolores de cabeza, intervenciones quirúgicas recientes, problemas de corazón –que traiga marcapasos–, hipersensibilidad y ansiedad.

La carta, redactada con la colaboración de protección civil del Instituto Nacional de Bellas Artes, finalmente es parte de la exhibición que hoy será inaugurada a las 20 horas en Dr. Mora 7, Centro, expresa Tania Aedo, directora de LAA. Junto con ese documento el visitante recibirá un plano de las piezas y de qué manera vulneran su seguridad.

Acceso restringido

Mario de Vega (1979) agregó a la lista la advertencia a mujeres embarazadas y niños. A estos últimos no se les permitirá el acceso a la capilla de Dolores, donde cuelga una cerca electrificada de alto voltaje (7 mil 500 vatios), sitio que contará con letreros de peligro, aparte de una línea fosforescente en el suelo. Si el visitante se acerca demasiado sonará una alarma.

SIN (pecado o falta de...), curada por Carsten Seiffarth, se inició el 12 de diciembre de 2012 en la galería Meienblau, en Berlín, Alemania, en la que De Vega instaló un sistema de sonido de 5x5 metros, con una potencia altísima y una sonoridad muy suave, con posibilidades de producir un ruido ensordecedor a la manera de amenaza latente.

En LAA se trata de seis intervenciones para sitio específico, que forman una unidad. Aparte de la pieza mencionada, también comprende una que trabaja con frecuencia infrasónica (no audible), otra que funciona con las cualidades de resonancia del edificio, otra que utiliza consumo eléctrico de 12 mil vatios; luego, una campana fundida ex profeso, colocada afuera del recinto que, terminada la exhibición, será enterrada sin que haya sonado nunca. El badajo se exhibirá por separado.

SIN se divide en dos secciones de manera que si el visitante no desea entrar a la parte central, puede acudir a una sala montada de modo retrospectivo, a cargo de Michel Blancsubé, que incluye objetos, documentación de intervenciones en espacio público, ediciones y resultados escultóricos de De Vega.

Es tal la preocupación del artista mexicano, radicado en Alemania, por el bienestar de las personas que desde un principio planteó que ni siquiera hubiera un custodio en el recinto, ya que, dijo en rueda de prensa, no puedo exponer a alguien en su jornada laboral a este tipo de frecuencias. Se decidió que los custodios harán rondas por determinado tiempo acompañando a los visitantes. Luego, permanecerán afuera o en un lugar cómodo, informó Tania Aedo. También estará restringida la entrada, pero eso dependerá del tránsito de los visitantes.

De formación autodidacta –no terminó sus estudios de lingüística–, De Vega ha tenido una larga trayectoria en las prácticas sonoras, en las que el sonido es el vehículo más relevante de la producción, indicó Aedo. La funcionaria aseguró que hay hipótesis solamente sobre lo que nos puede suceder al estar expuestos a este tipo de frecuencias.

Dentro, el recinto luce vacío. Incluso se removió la puerta de cristal que dividía el sotocoro de la nave mayor. Para De Vega lo más importante es trabajar con las cualidades acústicas del recinto por ser una iglesia. Luego, utilizar el espacio visualmente vacío como un primer elemento de reflexión. Hay una serie de dispositivos electrónicos que desarrollamos principalmente para cubrir las necesidades de la intervención, pero lo más importante para mí es que la exhibición como tal carece de referentes visuales.

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Olga Harmony: Hard Candy

A

ntiguamente, el horrible fenómeno de la pederastia se circunscribía a un entorno familiar, salvo las esporádicas manifestaciones ocasionales que muchas veces terminaban en el asesinato de la víctima. Sin que esto haya desaparecido, en la actualidad los pederastas han ampliado su área de incursión por varias razones. Una sería una mayor libertad de andar por el mundo que tienen niñas, niños y adolescentes. Otra, la más importante, la prevalencia cada vez mayor de las redes de Internet, no sólo al mostrar fotos y videos de pornografía infantil, sino al permitir que menores de edad puedan chatear con cualquiera en términos de anonimato. Los pederastas viven su ignominiosa Jauja con pocas posibilidades de ser atrapados y tienden sus redes en todo momento para atraer inocentes, lo que ocurre con frecuencia. Resulta casi imposible que los padres vigilen todo el tiempo lo que hacen sus hijos con la computadora o, si carecen de ella, en el café Internet cercano. Por supuesto que se trata de chicas y chicos con cierto poder económico, no muy grande quizás, pero suficiente para tener buenos estudios y manejarse en el mundo de la computación.

Hard Candy muestra el reverso de esta situación. El título corresponde al alias que la adolescente de diez y seis años Heyley Gardner utiliza para sus incursiones en la red, que la lleva a querer deshacerse de un pederasta; es una chica decidida y muy inteligente, en el programa de mano se la compara con Lisbeth Salander, la antiheroína de la saga Milenio, lo que no es del todo correcto ya que Lisbeth tiene reconditeces y misterios que resultan muy alejados de Heyley, obsesionada con un solo propósito. Basada en la película de 2005 del mismo nombre –ahora en traducción de Anilú Pardo– y con la adaptación, excelente y fluida, de Luis Mario Moncada al teatro, la obra cuenta la historia –casi todo el tiempo se consume en eso– del tormento psicológico con que Heyley amenaza al pederesta que ha atrapado de emascularlo, tras darle un somnífero y atarlo fuertemente a una silla. Previamente, la adolescente chateó con él, lo citó en un café y se hizo invitar a su casa.

Los productores, Anilú Pardo y Mario Mandujano dirigen la escenificación. Para ello, y con un ojo a la taquilla, han formado su pequeño elenco con dos actores muy conocidos por las telenovelas: Tessa Ia, quien se muestra segura y eficaz en su debut teatral como la adolescente Heyley, y Arap Bethke de buena presencia pero extraña dicción que todavía debe afinar si desea continuar su carrera en los escenarios. Lo dicho anteriormente se inscribe en el terreno del teatro más comercial, pero el montaje desmiente ese aserto, ya que –además de la muy buena adaptación de Moncada– utiliza una gran multitud de recursos, sobre todo el video que superpone a la escenografía real. Ésta consiste en un muy recortado cuadrángulo con un mueble que es mostrador de la cafetería en la que Isha Oropeza encarna, en muy breve y mudo papel, a la barista y vuelto del otro lado se convierte en el cajonero de la casa de Jeff Hill, en donde transcurre la acción con diferentes espacios, particularmente la silla a la que el hombre está atado y el lugar en donde la muchacha puede o no llevar a cabo su amenaza. Se puede deducir que Anilú Pardo se encarga de la dirección de actores y Mario Mandujano de los videos –como se asienta en el programa de mano– realizados por Víctor Velázquez y Víctor Arenas.

Es justamente la utilización de los videos, junto a la excelente iluminación debida al también escenógrafo Jesús Hernández, lo que aleja a la escenificación de lo netamente comercial y lo aproxima a una búsqueda de posibilidades escénicas que sin duda llega a los linderos artísticos y propositivos, por lo que el deslinde plantea muchas cuestiones acerca de lo que es el punto de vista de la taquilla –que aquí tiene al parecer bastante éxito– y lo que resulta de una propuesta meditada para decir cosas importantes. El teatro tiene muchas aristas como lo demuestra este montaje que también cuenta con el vestuario de Adriana Olivera, la decoración escénica y utilería de Katia Lozano, la música original de Xavier Asali de la Mora y los efectos especiales de Alfredo García.

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Más de 8 mil han visto ¡No nos callarán! Las batallas por la libertad de expresión

Más de 8 mil han visto ¡No nos callarán! Las batallas por la libertad de expresión

Aspecto de la muestra montada en el recinto que se ubica en la Plaza Juárez, Centro Histórico, la cual concluirá en octubre. La entrada es libreFoto María Luisa Severiano

La exposición documenta la agresión que han sufrido medios de todo el paísFoto María Luisa Severiano

Mónica Mateos-Vega

Periódico La Jornada
Jueves 20 de junio de 2013, p. 5

No te calles, periodista, necesitamos tu voz, se lee en una mordaza que ha dejado como mensaje uno de los 8 mil espectadores que hasta el momento han visitado la exposición ¡No nos callarán! Las batallas por la libertad de expresión, en el Museo Memoria y Tolerancia, y que ha provocado expectación, muestras de apoyo y la asistencia de unos mil visitantes diarios en promedio desde que se abrió al público, apenas hace 10 días.

En la entrada, quien quiera puede tomar un trozo de tela blanca y colocársela en la boca, a manera de mordaza y así recorrer la exhibición. Al final, también voluntariamente, se invita a escribir sobre ese lienzo blanco lo que quiera.

Mientras intentan callar a algunos, somos más quienes nos damos cuenta de las represiones, Nunca te quedes callado, No más violencia, no más temor, México, es momento de gritar, No te calles, periodista, necesitamos tu voz, Le tengo rabia al silencio, La esperanza sobrevive, escriben los lectores, los radioescuchas, los televidentes de esos medios que han sido víctimas de la violencia.

Periodistas asesinados, desaparecidos, desplazados. Periódicos en llamas. La prensa bajo constante amenaza. Ante ese panorama, el público irrumpe en el museo con decenas de mensajes solidarios.

Hasta el momento, ninguna persona ha utilizado la tela para poner alguna broma o un insulto, explican los organizadores. Al contrario: los cientos de mensajes son de apoyo a la labor de los periodistas mexicanos.

Portada de La Jornada

La muestra abre con dos cartones de Abel Quezada: el ya legendario espacio negro con las palabras ¿por qué?, a propósito del 2 de octubre de 1968, y el cartón censurado del historietista, que debió publicarse el 4 de octubre, en el que se ve la silueta de un tanque militar sobre las palabras tres culturas.

A un lado, se exhibe la portada de La Jornada del 21 de enero de 2011, en la que destaca la información obtenida por conducto de la organización Wikileaks.

El periódico ha publicado materiales que proporcionan una visión descarnada sobre el gobierno de Felipe Calderón. Los cables confirman los gravísimos errores de conducción estratégica, la profunda división al interior del gabinete de seguridad, la excesiva interferencia del gobierno estadunidense en las decisiones mexicanas y la indiferencia de Washington a violaciones a los derechos humanos en México, señala la ficha informativa que acompaña al ejemplar.

La iniciativa para conformar ¡No nos callarán! Las batallas por la libertad de expresión surgió de la asociación civil Propuesta Cívica que preside Sergio Aguayo y del propio museo, quien invitó a colaborar a Artículo 19, una de las ong más relevantes en materia de libertad de expresión. El siguiente paso fue ir a los medios a convencerlos de que una exhibición de este tipo era necesaria, explica Jacobo Dayán, director de contenidos del museo.

La exposición documenta la agresión que han sufrido medios de todo el país. El público tiene la oportunidad, añade, de comprobar que nadie es inmune, las agresiones al medio son parejas, lo mismo que la impunidad. No encontramos en las cifras de las ong casos que se resuelvan porque el periodista o el medio atacados sean de cierta tendencia. No. La impunidad por parte del Estado es también pareja.

Dayán agrega que la lucha por la libertad de expresión no se inició con la violencia de los recientes años. Aquí mostramos que ya tiene décadas, por eso hay material de 1968. Además, hay un descubrimiento: cerca de la mitad de los ataques a los medios es producida por agentes del Estado, tanto gobiernos municipales, como estatales y en menor medida el federal, y no por parte de la delincuencia organizada, como comúnmente se cree.

La visita continúa a través de la reproducción de la fachada quemada del periódico El Siglo de Torreón. En una de las paredes se lee una frase del periodista Miguel Ángel Granados Chapa (1941-2011): El que no quiera ver fantasmas, que no salga de noche. Si uno entró a este oficio es porque es lo único que quiere en la vida y debe arrastrar las consecuencias.

Luego vienen fotos de otros diarios, sobre todo del norte de México, que han sufrido atentados, y recortes de periódicos donde se muestra que para proteger a los periodistas, en algunas notas se elimina la firma de los reporteros para poner como crédito sólo De la Redacción, como es el caso de La Jornada.

Más adelante, hay una carta que se enviará al presidente Enrique Peña Nieto y a algunos de los funcionarios de su gabinete, en la cual se invita a firmar al público y dice así: "Pasan los días, los meses y los años y el Estado mexicano sigue mostrando su incapacidad para evitar que se intimide, amenace, hiera, asesine y desaparezca a las y los periodistas mexicanos, un gremio amenazado y dejado a su suerte.

"La impunidad es una constante en las agresiones a la prensa. Con frecuencia se hacen declaraciones, se anuncian programas y se aprueban presupuestos sin que se detenga la agresión contra las y los periodistas. Una mancha de silencio se va extendiendo por el país.

Ante esta situación, las y los abajo firmantes, solicitamos a ustedes: menos retórica y más eficacia.

Por una prensa libre y diversa

La exposición, señala Jacobo Dayán, sobre todo, es un homenaje a los periodistas asesinados, desaparecidos y desplazados. Otro eje es que como ciudadanos entendamos que las agresiones a la prensa generan vacíos de información muy graves para la calidad de la democracia que queremos construir. Mientras no tengamos una prensa libre y diversa, que pueda ejercer su trabajo de manera profesional, entonces nuestra democracia no será buena.

Respecto de los mensajes que el público deja, el director de contenidos del museo detalla que la intención era que el visitante recreara el silencio que deja la agresión a los medios y "cómo la sociedad también se calla muchas cosas porque el gremio es atacado.

Al final, no puede ser una muestra que termine en la derrota. Por eso, los ciudadanos podemos exigir respuestas, y así es como se manifiesta las personas que vienen: dejando mensajes de ir adelante. El público empuja y reconoce el trabajo que está haciendo el gremio en trincheras.

¡No nos callarán! Las batallas por la libertad de expresión se exhibirá hasta octubre en el Museo Memoria y Tolerancia, ubicado en la Plaza Juárez, en el Centro Histórico. La entrada es libre.

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Teresa del Conde/ I: Panorámica: paisajes en el Palacio de Bellas Artes

E

sta exposición en el Palacio de Bellas Artes es muy inclusiva según comentario del maestro Francisco Castro Leñero, cuya hermosa pintura apaesada Jacarandas (2002), cortesía de la Galería López Quiroga, inicia esta ecléctica muestra justo después de las cédulas que advierten sobre la misma. Las fechas van de 1969, fecha del alunizaje, a la actualidad, así que no vamos a encontrar allí al Dr. Atl, mas que celebrado en un video ni a José María Velasco, también retomado en cierto modo mediante la esfera de Yishai Jusidman.

Incluye las diferentes opciones, tácnicas, medios, modalidades y formatos que pueden caber dentro del vocablo paisaje, término civilizado que designa el fragmento de un país, de un terreno, de una región, visto con ojos estéticos, de modo que uno se topa, v.gr. con que Abraham Cruzvillegas está presente con una de las más humorísticas propuestas. Un muñeco insertado en una caja de bolero examina de cerca un pequeño paisaje colocado en el suelo, o bien lo que podemos concebir como paisajes tradicionales, ya se trate del lente amplísimo con el que Thomas Smith captó Yosemite, o la contraposición entre una típica pintura de Gunther Gerzso con la maqueta hecha con libros en el ámbito oriente de la Sala Nacional, oscurecido al máximo y cerrado, cosa que hace destacar la claridad, las texturas y la riqueza formal de una de las mejores instalaciones, el glacial de María José de la Macorra.

La tónica inclusiva se refiere a esto: hay obras realizadas por artistas nacionales y extranjeros de cualquier tendencia, ya se trate de los contenedores de Demián Flores que a modo de maceta abren la visión apenas transitado las decoradas puertas de ingreso; aquí es la tierra –pequeños jardines enclaustrados– y en el extremo escombros del Muro de Berlín –que ejemplifican el paisaje urbano– colocados justo frente a una serie de cuatro o cinco pinturas al óleo, dos de las cuales simulan representar paisajes de periodos anteriores a la humanidad, en secuencia con la mencionada impresión de Thomas Smith.

Una de ellas es una especie de Zigurat circular, interesante sin duda, colocada junto a otra que no merecía lugar tan destacado y que parece referirse a la época en la que Santa Claus era Chamán, ambas de Verne Dawson, artista que ha mostrado paisajes fantásticos. Los exhibidos pertenecen a la colección de Mina y César Reyes.

De todo ese elenco que corre por el largo muro horizontal de la Sala Nacional, una de las obras que mayormente llama la atención, quizá porque el autor resulta identificable de primera mano es el óleo Depresión (1997), de Fernando Aceves Humana. Geográficamente es un barranco desde el que puede advertirse, viendo de abajo hacia arriba, el perfil que marcan los árboles en el plano superior, contra un cielo no azul, sino amarillo. El tema es geográfico, ecológico y tal vez hasta sicológico.

Cerca está otra pieza identificable también de primera mano: Carretera en las montañas, de Miguel Castro Leñero, ubicada junto a un paisaje llamémosle convencional, Tucupita (2004), de Luis Gal, nombre de pluma de un artista mexicano que ha viajado ampliamente por Venezuela. Cuando el visitante llega a esa sección ya se topó con un susodicho paisaje de Tamayo. Esa pintura de la colección del Instituto Nacional de Bellas Artes está junto a un grato cyberchrome (2009), de Pablo López Luz. ¿Hace sentido la vecindad? Sí, hace sentido. Pero hay que aceptar que el Tamayo pasa desapercibido si es que no se le reconoce de inmediato como obra del maestro.

La pieza más espectacular y mayormente observada de todo el conjunto está en el espacio también drásticamente oscurecido de la sala Diego Rivera. A ésta se transita por un trabajo realizado in situ sobre mampara –cortesía de la Galería Arroniz– de Mauro Giaconi. Involucrando el ingreso al cubo del elevador, se creó un ambiente muy especial que rebasa la categoría de instalación. El autor trabajó allí con sus ayudantes con base en el dibujo, borradores y solventes.

Es en dicha sala donde se encuentra la pieza de resistencia más observada del conjunto con el tema árbol, un video que abarca seis paneles acompañado de sonido de aire, ramas y pájaros, visto en horizontal, cortesía de la Marian Goodman Gallery, de Nueva York. La autora es la finlandesa Eija Liisa Ahtila, quien ya antes había tenido incursión en las salas del tercer nivel con videos. Éste causa un impacto irrebatible y se proyecta de manera continua con duración de seis minutos. En ese recinto hay otras obras relevantes, como el dibujo Manglar, de Francisco Taca, colección de Jorge Vázquez G.

Prosiguen fotografías de elementos urbanos entre las que destaca, a mi juicio, la del Hotel Regis después del terremoto de 1985 de Enrique Metinides, fotógrafo mexicano de avanzada edad, conocido hasta dónde sí como el fotógrafo del desastre, porque procuró desde sus inicios imágenes de nota roja.

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Congreso Internacional de Mayistas

Emir Olivares y Fabiola Palapa

Periódico La Jornada
Martes 18 de junio de 2013, p. 7

Los pueblos mayas no han desaparecido, siguen vivos y reclaman su lugar en la historia. Hoy luchan por sus derechos en el contexto de globalización que amenaza sus estructuras básicas de organización y su cosmovisión, señalaron expertos en el estudio de esa cultura.

Con el objetivo de difundir los más recientes conocimientos sobre la cultura y los pueblos mayas de ayer y hoy, la UNAM realizará el noveno Congreso Internacional de Mayistas. Edición que cuenta con el apoyo y patrocinio del gobierno de Campeche y de la administración federal, a través del CNCA, y se efectuará del 23 al 29 de junio en la ciudad de San Francisco de Campeche.

En conferencia, al presentar el congreso, Ana Luisa Izquierdo, del Instituto de Investigaciones Filológicas de la UNAM e integrante del comité organizador, sostuvo que actualmente los pueblos mayas están en los márgenes de la pobreza, de ahí la importancia de estudiar y discutir sobre las comunidades contemporáneas de esa cultura.

Carmen Valverde, coordinadora del posgrado en estudios latinoamericanos de la UNAM, destacó la importancia de no sólo estudiar el patrimonio arqueológico y cultural de los mayas, sino a los pueblos actuales y su constante adaptación para sobrevivir y mantener su cultura en un mundo global.

Actualmente se calcula que existen 10 millones de mayas en 28 pueblos asentados en los territorios donde hace cientos de años floreció esa cultura.

Lynneth S. Lowe, coordinadora del Centro de Estudios Mayas del Instituto de Investigaciones Filológicas, detalló que en el congreso participarán 450 ponentes de México y otros países y se presentarán 18 conferencias magistrales.

Además se sumarán habitantes de comunidades mayas para hablar de temas como medio ambiente, educación, identidad y migración de sus propias comunidades.

Los especialistas también abordarán temas sobre los más recientes hallazgos en los centros arqueológicos mayas, así como sus actividades económicas y de intercambio con otros pueblos hace cientos de años y los avances en los estudios epigráficos.

Carlos Vidal, secretario de Cultura del gobierno de Campeche, destacó que no habrá mejor celebración de los 150 años de la fundación de ese estado que con el Congreso Internacional de Mayistas, que esta vez lleva por título Los mayas en el contexto de las culturas americanas.

Para quienes no puedan ir a Campeche a participar en el congreso, se informó que habrá transmisión en tiempo real en el portal: Cultura Campeche.

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“La calle, única esperanza para inventar la realidad en España”

Reyes Martínez Torrijos

Periódico La Jornada
Martes 18 de junio de 2013, p. 4

En España, la única esperanza que yo veo no está en la política oficial, sino en la calle; ahí veo a gente intentando inventar la realidad... les dicen ingenuos, ¿y qué?: imaginar un mundo nos permite avanzar. Si seguimos en esa democracia de contables no vamos a llegar a ningún sitio. Presionar al poder es lo importante, señala el escritor José Ovejero, a propósito de su más reciente novela La invención del amor.

El autor resalta el trasfondo en el que se desarrolla su escrito. "La España de ahora mismo, de la crisis, del desencanto, de la falta de esperanza, de un cierto conformismo, de una cierta desilusión. Eso tiñe al personaje, a Samuel, un hijo de esa época.

Es una novela sobre dos invenciones: la del amor y la que hace Samuel sobre la realidad que lo rodea. Poco a poco él se va interesando en lo que está a su alrededor, manifiesta Ovejero (Madrid, 1958), a La Jornada.

Respecto de la situación en su país, se lamenta: No tenemos la sensación de que vaya a algún sitio. Esa es la crisis más profunda. Tenemos la sensación de que nos hemos convertido en rehenes de los mercados financieros, de que nuestros políticos son rehenes de los banqueros que les prestan el dinero y de los empresarios que los han estado financiando ilegalmente; de que estamos en un sistema corrupto en un nivel que nunca habíamos sospechado siquiera; que hemos despilfarrado miles de millones que hemos obtenido de Europa y que no hay un plan B.

La obra, ganadora del Premio Alfaguara de Novela 2013, será presentada el próximo jueves 20, a las 19:30, en el Lunario del Auditorio Nacional, acto en el que el autor será acompañado por Xavier Velasco y Raúl Quintanilla.

Para Ovejero, "es un libro sobre el amor, no entendido a la manera romántica, sentimental: ¿qué hacemos cuando nos enamoramos?, ¿cómo?, ¿por qué?, ¿cómo nos inventamos el amor?, no sólo mi personaje Samuel. Al final buena parte de la novela gira alrededor del amor...

Un libro de amor para gente que no lee libros del amor... yo desconfío de las historias sentimentales, románticas; lo mismo que escribo poesía para gente que no lee poesía.

La narración, publicada por Alfaguara, conjuga la mirada concentrada, la voz irónica de Samuel, quien nos va descubriendo una historia nacida de un equívoco, dotada de dramatismo por la narración en presente, que así crea una atmósfera de thriller.

Sobre su tema principal, la fallecida Clara, Ovejero señala: "Me parecía muy interesante crear un personaje que no está, pero al final es la protagonista de la novela. Todos hablan de Clara, todos guardan alguna relación, Samuel se enamora de ella y, sin embargo, ese personaje no lo vemos a través de sí misma, lo vemos en los ojos de los otros. Es un personaje complejo, contradictorio, que a veces no tenemos del todo claro, pero al mismo tiempo por eso nos resulta fascinante.

"Cuando te pones a escribir un personaje así, ausente, quien es la atrevida, la de la intensidad, te pasa como al protagonista: te enamoras de alguna manera. Me resulta un personaje atractivo, esa parte oscura, inalcanzable, esa parte dura. Es una mujer de la que me enamoraría probablemente, como Samuel, que idealiza a Clara; los dos estamos bajo ese influjo.

"Lo interesante es que todos nosotros tenemos muchas personalidades. El Diablo en La Biblia decía 'mi nombre es Legión'. Todos lo somos. Nadie es sólo uno. Todos tenemos distintas identidades, depende del contexto, de con quién estamos.

José Ovejero, ayer, en las instalaciones de la editorial Alfaguara durante la entrevista con La JornadaFoto Cristina Rodríguez

Al final, si nos contasen varias personas, cada uno contaría una historia distinta. No sólo sucede con Clara. Todos tenemos un montón de máscaras y todas esas componen nuestra personalidad, unida a aquello que nadie ve.

Los otros personajes que completan la narración alrededor de Clara son: Carina (hermana), Alejandro (esposo), y Samuel (el amante real), quien es el que ha perdido todo, quien creía que tenía el control sobre las cosas, que tenía a su mujer contenta, que tenía a su amante y de pronto se queda con que no controlaba nada, con que no entendía nada.

El narrador, poeta y ensayista destaca el papel de las mujeres en su creación literaria, las que siempre son fuertes e independientes, y que –asevera– consigue muy bien. Pero manifiesta que en la realidad hay un retraso sobre el tema. Para él, las mujeres "no tienen el poder ni mucho menos. Hay avances y retrocesos. En los años recientes ha habido un apagón por la idea de que la emancipación ha tenido lugar y el feminismo ya ha conseguido lo que quería, y no es así ni mucho menos.

Si vemos los salarios por el mismo trabajo, los hombres ganan más; la distribución de poder en la misma literatura. Si ves las listas de los ganadores en la mayoría de los premios literarios, los hombres dominan. Lo más importante es que si ves quiénes son miembros de los jurados, los hombres dominan por goleada. ¿Qué pasa?, ¿las mujeres tienen menos criterio o tienen menos poder?

Interrogado en torno al nacimiento de La invención del amor, el autor señaló que fue el que más rápido escribió: un año a partir de encontrar la voz narrativa. Al parejo, escribía –afirma– un ensayo, La ética de la crueldad; un poemario, Nueva guía del Museo del Prado, y una novela "que se me estancó o ya está muerta.

"No empiezo un libro para explicar mi idea del mundo, de la política, de la realidad, sino siempre empieza por una situación. Se me ocurre una donde hay tensión y comienzo a ver cómo se puede desarrollar. En este caso, la idea de la llamada de madrugada, donde le dicen a Samuel que Clara ha muerto y en vez de decir 'perdón, se ha equivocado', siente curiosidad por esa historia".

Abunda: Tuve esa idea en la cabeza bastante tiempo. Intenté escribirla y no funcionaba, no me gustaba, pero seguía viendo ahí una ruta. Al final descubrí que tenía que contarla en primera persona, vista a través de Samuel y en presente. Y al no saber yo mismo como escritor hacia dónde iba, porque igual como Samuel no sabe lo que va a pasar, tampoco el lector ni el escritor. Los tres vamos con esa sensación de catástrofe inminente, de que esto no puede acabar bien.

El autor asegura que a pesar de ser un libro que incluye el tema de una mujer muerta y el amor, es una novela optimista, porque piensa en una posibilidad de futuro. Y rechaza la nostalgia: uno de los sentimientos que evito por que me parece que no lleva a ningún sitio. Es un sentimiento encaminado a un lugar que ya no existe. La nostalgia del hogar, aunque volvieses a él ya no sería el mismo, tú tampoco lo eres. Yo no vuelvo a Madrid a 30 años de haberme ido, yo voy a Madrid, que es otro sitio.

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Juan Gabriel Vásquez, premio Von Rezzori

Dpa

Periódico La Jornada
Martes 18 de junio de 2013, p. 6

Madrid/Florencia, 17 de junio.

El escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez fue distinguido hoy en Florencia con el prestigioso premio Gregor von Rezzori a la mejor obra extranjera traducida al italiano por El ruido de las cosas al caer.

La novela, que en 2011 ganó el premio Alfaguara, está ambientada en la Colombia actual y narra el viaje de un hombre que busca en el pasado una explicación a su situación y a la de su país.

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Cristina Barros y Marco Buenrostro: Itacate

T

oneles, cubas, baldes, barricas, barriles, castañas son términos para designar a los contenedores hechos con duelas de madera. Los primeros barriles llegaron a México con las embarcaciones de guerra; contenían agua dulce, aceite comestible, galletas o bizcochos, pólvora, ingredientes en salmuera, entre otros productos necesarios para las largas travesías por barco; los colocaban en unos compartimentos llamados pañoles. En la época colonial los toneleros se agruparon como gremio.

Es un arte trabajar como carpintero para hacer este tipo de contenedores. Las duelas tienen que coincidir en la curvatura para que ajusten perfectamente, pues son de varias piezas y es importante que no se salga el contenido, cuando son líquidos. En el caso de los contenidos secos, éstos tienen que mantenerse sin humedad. Los cinchos metálicos son de lámina de fierro cortada en tiras y remachada.

Tomemos en cuenta que cuando los toneles son muy pesados, tienen que resistir un trato duro, por ejemplo si se ruedan para trasladarlos. En México se usaron durante un tiempo para transportar pulque, algunas veces en carretas por caminos difíciles, y otras en ferrocarril.

Usualmente se utilizaban las maderas de castaño y de encino (roble) para elaborarlos; ahora también se hacen de pino. En el mercado semanal de Actopan, Hidalgo, se venden piezas de diferentes tamaños, entre ellas las llamadas castañas que tienen una forma especial. Son ovaladas y en un lado planas; esta forma permite que se carguen en los burros sin lastimarles el costillar, como ocurriría con un recipiente redondo.

Son varias las herramientas especiales que usan los carpinteros que se dedican a la tonelería. Agustín Escobar Ledesma, en su libro Chical, entrevista a don Roque Márquez de El Aguacate, Landa de Matamoros, Querétaro, quien menciona varias de las herramientas que utiliza. El jaure sirve para hacer en cada duela el canal donde embonaran el fondo –que regionalmente nombran papa– y la tapa; el gramil curvo, que es de madera, hacia un extremo tiene una especie de clavo que sirve para rayar en la madera una línea equidistante a la orilla. En esa región le llaman bocel a la herramienta que se utiliza para vaciar o emparejar la madera en el interior, cuando la pieza está formada.

La suela o hachuela gubia de buen acero, que le hace un herrero de Jalpan, se usa para debastar las duelas; con un berbiquí y una gran broca se hacen las perforaciones, una sierra de vuelta sirve para cortar el fondo y la tapa; con una garlopa se alisan las duelas. Don Roque se inició a los 15 años en esta actividad; lo enseñó su abuelo que era carpintero.

marcri44@yahoo.com.mx

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