Un mexicano, primero en América que gana certamen de trombón

Carlos Paul

Periódico La Jornada
Jueves 22 de agosto de 2013, p. 3

Uno de los mejores trombonistas del mundo es mexicano. Nació en Oaxaca, se llama Faustino Díaz y tiene 31 años.

El músico ganó, hace una semana, el primer lugar del Concurso Internacional de Trombón, que se realizó en la ciudad de Jeju, Corea del Sur, el más importante encuentro musical para instrumentos de metal, a la par del Citta de Porcia, en Italia, y el que organiza la Asociación de la Radio, en Munich, Alemania.

Originario de San Lorenzo Cacaotepec, Valle de Etla, en Oaxaca, el trombonista triunfó ante más de 50 participantes de diversos lugares del mundo, convirtiéndose así, por primera vez, en el primer músico del continente americano en ganar dicho galardón, el cual ni trombonistas estadunidenses ni canadienses han conquistado.

Contento por dicho reconocimiento y de visita en nuestro país, ya que estudia la maestría en interpretación en la Alta Escuela de Música de Lausanne, Suiza, Faustino Díaz, compartió los esfuerzos y retos a los que se enfrentó para lograr esa distinción.

Este año, señaló, se implementó un nuevo sistema de votación, impuesta por la World Federation of International Music Competition.

El jurado ya no se reúne para deliberar, sino que ahora registran su voto en un tabulador electrónico. Cuando termina de tocar el músico, sale en una pantalla quién tiene la mejor puntuación, como en las competencias de clavados; el propósito es hacer más transparente la votación.

Puntero en las cuatro rondas

El certamen duró ocho días y, de acuerdo con el jurado, los atributos que le valieron el primer lugar a Díaz fueron la musicalidad, técnica y presencia y seguridad en el escenario, además de manejar de manera correcta distintos estilos.

Se tiene un año para preparar las obras que el jurado selecciona y que se deben de tocar. Este año éramos tantos, que en las preliminares en lugar de tocar dos conciertos, como se tenía previsto, sólo tocaron dos minutos de uno y dos del otro. Hubo músicos que sólo pudieron tocar 30 segundos y el que sigue. Eso significaba que debías ganarte al jurado en 15 segundos, narró.

Desde la primera, de las cuatro rondas, Díaz fue el puntero en la votación. Para la tercera, de los 50 participantes, sólo pasaron 10 trombonistas; para la segunda, seis, y para la final sólo tres, entre ellos un polaco y un francés.

El puntaje, respecto del primero y segundo lugares, fue bastante alto. De uno a 22, Díaz obtuvo 21.5 puntos; el segundo lugar tenía 19 y, el tercero, 16.5 puntos.

"Desafortunadamente –indicó Díaz–, no hay ningún antecedente de que algún otro mexicano haya participado. Me siento muy contento, porque no soy el primer latinoamericano que gana ese concurso, sino el primero en América, pues en Estados Unidos ni en Canadá hay alguien que lo haya ganado, ni este (el de Corea del Sur), ni el de Citta de Porcia ni el de Munich, los tres más importantes del mundo, pues siempre ganan franceses o alemanes. Contra todo pronóstico, en competencia con trombonistas de Hungría, Italia, España, Corea, Alemania, Francia, Gran Bretaña, China y Japón (muchísimos de este último país), es la primera vez, en la historia del encuentro, que gana un músico del continente americano, un mexicano". Con ello, consideró el músico, rompemos barreras.

Faustino Díaz, músico de 31 añosFoto Luis Humberto González

En este caso, pude concursar gracias al apoyo del Conservatorio de Lausanne. Ellos me animaron. A mi regreso, además de pagarme todos los gastos y la beca de un año, me van a reconocer con una medalla.

Contra el conformismo

En México, destacó Faustino Díaz, vivimos, en el ámbito musical, una realidad bastante triste, muy alejados de lo que es el primer mundo. El problema "es que los músicos empiezan a tocar poco y a ganar dinero y ya no quieren estudiar. Eso es una gran desventaja: el conformismo llega muy rápido. Por esa razón nuestra música se estanca. Los trombonistas no tenemos muchas partituras para tocar. Desde hace 40 años tocamos lo mismo, mientras en Europa se hacen al año 20 o 30 para trombón.

Además, la mayoría de las autoridades culturales de nuestro país no tienen idea de lo que es la música. El sistema para solicitar una beca en México es obsoleto, como de hace 50 años. Aquí se hace todo un papeleo burocrático. En otros países te inscribes y tienes que ir a tocar en vivo, para el jurado. Aquí, en ciertos casos, son las secretarias las que deciden si pasa tu solicitud.

Faustino Díaz se desempeñó como trombonista, trompetista y tubista en las mejores orquestas del país, como las filarmónicas de la Universidad Nacional Autónoma de México y de la Ciudad de México, así como en la Camerata de las Américas, entre otras.

Por el primer lugar, Díaz recibió un trombón nuevo, 10 mil dólares y hará una gira por Asia. La firma Trombones y Trompetas Antoine Courtois lo contrató por dos años para ofrecer recitales por varios lugares del mundo, incluida París, además de trabajar para la empresa Tubas y Cornetas Besson.

El esfuerzo que inicié hace 15 años ha dado resultados. Desde que salí de mi casa y empecé a cantar en bandas, mariachis y tríos, en bares y luego en filarmónicas, me prometí que sería el mejor y ahora lo he logrado, afirmó.

El pasado domingo, compartió Díaz, me visitó en mi casa de Oaxaca el pintor Francisco Toledo, quien me felicitó y brindó todo su apoyo.

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El nieto de Trotsky pide “conservar la autenticidad” del museo del revolucionario

Alondra Flores

Periódico La Jornada
Jueves 22 de agosto de 2013, p. 7

En 1965, la casa que León Trotsky habitaba en la ciudad de México estuvo a punto de ser borrada en un arranque paranoico de (Gustavo) Díaz Ordaz, quien mandó desalojar el lugar en 24 horas; para eso trajo como 15 camiones de carga, para vaciar totalmente este espacio, relató Esteban Volkow, nieto del revolucionario ruso.

En ese mismo lugar, en Coyoacán, convertido hoy en museo, se recordó a León Trotsky (1879-1940) en su 73 aniversario luctuoso con una ceremonia en la que se depositó una ofrenda floral, además de que se develó una placa conmemorativa en memoria del diplomático Javier Wimer Zambrano (1933-2009), quien hace cuatro décadas intercedió ante las autoridades para conservar el histórico sitio que asiló y vio morir a Trotsky.

Ya pasaron más de 73 años, desde el 20 de agosto de 1940, cuando el tirano del Kremlin logró finalmente asesinar a León Trotksy, rememoró Volkow, en el jardín de la casa del abuelo, un monolito con la hoz y el martillo grabados como testigo central de la reunión.

En breves segundos un asesino profesional destruyó uno de los más brillantes cerebros del marxismo y de la revolución socialista. Y quien fuera dos veces presidente del Sóviet de Petrogrado, organizador del Ejército Rojo, comisario de relaciones extranjeras, y estrecho colaborador de Lenin, evocó antes de depositar las flores y que sonara la La Internacional, puño izquierdo en alto.

Minutos antes, frente a la cortinilla negra que cubría la placa conmemorativa en las puertas del edificio ubicado sobre Río Churubusco, Javier Wimer fue recordado por Volkow como gran mecenas. Lo que aquí vemos es gran parte de las ideas de nuestro amigo. Toda la creación del derecho de asilo, de las libertades públicas, fueron ideas que logró llevar a cabo y logró conservar este museo.

Por su parte, Porfirio Muñoz Ledo señaló que una de las pasiones de Wimer Zambrano fue el derecho de asilo, como una de las tradiciones más extraordinarias de la historia del México revolucionario. También, este lugar es como una máquina del tiempo, nos lleva a épocas que ya no son.

Uno de los verdugos de Stalin

En el jardín de la casa fortificada, hoy museo habitado por fotogra-fías y sede del Instituto del Derecho de Asilo Museo Casa de León Trotsky, fundado por Wimer el 21 de agosto de 1990, Esteban Volkow evocó momentos de su infancia, que le quedaron grabados con gran nitidez de aquel 20 de agosto de 1940. ¡Jackson, Jackson!, gritaban el nombre de quien, después comprendió, asesinó a su abuelo y resultó ser de los verdugos de Stalin.

Esteban Volkow, ayer, en el Museo León Trotsky, en CoyoacánFoto Guillermo Sologuren

"Parece que fue ayer, al año de haber llegado a México. En una cálida y serena tarde de agosto, al término de una jornada escolar, emprendí tranquilamente la larga caminata a nuestra casa, ubicada casi al final de la calle de Viena, número 19.

Al acercarme a ella repentinamente me invadió una sensación de angustia, una opresión en el pecho, algo poco usual estaba sucediendo en ella, el portón estaba totalmente abierto, con policías en su uniforme azul oscuro en su exterior y un coche de color claro mal estacionado.

Así, entre las cactáceas del México agreste que recibió al revolucionario ruso, su nieto volcó los recuerdos. Igual que en el documental Mis memorias con Trotsky, sobre la vida y recuerdos de Esteban Volkow, dirigido por Adolfo García Videla, el cual fue proyectado como parte de la jornada conmemorativa.

En su discurso, manifestó Esteban Volkow, lo que fue la última morada de León Trotsky, su último campo de batalla por un mundo mejor, sin explotación, ni violencia, es actualmente el museo que lleva su nombre. Y nos hace retroceder más de 73 años en el tiempo. Constituye una página viva de historia universal.

Tras contar los vericuetos legales de la posesión de la casa, que se volvió un gris y desolado lugar, hoy conservado, criticó que desafortunadamente el liberalismo ha invadido todas las esferas de la actividad humana, a la cual no escapan los museos, que en muchos casos parecen más tiendas departamentales, más interesados en vender recuerdos y otros enseres para obtener beneficios, que cumplir con su función original. En nuestro caso no ha llegado a estos extremos. Esperemos poder conservar la autenticidad y sencillez de este lugar histórico.

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En el Munal muestran una narrativa de México mediante la fotografía

Monjas en Boca del Río, Veracruz, 1965, fotografía de Nacho López incluida en la exposición del Museo Nacional de Arte

Merry MacMasters

Periódico La Jornada
Jueves 22 de agosto de 2013, p. 4

En el Museo Nacional de Arte (Munal) se suma una diversidad de miradas para crear una narrativa: México a través de la fotografía, exposición que resume 170 años de este arte en el país, con una selección de alrededor de 330 imágenes procedentes de 35 archivos públicos y particulares.

La fotografía arribó al país en diciembre de 1839, cuando el francés Jean Francois Prelier desembarcó en el puerto de Veracruz y tomó una imagen en forma de daguerrotipo de la cúpula de la iglesia de San Francisco.

Al año siguiente, Prelier fotografió la Catedral Metropolitana, una reproducción con la cual se inicia la exposición organizada por el Munal y la Fundación Mapfre, con la colaboración de la Fundación Televisa. Al respecto, el museo ha emprendido la tarea de documentar la historia de la fotografía en México hasta 2010.

El etnólogo Sergio Raúl Arroyo –recientemente relevado como titular del Instituto Nacional de Antropología e Historia, tema que guarda todavía, pero que en el momento que considere conveniente lo trataré– es el curador de México a través de la fotografía.

Intersticios de una realidad

Con la exposición en el Munal se concreta un proyecto que la Fundación Mapfre propuso a Sergio Raúl Arroyo hace dos años: hacer un libro-catálogo sobre la historia de México a través de la fotografía. Gran parte de la investigación en archivos fue realizada por Gina Rodríguez e Isaura Oseguera.

De acuerdo con el etnólogo se trataba de emprender una serie de líneas fundamentalmente diacrónicas que marcaran las épocas más relevantes de México, pero que también contaran una historia que no estuviera circunscrita estrictamente a lo político, sino que viera los intersticios de una realidad compleja y diversa, como es la mexicana, que nos permitiera reconocer tanto los ámbitos públicos como hasta cierto punto los privados.

La lista de más de 200 fotógrafos incluidos comprende a Claude Désiré Charnay, Hugo Brehme, Tina Modotti, los Casasola, los Mayo, Manuel Álvarez Bravo, Agustín Jiménez, kati Horna, Rodrigo Moya y Fabrizio León.

Durante el recorrido por la exposición el curador hizo énfasis en cuatro daguerrotipos que vienen del Armon Carter Museum of American Art, de Fort Worth, Texas: son fotografías de 1847, de la invasión estadunidense a México, halladas en los años 80 del siglo pasado en un granero, en Connecticut.

Arroyo explicó que la muestra no está pensada para destacar a los grandes autores. Nunca buscamos que fuera el nombre que definiera, sino que la fotografía formara parte de esta narrativa.

Respecto de la selección, se partió de 2 mil 500 fotos: Las miradas son múltiples. Nos pareció que si hablamos de una historia tendríamos que dar testimonio de lo que fueron los espacios público y privado de las ciudades. Hablar de acontecimientos con cierta relevancia, pero que caracterizan una época. No puedes hablar de la reciente década si no tienes la presencia del narcotráfico. A lo mejor no es la foto sanguinaria que muchos imaginarían, sino imágenes de gran sutileza y profundidad. La historia no es algo dado, sino que la construimos, y la fotografía es uno de los recursos posibles.

México a través de la fotografía será inaugurada hoy, a las 19 horas, en el Munal (Tacuba 8, Centro Histórico).

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Olga Harmony: Porque así son las cosas del mar

V

erónica Musalem es una dramaturga talentosa que cuenta con algunos textos importantes –como Nueva York versus El Zapotito o Adela y Juana– y que gusta de experimentar con tiempos y espacios. Este último recurso se encuentra en su más reciente obra, Porque así son las cosas del mar, que no es de las más afortunadas al tratar de dar una visión contemporánea al mito de la ninfa Eurídice que llega al inframundo al ser mordida por una serpiente y de su enamorado Orfeo, el semidios de la música y la poesía que obtiene, gracias a su música, el permiso de buscarla en el Hades y la pierde por una imprudencia. Nada de esto es advertible en la obra ni en el montaje, excepto quizás por una referencia al largo tiempo que la protagonista Paulina ha esperado al músico Pedro y por el nombre de la tabernucha del rencuentro, El Hades. Pienso que se debe analizar el texto de Musalem y su escenificación respectiva olvidando un poco la mitología, como hacen gran parte del público y no pocos colegas y reporteros.

El Hades es una taberna costera a punto de ser derribada y en ella habita una prostituta, Paulina, que se niega a ser desalojada y que espera con alegría a que lleguen los marineros para que el lugar cobre nueva vida. En una graciosa escena, la mujer habla, más que rezar, platica, con las imágenes de la Virgen de Guadalupe y la Virgen de Juquila, que saca de su bolsa, como si ambas se disputaran su atención y ella les comunica su cariño y respeto a ambas. Es un momento de lo mejor de la autora, tan reconocida por incorporar las costumbres mexicanas en su dramaturgia. Cuando llega Pedro, el músico que ha rotado por los más insólitos lugares, empieza el estira y afloja de la seducción, a la que el músico es renuente, en una parte de texto y montaje muy reiterativos, a pesar del ambiente onírico, no realista, de la obra.

Los tiempos empiezan a morderse la cola. En acción retrospectiva se observa la boda y la huida del hombre, que ahora, en el nuevo encuentro, apenas se atreve a verla a la cara, hasta que sucumbe a su añeja pasión. En un muy forzado final, ella ya salió al mar y regresa con el cabello mojado, lo que supone su liberación, y él va acumulando las banderolas de las vírgenes y objetos marinos que sube a cubierta. La dramaturga deja su obra abierta, sin que sepamos si ambos van a quedar juntos o se separarán de nuevo, lo que es un elemento que muestra la malicia dramatúrgica de Verónica Musalem, que ha subtitulado a su texto como Sobre el amor y sus naufragios.

Teatro de los Efímeros es la productora de esta escenificación dirigida por Silvia Ortega Vettoretti, quien trata de acentuar lo onírico de la obra con un montaje que admite muy bien los cambios temporales y espaciales del original. En una escenografía del también iluminador Jorge Kuri Neumann, consistente en una tabla formada por duelas que terminan de manera irregular, con dos sillas por todo mobiliario, se da la acción escénica. Para la escena de la boda baja del telar un entramado de luces que dan un aspecto festivo, a pesar de que el novio –a diferencia de la novia que viste traje y velo de novia, aunque también está descalza– no tiene calzado ni camisa, aunque sí un sombrero de copa, según el vestuario diseñado por Mario Marín; la ropa anterior a las nupcias de ambos personajes muestran desgarraduras, como las medias y la chalina de Paulina o rastros de polvo como el traje de Pedro, lo que añade tiempo al tiempo. En esta escena clave se observa cómo Pedro, tras bailar algo con Paulina, se desliza detrás del escenario y se pierde, suponemos que por muchos años. Es esta traición la que encierra a Paulina en el miserable bar en donde transcurre la acción.

Paulina es encarnada con mucho donaire por Irela de Villiers, quien conserva el acento costeño y matiza a su personaje en todas sus características. Marcos García, a quien hace mucho tiempo no veíamos en un escenario, interpreta a Pedro con tránsitos de la sobriedad, casi enojo, a la pasión desatada. La música original de Pablo Mondragón enriquece con sus sones este montaje.

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Exhiben 66 filmes de más de 30 países, “porque el cine ayuda a cambiar realidades”

Exhiben 66 filmes de más de 30 países, porque el cine ayuda a cambiar realidades

Carlos Salman, Beatriz Santamaría, Gabriela Peralta, Ana Güezmes, Adán Salinas Alverdi, Balbina Hernández y Claudia Pastor, en la Cineteca Nacional, durante la inauguración de MICGéneroFoto Carlos Cisneros

Alondra Flores

Periódico La Jornada
Jueves 22 de agosto de 2013, p. 5

La segunda Muestra Internacional de Cine con Perspectiva de Género (MICGénero) México 2013, la cual en esta edición explora los temas Ecofeminismo y Ética ambiental, fue inaugurada con la proyección del documental Madre: cuidar a 7 mil millones, del estadunidense Christo-phe Fauchere.

En 2011 la población mundial alcanzó la cifra de 7 mil millones de personas y se estima que para 2045 serán 9 mil millones, alertan en la cinta.

La Tierra lucha por sobrevivir ante la creciente demanda de recursos, donde religión, economía, medio ambiente, planificación familiar y desigualdad de género son las problemáticas planteadas.

Intersección de temas

Durante la inauguración del MICGénero en la Cineteca Nacional, Adán Salinas Alverdi, director general del encuentro, afirmó que se trata de una segunda edición un poco rara y controvertida en el sentido de que es un tema nuevo en las muestras de cine. Reconoció que no hay un género cinematográfico ecofeminista, por lo que se buscaron obras que reúnan el entrecruce de temas, como en el activismo social y crítica a las políticas a las perspectivas de género, así como el amor a la naturaleza.

Destacó que MICGénero tiene la visión de sacar a las calles estos temas de la academia y los libros de Foucault, para explicar a las personas lo importante que es reconocer la diferencia y quitar los estigmas de la igualdad.

Un total de 66 filmes provenientes de más de 30 países se proyectan del 20 de agosto al 8 de septiembre, porque el cine ayuda a conocer realidades, se manifestó durante la sesión inaugural. A las proyecciones acompañarán actividades alternas, como eco-talleres, una exposición museográfica en el Centro Cultural de España, mesas redondas, conferencias, performances y un concierto de Liz Harris, cantante y experimentalista proveniente de Portland, Oregon.

Durante la primera proyección se escuchó a la voz femenina: Necesitamos crecer en sabiduría, crecer en conocimiento, aprender a vivir bien y cuidarnos los unos a los otros. ¿Cuál es el tipo de mundo que queremos para nuestros niños?, en Madre: cuidar a 7 mil millones, documental realizado en 2011, donde reflexiona sobre el tema del crecimiento de la población, aunado a problemáticas sociales y ambientales, donde Beth, una madre y activista, analiza el impacto de su propia familia sobre el planeta. Las sociedades deben cambiar su mentalidad y el primer paso es revalorar el papel de las mujeres en todo el mundo, enseña.

Feminismo y ecología

A primera vista, feminismo y ecología aparecen como conceptos distantes. Sin embargo, se propone que el Ecofeminismo brinde un enfoque de género ante los problemas ecológicos y una orientación que considere los papeles de género como determinaciones históricas y culturales en la relación con la naturaleza.

Es un punto de inicio de un encuentro que reúne los temas de género y medio ambiente, bajo las líneas del ecofeminismo y la ética ambiental, jamás ha sido expuesto de manera tan contundente en los ámbitos cinematográfico, artístico, académico y musical, como lo tendremos este año, se presenta la muestra, que para su organización contó con el apoyo de diversas instituciones, como OnuMujeres, Inmujeres Distrito Federal, la Secretaría del Medio Ambiente y Recursos Naturales, la revista Debate Feminista, la Universidad Nacional Autónoma de México y los institutos Politécnico Nacional (IPN) y Mexicano de Cinematografía, y La Jornada.

Las sedes principales de la muestra son la Cineteca Nacional, el IPN Zacatenco y la Academia de Arte de Florencia, aunque también se realizan actividades en otros recintos, como los museos Soumaya, de Arte Carrillo Gil, Tamayo y de la Mujer; el Ex Teresa Arte Actual, el Foro Shakespeare y la Casa del Cine.

El programa se puede consultar en la página electrónica www.micgenero.com.

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Javier Aranda Luna: La naturaleza herida

H

ay artistas que son su leyenda: el domingo 17 de enero de 1960 se encontró el cuerpo de un indigente muerto quizá por hipotermia en la calle de Topacio, muy cerca de la Candelaria de los patos. En esa zona de zozobra que, desde hace años, frecuentan los destripados. Su nombre: Manuel González Serrano. Tenía entonces 43 años y era autor de más de 500 cuadros y dibujos.

El artista que había estado recluido en la granja de recuperación para enfermos mentales en San Pedro del Monte, ubicada a 12 kilómetros de León, Guanajuato; el mismo a quien según algunos se le practicó la lobotomía sin su consentimiento; el creador de paisajes metafísicos, naturalezas muertas cargadas de erotismo y una serie de autorretratos que captaron, como pocos, la decadencia y su futuro de polvo.

Su pintura sorprende porque ante la mirada del artista todo se derrumba: las construcciones del hombre, la esperanza, la vigilia, la carne. A sus pueblos se los come el abandono; a sus mujeres, la proximidad del sepulcro.

Los motivos frecuentes de los lienzos y papeles de Manuel González Serrano son el derrumbe, la caída, la meticulosa erosión que los días y los años imprimen en las cosas y en los hombres. También un erotismo que imanta su entorno: atrae o causa repulsa. Debo apuntar que en el erotismo que maneja González Serrano la derrota es su mejor victoria. Las parejas no se acoplan, los contrarios no se juntan como puede verse en la exposición La naturaleza herida que actualmente se exhibe en el Museo Mural Diego Rivera.

Si Posada hizo la crónica de la ebullición de una época con todas sus contradicciones, González Serrano es el cronista del ya no más, del no que a cada instante erosiona al mundo.

Manuel González Serrano nació en Lagos de Moreno, Jalisco, en 1917. A los nueve años conoció, de muy cerca, el levantamiento cristero: Primitivo, su abuelo, y su tío José administraron por muchos años los bienes de la Iglesia.

En 1935 su madre y su tío José huyeron de la barbarie y se instalaron en la capital del país. Los agraristas, como decían, les habían quitado todo por considerarlos, con razón, aliados seculares del clero.

González Serrano tenía entonces 15 años y lo obsesionaba la pintura. Consolidó su formación autodidacta en un México de intensa vida cultural. Artistas e intelectuales lo mismo animaban la academia que las tertulias de cantinas, bares y cafés. Son los años inmediatamente posteriores a la revista Contemporáneos; el tiempo en que surgió la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios; la época en la que Diego Rivera ya era su leyenda: había pintado los murales del Colegio de San Ildefonso, la SEP, y parte de los de Chapingo and last but not least, se había casado con Frida Kahlo.

Pero a pesar de la efervescencia cultural que se vivía, el joven González Serrano nunca se adhirió a ningún grupo, ni siquiera al de Contemporáneos, cuyas propuestas estéticas pudieron resultarle afines. Le interesó como a ellos la soledad, la muerte, el sueño. No sólo eso, también compartió el gusto de ese grupo por pintores como Dalí o Giorgio de Chirico cuya influencia, sobre todo de este último, es visible en algunos de sus cuadros.

González Serrano fue un solitario. Según Guadalupe Rivera, el artista cultivaba mariguana en una maceta de su casa. Seguramente así fue pues la cannabis aparece como vista a través de sus influjos en algunos de sus cuadros. ¿Los ideogramas o la insinuación de ellos que aparecen en otros de sus lienzos nos hablan de su interés por la cultura china? ¿Qué le atrajo? Para algunos, la heroína que se conseguía entonces en el barrio chino.

Quizá por su creciente autoaislamiento y sus cada vez más frecuentes arranques de locura no se conoce su obra como debería. Su primera exposición individual importante fue en 1943 y prácticamente pasó inadvertida. La que actualmente se exhibe es una espléndida oportunidad para acercarse a este pintor de los límites. Allí se encuentra un mapa de México que es una cartografía negra donde luz y sombra son una y la misma cosa; el revés de un cuerno de la abundancia o, mejor, un cuerno de abundancias muertas, un cúmulo de despojos, un montón de basura. Es una cartografía que señala los límites entre el sí y el no; una compota donde todo se deshace para dar lugar a otra cosa.

A lo largo de su vida, González Serrano pintó una serie de autorretratos que lamento no se incluyan en esta muestra. Muchos de ellos con el tema del Cristo vencido. Pero sus rostros no son los que recogen las estampas. Aun sin sangre, son más ásperos porque a sus Cristos los crucifica el tiempo. Son Cristos viejos, Cristos que no mueren en el madero sino en el olvido. Dan la impresión de haber sido bajados de la cruz para hacerlos deambular aquí o allá con tal de que acumulen años, soledad, olvido.

En uno de sus últimos autorretratos, González Serrano es un hombre envejecido, sin brillo en los ojos y con la mirada perdida. Parece un rostro pintado en una pared que se desmorona. ¿El artista indigente muerto en la calle de Topacio? Como sea es el artista del No, del erotismo inconcluso, del mundo que se deshace para crear otro nuevo tan parecido a este con sus sueños, sus deseos, sus miserias y calamidades.

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Detectan en Honduras antiguas ciudades mayas

Notimex

Periódico La Jornada
Miércoles 21 de agosto de 2013, p. 6

Tegucigalpa, 19 de agosto.

Un grupo de arqueólogos de Estados Unidos y Honduras explorarán la zona de la Biosfera del Río Plátano, donde se ha detectado la existencia de ciudades prehispánicas más grandes que el parque arqueológico maya de Copán.

El titular del Instituto Hondureño de Antropología, Virgilio Paredes, en entrevista, reveló que a finales de septiembre se tiene programada la primera expedición a esa biosfera, que es virgen y sólo tiene acceso aéreo por lo que llegarán en helicópteros.

Estaremos incursionando para verificar a qué cultura corresponden los vestigios que allí se encuentran, para lo cual irán arqueólogos y antropólogos de las universidades de Colorado, Houston y nuestros, dijo Paredes.

La Biosfera del Río Plátano, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) se sitúa en los departamentos de Olancho, Gracias a Dios y Colón, en 815 mil hectáreas y es frontera con la de Bosawás, Nicaragua.

Asimismo, explicó que existe evidencia, obtenida a través de mapeo tecnológico, que muestra que en esa zona hay dos ciudades prehispánicas más grandes que Copán, considerada la principal zona maya de Honduras.

Árboles de más de 180 metros de altura han sido los guardianes de estas zonas, cuya presencia se ha delatado por petroglifos y enormes piedras blancas labradas que hay a las orillas de los ríos.

Algunos arqueólogos estiman que en esta zona se puede encontrar la mítica ciudad blanca, llamada por los indígenas ciudad del mono Dios.

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Tres Bonilla llaman a “contrarrestar la dictadura de la estupidez”

Héctor Bonilla, al centro, junto con sus hijos Sergio y FernandoFoto Luis Humberto González

Ana Mónica Rodríguez

Periódico La Jornada
Miércoles 21 de agosto de 2013, p. 4

La desoladora y cruda historia de un hombre que pasa una vida estéril en el almacén vacío donde ha trabajado durante 29 años, se modifica –de manera imprevista– a su avanzada edad y casi a punto de jubilarse, tras la llegada del joven y nuevo empleado.

Este es el hilo conductor de la puesta en escena Almacenados, de David Desola, donde el primer actor Héctor Bonilla comparte escenario con su hijo Sergio y, ambos, son dirigidos por Fernando, su otro vástago.

Así, los tres Bonilla presentarán una corta temporada de Almacenados en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, luego de regresar del Festival de Teatro de Manizales, con cuatro únicas funciones los martes 10, 17 y 24 de septiembre y el 1 de octubre, a las 20:30 horas.

Divertir y mover a la reflexión

La obra, señaló Fernando Bonilla, quien encabeza la compañía Puño de Tierra, nos dará para muchos años más, porque es un proyecto que tiene muchas lecturas y de manera paralela divierte a las personas que asisten a verla y las mueve a la reflexión.

En la historia, explicó el director, aparece un tipo que ofrendó su vida a una absurda e inexistente empresa, trabajo al cual nunca llegó tarde, pero desperdició su vida laboral y su vida en profundidad por un objetivo estéril.

Entonces, prosiguió, llega este joven y revoluciona la cabeza del veterano y es con este proceso, cuando el hombre termina por asumir una conciencia de clase, obrera y colectiva.

Incluso "deja de ver al nuevo empleado como el enemigo, porque en realidad el enemigo es el patrón y este aparato que en Almacenados es una empresa fantasma que construye mástiles y astas".

Sin duda, retomó Héctor Bonilla, es un obra afortunada que de alguna manera juega en nuestro favor y más si se toma en cuenta el parecido entre Sergio y yo; el del joven y el viejo.

El señor Lino, detalló el reconocido actor, tiene la convicción de que cumple con su deber, es decir, nunca llegó tarde, tampoco faltó, se levantó a la hora que tenía que hacerlo y desayunó cuando debía hacerlo y así cumplió durante 29 años con esa tarea porque tenía la conciencia tranquila hasta que lo revolucionan las ideas del joven que llega a sucederlo y se enfrenta al horror de todo lo que pasaba.

Para Sergio, la obra presenta una lectura universal y, además "comprueba que cada vez que la montamos funciona, porque Almacenados es una puesta en escena bien escrita y los personajes están bien parados, lo cual se observa con el joven, el cual a pesar de su conciencia está atrapado en esta sociedad que se convierte en una especie de bola de nieve".

Relaciones volátiles

Almacenados, producida por Puño de Tierra, recrea una historia que oscila entre la farsa, la tragedia y una dosis permanente de comedia, que a su vez dan lugar a una serie de cuestionamientos de la vida cotidiana en la actualidad.

En la obra se recrean cinco días durante los cuales se aprecia de qué forma se entretejen las volátiles relaciones de autoridad en un centro de trabajo y esa área laboral se convierte en un campo de batalla.

Mientras Nin (el joven personaje) rompe la monotonía e inventa historias de su pasado, el señor Lino cuestiona el nombre de su remplazo. En ese lapso la burocracia es descubierta pervesamente a través de la mirada de ambos hombres, que en este desnudo almacén revelan sus secretos, anhelos y la resignación que les causa estar en ese lugar.

Cuestionado sobre la labor de los creadores escénicos y los obstáculos que enfrentan para hacerlo, Fernando Bonilla, manifestó que se debe ir a contracorriente y consideró esta disciplina como una herramienta de labor social a través del arte.

El teatro debe servir para contrarrestar la dictadura de la estupidez en que vivimos y, creo, que un fenómeno tan íntimo como asistir a una representación teatral viva, irrepetible y éfimera marca de alguna forma especial a los espectadores y es por esta razón que trabajamos con proyectos para estimular la conciencia y para que el público no salga como llegó.

Respecto de la aceptación que Almacenados ha tenido en las diversas temporadas que desarrolla desde 2006, Héctor Bonilla puntualizó: La universalidad que logre tener una obra depende desde su nacimiento en la cantidad de espectadores que reúne, lo cual ha sido el caso de esta propositiva puesta en escena.

El montaje se presentará los martes 10, 17 y 24 de septiembre y el 1º de octubre, a las 20:30 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (calle Donceles 36, Centro Histórico, a dos cuadras de la estación Allende del Sistema Colectivo Metro, línea 2.

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Fallece Elmore Leonard, exponente de la novela negra

Afp

Periódico La Jornada
Miércoles 21 de agosto de 2013, p. 5

Washington, 20 de agosto.

El escritor estadunidense Elmore Leonard, exponente de la novela negra y autor de 45 libros, muchos de las cuales inspiraron películas de Hollywood, murió este martes a los 87 años, informó su sitio web oficial.

Leonard, quien había sufrido un derrame cerebral a finales de julio, falleció en su casa cerca de Detroit, Michigan, rodeado de su querida familia, según el sitio web.

Desde hace más de cinco décadas, sus novelas han captado un amplio público de lectores y sirvieron de base a varios filmes, como el western Un hombre de 1967, con Paul Newman; la comedia Get Shorty, con John Travolta y Danny DeVito, y las películas Out of Sight, de Steven Soderbergh, y Jackie Brown (1997), de Quentin Tarantino, inspirada en su novela Rum Punch.

Nacido el 11 de octubre de 1925 en Nueva Orléans (Luisiana), Leonard vivió con su familia en el sur del país antes de asentarse en Detroit en 1934.

Considerado por el New York Times como el escritor de misterio más grande vivo, Elmore sirvió en la Marina de Guerra antes de graduarse en inglés y filosofía, y casarse en 1949. Tuvo cinco hijos.

La National Book Foundation le concedió a Leonard la Medalla 2012 a la Contribución Distinguida a las Letras Estadunidenses en noviembre.

Durante medio siglo, Elmore Leonard ha producido una obra literaria vibrante con un estilo de escritura inimitable, dijo entonces el director ejecutivo de la fundación, Harold Augenbraum.

En la entrega del premio, el novelista británico Martin Amis describió a Leonard como "un genio literario que escribe thrillers para releer".

Las obras más conocidas de Leonard están ambientadas en el bajo mundo de ciudades como Detroit y Miami y protagonizadas por policías, delincuentes y sicarios.

Explicó su prosa desnuda en una guía de 10 puntos publicada por el New York Times en 2001 y citados por sus muchos admiradores en Twitter cuando se conoció la noticia de su muerte.

Entre los consejos, Leonard señalaba: Evite las descripciones detalladas de los personajes, No entre en detalles describiendo lugares y cosas y Trate de dejar de lado la parte que los lectores tienden a saltarse.

Piense en lo que uno mismo se salta al leer una novela: gruesos párrafos de prosa con muchas palabras, escribió. Apuesto a que usted no se salta el diálogo.

Su regla más importante, que resume las 10: Si suena como algo escrito, lo rescribo.

Elmore Leonard estaba escribiendo su novela número 46.

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Un filósofo ahora es más un conversador que un solitario, opina Carlos Pereda

Carlos Pereda durante la entrevista con La JornadaFoto Luis Humberto González

Ericka Montaño Garfias

Periódico La Jornada
Miércoles 21 de agosto de 2013, p. 5

La filosofía hoy no debe apoyarse tanto en el pasado, debería quizá olvidarse un poco de la historia de la filosofía, usar esos instrumentos del pasado para enfrentarse a los problemas del presente, dice el filósofo Carlos Pereda.

El autor de La filosofía en México en el siglo XX: apuntes de un participante, describe a este libro como una conversación con los filósofos de la centuria pasada y no como un informe de lo que hicieron.

Usar los instrumentos del pasado serviría para abordar problemas sociales, problemas de las ciencias naturales, de las pasiones individuales. Estamos rodeados de problemas y por ello esa reflexión no debe ser sólo una revisión de la historia de la filosofía, expresa en entrevista.

La portada del libro, editado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, es una caricatura de Gonzalo Rocha, donde pueden verse a los filósofos que marcaron la reflexión en México: Ramón Xirau, Luis Villoro, María Zambrano, Adolfo Sánchez Vázquez, Leopoldo Zea, José Gaos, Antonio Caso, José Vasconcelos y Samuel Ramos. Pereda, sentado, toma apuntes.

El subtítulo del libro Apuntes de un participante quiere hacer énfasis en dos cosas: en primer lugar no es una historia completa de todo lo que se hizo en la filosofía en México, en el siglo que acaba de terminar, por eso son apuntes, fragmentos. El segundo acento es la idea de participante, no es el observador, sino aquel que interroga y discute con los otros, usando una terminología que ahora en la teoría de la historia algunos utilizan y es la oposición entre memoria e historia, entre hacer memoria o posmemoria y hacer historia. En realidad este libro es más una posmemoria que una historia.

Método de exploración y aventura

Carlos Pereda, profesor e integrante del Instituto de Investigaciones Filosóficas de la Universidad Nacional Autónoma de México, ha escrito varios libros como Sueños de vagabundos: un ensayo sobre filosofía, moral y literatura, Sobre la confianza, Debates, Razón e incertidumbre y entre sus premios figura el que obtuvo en 2008, el Internacional de Ensayo Siglo XXI por su libro Los aprendizajes del exilio.

Decidió estudiar filosofía cuando descubrió que la reflexión "puede ser un método de exploración y una aventura. Uno dice 'bueno me puedo dedicar a esto: a seleccionar, a deliberar, argumentar'. Hay otras formas muy interesantes de reflexionar y argumentar como son las ciencias naturales, las sociales, las distintas formas del arte. Y entonces uno dice: 'bueno también es una aventura muy atractiva esta metarreflexión, o metadeliberación, este reflexionar sobre la reflexión o deliberar sobre las deliberaciones que es la filosofía'".

La filosofía, añade, no es algo que esté sólo en los libros. "Me da la impresión que de algún modo las filosofías o las distintas tradiciones filosóficas circulan por todas partes, de manera explícita y a veces implícita, y cada vez más frente a ciertos problemas como por ejemplo los problemas políticos, de la economía, la democracia, la pobreza, cada vez más nos vemos llevados a filosofar, pero también en problemas que son generales como los que aborda la bioética, problemas de la vida y la muerte, el aborto, la eutanasia, la clonación, hay vastas discusiones filosóficas al respecto.

Sin embargo, parecería que hay un núcleo duro de la filosofía que es ese reflexionar de segundo orden, que es reflexionar sobre las reflexiones, deliberar sobre las deliberaciones, que sigue inquietando a todas las mujeres y todos los hombres. Uno de los grandes filósofos del pasado, Kant, señala que los animales humanos inevitablemente se confrontan con problemas que no pueden solucionar, pero que tampoco pueden dejar de plantearse como problemas del tipo de el sentido de la vida, somos libres, estamos determinados, cuánto depende de nuestra herencia genética, cuánto de nuestra herencia cultural. Esos viejos problemas que atraviesan la historia siguen importándonos, aunque no tengan una utilidad inmediata, tiene una utilidad mediata en el sentido no sólo de que nos ubican en el universo, sino que también tienen repercusiones sobre problemas más concretos.

Quizá el escollo que existe "sea un obstáculo con la filosofía académica que a veces en lugar de filosofía simplemente se reduce a historia de la filosofía, y a un tipo de historia de la filosofía, que es como un archivo de nombres, fechas o problemas del pasado que ya no nos interesan.

Intenté hacer otro tipo de historia de la filosofía, lo que llamo historia argumentada de la filosofía. Se trata más de una conversación con los filósofos que han vivido en México en el siglo XX que de informar sobre lo que hicieron. Para usar una palabra correcta, es una especie de entrevista al pasado, más que una descripción o crónica de ese pasado.

–¿Cómo es el filósofo ahora?

–Creo que es más un conversador que un solitario. El filósofo del siglo XX es más un conversador no sólo con los otros filósofos, sino también con el resto de los participantes de la sociedad, con las ciencias sociales y naturales, con el arte, pero también con los movimientos sociales. Parecería un poco extraño que alguien por ejemplo quisiera hacer filosofía moral y política sin tener en cuenta muchas de las situaciones que vivimos como la impunidad, la injusticia, la violencia. No puede ser que los problemas que nos ocupan a diario, uno los cancele cuando se pone a pensar. Por el contrario, no habría un pensamiento rico y vivo sin que estuviese alimentado por los problemas, las preocupaciones y las ansiedades de todos los días".

La filosofía en México en el siglo XX: apuntes de un participante será presentado este jueves 22, a las 18:30 horas, en la librería Rosario Castellanos (Tamaulipas 202, esquina Benjamín Hill, colonia Hipódromo Condesa).

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