Cristina Barros y Marco Buenrostro: Itacate

L

a vida del México de las décadas posteriores a la Revolución fue rica en propuestas. Se abría un nuevo panorama y había gran confianza en alcanzar la anhelada justicia con un proyecto nacional que recogiera en parte los anhelos expresados por los diversos grupos que participaron en la contienda.

La recuperación de la identidad y la cultura de los antiguos mexicanos fue una constante, como fue también volver los ojos hacia el arte y la cultura populares. Fue el caso de Isabel Marín, hija del matrimonio jalisciense formado por don Francisco Marín Palomino, que hacía rebozos, y de doña Isabel Preciado Cárdenas. Tuvieron siete hijas; otra de ellas fue Guadalupe Marín, quien se casó con Diego Rivera.

Isabel fue una de las fundadoras del Museo de Artes Populares de Tlaquepaque. Su gran interés por la etnología, la antropología, las expresiones artesanales y artísticas de México la unió con el pintor Wolfgang Robert Paalen; él llegó a México en septiembre de 1939 y se vinculó con artistas antifascistas, como Frida Kahlo, Diego Rivera y Juan O'Gorman. Nuestros paisajes y cultura lo fascinaron, como ocurrió a tantos intelectuales extranjeros que vinieron por voluntad o exiliados en la década de los 40.

Isabel, ya viuda, tuvo a su cargo la museografía de las dos salas de etnografía maya del Museo Nacional de Antropología y participó en la Historia general del arte mexicano, publicada por Hermes en 1974, con el tomo Etnoartesanías y arte popular. Fue miembro del Patronato Nacional de las Artes y Artesanías Populares y del comité consultivo nacional sobre esos temas ante la Unesco.

En este libro, obra pionera en su género, importante por la amplia información que recoge, escribe que "México ha gozado y goza, a través de su larga historia (…) de una rica veta de ingeniosos productores de arte popular". Considera que esos artistas populares anónimos son quienes han sostenido uno de los rasgos más fuertes, característicos y permanentes de la fisonomía de México y de lo mexicano.

Podría pensarse, considera, que al ser el siglo XX época de mecanización, las artesanías podrían desaparecer, pero, a mayor mecanización, mayor es la necesidad del hombre de comunicarse y acercarse a sus semejantes. Además, las artesanías son un mensaje directo de un lenguaje universal; a ello atribuye su florecimiento en el tiempo en que le tocó vivir.

Cataloga las artesanías de acuerdo con los distintos materiales y técnicas. Una aportación de Isabel Marín es que añade dos temas: Objetos ceremoniales y Manjares de la cocina tradicional. De esto escribiremos luego.

marcri44@yahoo.com.mx

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Amar la lectura, “una de las mejores cosas que pueden pasar a los seres humanos”

La escritora, premio Cervantes de Literatura, en las instalaciones de la feria, en el plantel del Valle de la UACMFoto Cristina Rodríguez

Ana Mónica Rodríguez

Periódico La Jornada
Martes 24 de marzo de 2015, p. 7

Elena Poniatowska, escritora y premio Cervantes de Literatura, inauguró este lunes la primera Feria del Libro de la Universidad Autónoma de la Ciudad de México (UACM), que concluirá el próximo viernes en las instalaciones del plantel del Valle.

El encuentro editorial es un homenaje a la autora de La noche de Tlatelolco, quien agradeció el nombramiento de la feria en su honor y expresó su deseo de que todas las personas se enamoren de los libros.

Amar a los libros es una de las mejores cosas que pueden sucederle a los seres humanos, manifestó Poniatowska, quien tuvo una breve intervención.

La lectura, puerta de comunicación con los muertos

Un concierto de la Orquesta Filarmónica y Ensamble Coral de la UACM inauguró la feria, que tuvo la presencia de la autora, así como del secretario de Cultura del Gobierno del Distrito Federal, Eduardo Vázquez Martín, y del rector de la universidad, Hugo Aboites, entre otros colaboradores de la institución académica.

Vázquez Martín agradeció a la casa de estudios la invitación a la feria, a la cual definió como fiesta de la palabra para los amantes de la lectura, que celebra y reúne el trabajo de diversas casas editoriales y la labor de investigadores académicos.

Celebramos con la UACM que la lectura es un ejercicio de crítica y de libertad; una fiesta de la palabra. Y, ¿por qué celebramos la palabra? Porque festejamos el diálogo, la inteligencia y a nuestros antepasados. No hay ouija más precisa que nos permita hablar con los muertos que un libro, enfatizó el funcionario.

El rector Hugo Aboites explicó que al encuentro se le dio el nombre de una importante mujer que ha enriquecido la literatura y la cultura mexicanas: Elena Poniatowska, quien escogió a nuestro país como el lugar predilecto para realizar su obra, y por ello se le rinde este homenaje.

En esta actividad participan más de 30 sellos editoriales. También se realizarán talleres, conferencias, lecturas de poesía, y habrá teatro y música.

El plantel Del Valle de la UACM se encuentra en San Lorenzo 290, colonia del Valle.

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Teresa del Conde: “Razón de ser”. Una selección

Razón de ser. Una selección

E

l estudio de la investigadora Ana Garduño titulado El poder del coleccionismo en arte: Alvar Carrillo Gil, publicado en la colección Posgrado de la UNAM en 2009, ostenta en la portada un retrato del doctor y coleccionista yucateco por Siqueiros. No es uno de sus retratos más famosos, pues fue considerado en ese momento (1951) por su autor como anticipo para un futuro retrato que no llevó a cabo. Se exhibe junto con otras piezas seleccionadas por Carlos E. Palacios en la exposición que da título a esta nota.

Según Ana Garduño, Siqueiros consideró esta pieza un bosquejo no terminado y así lo firmó. El doctor Carrillo encargó al pintor el retrato de su mujer, Carmen T. de Carrillo Gil, que es impactante y que también se encuentra exhibido e igualmente se exhibe el de la misma modelo por José Clemento Orozco, ambos de 1944. Son tan distintos los dos encuadres o enfoques, que el visitante interesado en retratos no puede menos que preguntarse acerca de la forma en que un pintor percibe y representa a una mujer de alcurnia (puesto que se trata de la esposa de su coleccionista). Vale la pena el intento de un comentario por parte de quien los contempla a décadas de distancia.

Siquerios representa a la señora, todavía joven, casi de frente, sentada, con el pelo claro suelto de un lado, formando ondas contrapuestas muy elaboradas; la boca netamente delineada, casi en forma de corazón, labios cerrados intensamente rojos. Este es el tono más saturado que ostenta el retrato, cuya expresión, según mi sentir, resulta un poco temible y no me extraña que el coleccionista no haya encontrado muy de su agrado esta versión de su mujer, sobre todo si lo que traía en la mente como recuerdo de retratos femeninos realizados por Siqueiros se relacionaba, verbigracia, con el retrato de María Asúnsolo bajando una escalera (colección del Museo Nacional de Arte), que parece una aparición o aun con los retratos en los que aparece sólo la cabeza de la modelo, como el que le hizo a Lola Álvarez Bravo.

Doña Carmen aquí es prototipo de dama de la alta burguesía mexicana, pese a que no ostenta joyas y a que su ceñido atuendo es sumamente sencillo. El aspecto general de la mujer es, además de vigoroso (según expresión de Jorge Juan Crespo de la Serna), hasta voluptuoso en cuanto a corporeidad. Una presencia puede ser llamativa y aun voluptuosa, aun y cuando no se trate de un desnudo, y así ocurre aquí, cosa que se ve acentuada por el énfasis puesto en los ojos de la modelo, que en su persona estaban demasiado delineados con pintura; son ojos se diría que poco piadosos. Así vio Siqueiros a su modelo en ese momento.

Casi frente a esta rotunda pintura se encuentra el retrato de la misma dama por Orozco, que me parece discreto en comparación con el descrito. Orozco la captó de perfil y puede uno deducir que quizá no necesitó que su modelo le posara más que por un lapso breve en el que le tomó los lineamientos esenciales. La figura termina justo en la cintura, dejando ver los antebrazos, que teminan en unas manos entrelazadas. Estas se constituyen en motivo muy principal de la representación, se antojan algo crispadas.

Orozco fue gran pintor de manos. El perfil de doña Carmen es correcto, sin ser bello; la sección de la boca es tan roja como la del retrato de Siqueiros, y el ojo visible (el izquierdo) se percibe igualmente recargado con delineadores y sombras. El atuendo es blanco tipo camisero, pero a la moda del momento. Tampoco hay joyas de ninguna especie, excepto el arete visible de media perla. La dama mira de frente y no se recarga en la silla en la que está sentada. Es un retrato muy digno, pero el pintor no trató de introyectar su visión anímica de la modelo, como lo hizo, verbigracia, en el retrato de la señora Siquelianos.

El doctor Carrillo no se hizo retratar por Orozco; tal vez le dio un poco de miedo hacerlo, si observamos la fisonomía de las tres cabezas que se exhiben, pintadas en Nueva York con intenciones francamente irónicas y críticas, aunque no se trata de fisonomías caricaturizadas. Entre las obras de Orozco que se muestran hay un retrato muy peculiar de Dolores del Río, también de 1944, vista de frente, con ojos alucinados, demasiado abiertos, que no favorece a la diva, quien también posó para Diego Rivera.

Dentro del conjunto exhibido de la rica colección, el museo destaca, sobre todo, a mi parecer, el conjunto de Günther Gerzso, con el que se abre la exposición. Parte de estas obras le fueron inspiradas al pintor durante un viaje a Grecia y el paisaje denominado Eleusis, que se ha visto exhibido en muy contadas ocasiones, destaca por su lirismo casi romántico, en esa etapa en la que el pintor fue gestando su modalidad geometrizante por la que mayormente lo distinguimos a partir de la segunda mitad de los años 50. No conocemos bien la razón por la cual el coleccionsita yucateco dejó de adquirirle obra en épocas posteriores, probablemente se debió a que gustaba de entablar relaciones amistosas con los artistas a quienes coleccionaba y Günther Gerzso no fue proclive a brindarlas. Se dirá que Orozco, a quien le adjudicaban el apodo de El Abrojo, fue menos propicio, pero no fue ese el caso.

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“Las pinturas en el sitio se aproximan a lo que hoy concebimos como arte”

Alejandra Ortiz Castañares

Especial para La Jornada

Periódico La Jornada
Martes 24 de marzo de 2015, p. 5

En entrevista por correo electrónico con La Jornada, la doctora María Teresa Uriarte, historiadora egresada de la UNAM, autora de más de una decena de libros dedicados a Mesoamérica, miembro de la Junta de Gobierno de la Universidad Nacional Autónoma de México y directora del proyecto La pintura mural prehispánica en México, expresa el valor de Cacaxtla y del actual estudio, así como los problemas de conservación del sitio:

–¿Qué significó el descubrimiento de Cacaxtla hace 40 años? –se le pregunta.

–Haber descubierto en el Altiplano central unas pinturas de la calidad y presencia de las de Cacaxtla fue un hito, porque su referente anterior era Bonampak. Si bien Teotihuacán debió de haber sido, por la abundancia de sus pinturas, la Pompeya mesoamericana, la pintura de Cacaxtla tiene una proporción más cercana a lo que nuestro ojo percibe como correcto, y por ello nos resultan –al igual que Bonampak– más parecidas a lo que concebimos como arte. No se esperaba que existieran en esta zona, y su descubrimiento fue una sorpresa.

–En su ensayo, usted y Erik Velásquez demuestran cómo el Mural de la Batalla en realidad no es una batalla, sino un ritual de sacrificio ejecutado por individuos históricos. ¿Habría que modificar el título?

–Nosotros proponemos una interpretación diferente de estos murales con base en numerosas evidencias documentales; sin embargo, es muy difícil cambiar un nombre que ha persistido por más de 20 años. Para nosotros es evidente el sacrificio de prisioneros que encarnan al dios del maíz, en vinculación con ciclos de Venus. Algo que existió en diversas culturas de Mesoamérica.

–¿Qué consecuencias deja este proyecto?

–Los descubrimientos de Diana Magaloni en cuanto a técnica pictórica han hecho escuela. Las técnicas de registro también. Podemos afirmar con orgullo que no hay en el mundo un registro tan completo de la pintura mural prehispánica de México y que nuestros estudios han contribuido a una mejor comprensión de las sociedades que la realizaron.

–¿Los murales de Cacaxtla están en riesgo de conservación porque la techumbre no es suficiente para protegerlos de la erosión del viento?

–Es verdad lo de la techumbre; es verdad que el deterioro que se debe más a malas restauraciones (uso de polímeros) que al viento. Hay que ver los murales del Templo Rojo, que fueron restaurados con nanopartículas de cal y que presentan un deterioro mínimo, aunque están amenazados por desplazamientos de los muros contiguos.

Oportunidad para especialista italiano

–¿Estaría de acuerdo en su desprendimiento?

–Desprender murales es una medida muy controversial porque también arriesga la existencia de las pinturas. Yo me pregunto: si en Pompeya están los murales impecables, ¿por qué los mexicanos que abusaron del polímero han dañado tan sustancialmente la pintura mural? Hay que ver los murales de Calakmul, en donde Ramón Carrasco siguió el método de Baglioni, y los murales están maravillosos. Está mal decirlo, pero nuestros restauradores y arqueólogos en ocasiones dañan el patrimonio más que los elementos.

–¿Qué solución propone?

–Que este es un tema de expertos internacionales y que deberían darle la oportunidad a Piero Baglioni, de la Universidad de Florencia, de que fuera él quien diera el dictamen.

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Grupo multidisciplinario de la UNAM renueva estudios sobre Cacaxtla

Alejandra Ortiz Castañares

Especial para La Jornada

Periódico La Jornada
Martes 24 de marzo de 2015, p. 5

Este año recurre el 40 aniversario del descubrimiento de Cacaxtla, cuando, accidentalmente, pobladores de San Miguel del Milagro encontraron uno de los murales prehispánicos que darían pie a uno de los mayores descubrimientos arqueológicos mesoamericanos del siglo.

Con el tiempo surgen problemas notables denunciados desde el pasado verano por el gobierno de Tlaxcala, que muestran un importante deterioro de las pinturas por humedad y erosión eólica. La techumbre del Gran Basamento fue, desde un inicio, una medida parcial para el desgaste ambiental del sitio, respecto de una solución definitiva, de un edificio cerrado y climatizado, pero costoso.

Mientras este tema delicado deberá enfrentarse para la completa salvaguarda del lugar, un grupo multidisciplinario de investigadores de la UNAM y de universidades extranjeras ha llevado a cabo desde 2007 una labor científica que ha renovado los estudios de Cacaxtla, difundidos a través de un seminario y una publicación que corresponde a otro trabajo (Altiplano Central) del proyecto La pintura mural prehispánica en México fundado, hace más de 25 años por Beatriz de la Fuente, ahora dirigido por María Teresa Uriarte y publicado por el Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

Apreciación inédita

El estudio se compendia en dos gruesos volúmenes (2013) y un catálogo que saldrá este año, cuyas imágenes, gracias a las reconstrucciones digitales, permiten apreciar los murales como no había sido posible hasta ahora, y como muy probablemente las vieron sus habitantes, como apunta José Narro Robles en la presentación del volumen.

La historiadora del arte Claudia Brittenham, quien participó en el proyecto con el ensayo Los pintores de Cacaxtla, afirma para La Jornada: "Cacaxtla se descubrió en los años 70 del siglo pasado, despertando un intenso interés por esta cultura, renovado a finales de los años 80, cuando con la construcción de la techumbre se descubrieron nuevas pinturas que vieron nacer publicaciones excelentes desde el punto de vista del análisis iconográfico, pero que dejaron un vacío sobre preguntas básicas, como la relación entre Cacaxtla con Teotihuacán y la zona maya.

"Actualmente –continúa–, Cacaxtla está pasando por un muy feliz momento: además de La pintura mural, se publicó el estudio del arqueólogo Andrés Santana, quien ha trabajado en el sitio por 20 años, así como mi propio libro sobre la iconografía de los murales publicado en enero (The Murals of Cacaxtla: The Power of Painting in Ancient Mesoamerica)", concluyó.

Existe también un proyecto de Conaculta y del gobierno del estado que pretende integrar a Cacaxtla en un circuito turístico cultural prehispánico, que lo unirá con la cercana Xochitécatl a dos kilómetros de distancia, mediante un andador.

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Celebra el CaSa nueve años de ser fuente de enseñanza artística

Lourdes Báez, directora general del CaSa, expresó su orgullo de contar con una exhibición de Sergio Hernández (en la imagen) por primera vezFoto Jorge A. Pérez Alfonso

Merry MacMasters y Jorge A. Pérez Alfonso

Enviada y corresponsal

Periódico La Jornada
Lunes 23 de marzo de 2015, p. 8

San Agustín Etla, Oax.

Las fuentes se tiñeron de grana cochinilla y la banda de niños Ameyalli entonó Las Mañanitas para celebrar el mediodía de hoy el noveno aniversario del Centro de las Artes de San Agustín (CaSa), fundado por Francisco Toledo, quien tuvo la visión de convertir la otrora fábrica textil en espacio de enseñanza artística.

En 2014 se llevaron a cabo 279 talleres y 15 diplomados o proyectos de largo aliento en los que se atendió a más de 5 mil alumnos provenientes de 10 países y 24 estados de la República Mexicana, principalmente de comunidades de Oaxaca.

El artista visual, promotor cultural y activista no pudo asistir, ya que acababa de llegar de la ciudad de México, donde tuvo varios compromisos, expresó su hija Sara, quien preside la Sociedad de Amigos del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

Este hito tan significativo se festejó con la apertura de dos exposiciones del pintor oaxaqueño Sergio Hernández: Blanco de plomo, de 26 cuadros de gran formato, realizados entre 2013 y 2015, en la galería Planta Baja, y Obra gráfica, de 46 grabados, hechos entre 2001 y 2014, en la galería Chalet.

En el acto, que contó con la presencia de Gabino Cué, gobernador de Oaxaca, Lourdes Báez, directora general de CaSa, expresó su orgullo de contar con una exhibición de Hernández por vez primera.

Hernández agradeció a Toledo la invitación a exponer la serie en la que ha trabajado a lo largo de dos años y medio, cuya primera etapa ha llegado a su fin. El tema, explicó, tiene que ver con la botánica –en uno de los cuadros también se perciben los pulmones del artista–, y asimismo con la historia del color blanco de plomo, conocido por los griegos y empleado para pintar las paredes de Pompeya. Advirtió que hay que tener mucho cuidado al trabajarlo, pues provoca la enfermedad del saturnismo.

En un texto introductorio, el expositor recuerda haber presentado su examen de admisión a la escuela de pintura La Esmeralda en 1975, con una prueba que consistió en dibujar una naturaleza muerta con la técnica de la grisalla. Me limité al uso del blanco y negro durante toda mi permanencia en la escuela: era la manera más sencilla y económica de practicar el dibujo, acota.

Sobre Blanco de plomo explica: "Yendo y viniendo por el taller Restauro de Manuel Serrano, descubrí que necesitaba una técnica que me permitiera dibujar con mucha agua. Yo rumiaba el color como las vacas. Quería pintar en el aire con agua –sin tocar la superficie– la piel de su tersura o su blancura. Quería abarcar el espacio en su totalidad.

"Poseía pigmentos 'históricos', empleados en su momento para restaurar tumbas egipcias, peruanas, mexicanas, chinas, indias, etcétera. Los había comprado como saldos en la casa Kremer, 25 años atrás, y nunca había tenido la oportunidad de darles uso. Eran pigmentos de lapislázuli, malaquita, cinabrio, turquesa y azul egipcio, todos obtenidos de minerales oriundos.

"Podría decirse que disponía de los condimentos con que cocinar, pero me faltaba la base que requiere toda cocina. Esa base fue una lámina de plomo montada sobre un bastidor. Cuando la tuve ante los ojos, aquella superficie gris me pareció una placa fotográfica, un negativo que había que revelar: lo hice metiéndola en una tina de agua con una emulsión de vinagre.

El resultado fue una verdadera revelación: apareció el blanco de plomo. Hernández fue tomando confianza: "Pasé del estupor a la búsqueda, y así comencé a entender la magia de la alquimia… hasta que quedé atrapado por ella. Entonces apareció mi radiografía: primero mis pulmones, después de ropa tendida en las ramas cerca del río, los sueños en el bosque de palmeras y por último cartas a Magdala, geometría del silencio."

Entrevistado por la prensa, Gabino Cué dijo que su gobierno apoya de forma permanente a CaSa: El Estado hace una aportación periódica anual. Hicimos una última para las residencias artísticas que, me informan, están por concluir. Permanentemente, estamos en pláticas con el maestro Toledo en la medida de que él pide apoyo y el respaldo lo seguiremos ofreciendo.

A la celebración hubo una asistencia de alrededor de mil 200 personas.

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Los jóvenes guerrerenses han decidido morir pronto, pero con dinero: Bartra

De la Redacción

Periódico La Jornada
Lunes 23 de marzo de 2015, p. 9

El estado de Guerrero tiene el problema del mal gobierno, de los caciques, de la pobreza, de la violencia y ahora el del narcotráfico, y éste se acumula porque finalmente está entreverado con todos los demás.

Tal es la reflexión es del sociólogo e investigador Armando Bartra, quien presentó este sábado en la sexta edición de la Feria Internacional del Libro (FIL) de Azcapotzalco su libro Guerrero bronco, que editó y regaló la Brigada para Leer en Libertad.

El catedrático de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) lamentó que la violencia en Guerrero esté asociada también con el narcotráfico, y que los jóvenes prefieran unirse al crimen organizado.

La juventud ha decidido morir de este modo, porque no hay una alternativa mejor a la de morir en poco tiempo, pero poderoso, con un arma en la mano y un auto de lujo. Esto es verdaderamente terrible y pasa en Guerrero.

En la explanada de la delegación Azcapotzalco, el investigador precisó que es la primera vez que se redita su libro Guerrero bronco para ser distribuido sin tener que pagar por él. No creo que para alguien que escribe puede haber algo tan alentador, que lo que uno pone sobre el papel pueda ser leído y adquirido sin necesidad de desembolsar dinero.

En la charla, Bartra indicó que su libro es oportuno por los acontecimientos recientes en el país, como la desaparición de los 43 normalistas de Ayotzinapa, ya que es un tema de resistencia, fuerte e importante. Ha transcurrido más de medio año y la lucha por la aparición de los 43 sigue y seguirá siendo un tema fuerte; por tanto, hablar de Guerrero y de estos temas es importante hoy, y lamentablemente lo seguirá siendo por mucho tiempo.

Después de explicar que es la tercera edición de Guerrero bronco, el sociólogo señaló que se trata de un libro de historia que se ocupa de los procesos políticos, sociales y económicos en el estado de Guerrero, particularmente en la Costa Grande.

Precisó que el libro lleva el subtítulo Campesinos, ciudadanos y guerrilleros en la Costa Grande no sólo por los hechos de Ayotzinapa, sino por otras múltiples razones, ya que Guerrero ha sido un estado combativo, con mucho valor, que sale a protestar cuando le llegan.

Enfatizó que los guerrerenses son gente madura, honesta, luchadora y peleonera. Hizo un recuento de cómo la población de ese estado a partir de 1988 comenzó a participar en las votaciones y surgió un milagro cívico ciudadano, porque la gente no quería que el PRI gobernara siempre, así que la población comenzó a organizarse cívicamente.

Ahí estaba ese espíritu de lucha, el Guerrero de lucha gremial, de lucha armada y de lucha cívica. Todos se unificaron con un solo rostro. Guerrero quería salir del cacicazgo, y así empecé a escribir el libro, para ver de dónde venía la tradición cívica de Guerrero, la tradición gremial y armada del estado; este libro es el resultado, explicó Bartra.

El sociólogo mencionó que en 2000 se reditó por segunda ocasión, y anexó el capítulo Serpientes y escaleras, como metáfora de que se puede llegar arriba o hasta abajo, ya que en Guerrero la lucha se derrumbó por la represión.

Este libro es de algún modo un homenaje a los guerrerenses insomnes, matados; a estos guerrerenses muertos a la mala. Leer este libro ayuda a sentirse solidario con los padres, con las madres, con los parientes de los desaparecidos de Ayotzinapa y con todos los que siguen muriendo en el resto del país, dijo el investigador, quien también leyó un fragmento de su libro Crónicas del sur: utopías campesinas en Guerro.

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Continuará este año el proceso de restauración de la Casa Frissac

Ángel Vargas

Periódico La Jornada
Lunes 23 de marzo de 2015, p. 9

Dicen que allí hay fantasmas, en específico el de una niña que murió cuando el lugar funcionaba como escuela. Hay quienes la ubican como la mansión donde a finales del siglo XIX el célebre bandido Chucho El Roto, famoso por robar a los ricos para dar a los pobres, frecuentaba a su amada Matilda.

El único dato fehaciente hoy día es que Casa Frissac, cuna de mitos y leyendas, es uno de los cinco espacios que la delegación Tlalpan mantiene destinados a la promoción, divulgación y difusión de la cultura.

Ubicado en el centro histórico de esa demarcación –la más grande del Distrito Federal, ubicada al sur de la capital del país–, ese histórico inmueble, edificado a finales del siglo XIX y principios del XX, a partir del diseño del arquitecto Antonio Rivas Mercado, creador de la Columna de la Independencia, se encuentra actualmente sometido a un proceso de restauración.

Ya el año pasado se hizo una inversión de un millón 800 mil pesos para intervenir el área que funciona como galería, además de trabajos de impermeabilización y cambio de instalación eléctrica y de luminaria, según la directora general de Cultura de la delegación, Sofía Trejo Orozco.

La inminente temporada de lluvias, un riesgo

En este 2015 las obras proseguirán y el aspecto más importante será la restauración total del muro perimetral de la casa, el cual, debido a su antigüedad y el deterioro natural por hallarse expuesto a la intemperie, presenta en varios tramos riesgo de colapsarse.

De acuerdo con el arquitecto responsable de la obra, Fernando A. Sánchez Chávez, la reparación de esa estructura de aproximadamente 70 metros de extensión es urgente, ante la proximidad de la temporada de lluvias.

Ese aspecto climatológico puede favorecer que tal parte de la construcción sucumba, como ocurrió hace dos años con entre 30 y 40 metros lineales de la barda del atrio de la Parroquia de San Agustín, ubicada en la esquina contraria de Casa Frissac, indica el cronista de Tlalpan, Salvador Padilla.

La restauración de esta centenaria barda se hará de manera artesanal, tabique por tabique, y conforme al diseño con el que fue construida. Según el arquitecto, las piezas serán desmontadas por módulos, posteriormente se les someterá a un proceso para preservarlas y fortalecerlas con la ayuda de un aditivo y, por último, serán vueltas a colocar en el lugar que ocupaban.

Para fijarlas se utilizará una argamasa similar a la original, de arena cernida con cal, precisa Sánchez Chávez, quien estima que 60 por ciento del material original del muro podrá ser conservado. Las piezas nuevas que se utilicen serán mandadas a hacer con las mismas especificaciones de las históricas.

Las obras requerirán de entre cuatro y cuatro meses y medio, y se estima que comiencen entre finales de abril y principios de mayo, una vez que se cumpla con los trámites administrativos. Entre ellos, se solicitó ya la autorización del Instituto Nacional de Antropología e Historia.

La intervención en Casa Frissac para este año, cuyo presupuesto alcanza 5.5 millones de pesos, contempla asimismo el área de talleres, donde se ofrecen de manera gratuita 15 actividades a la comunidad, entre ellos fotografía, teatro, danza, cine y tallado en madera.

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Hermann Bellinghausen: Robots a la mano

L

a decadencia de las utopías ha hecho al campo progresista tierra fértil para las proyecciones distópicas y deterministas de un futuro torcido, en un mundo secuestrado por el capitalismo dueño de todo. Como si nos hubieran arrebatado el don de soñar. Jean Luc Godard dice cruelmente en su Adiós al lenguaje: Todos aquellos que no tienen imaginación se refugian en la realidad. Pero a ver, señor Godard, ¿a qué horas vamos a tener tiempo para imaginar? Y la paradoja es que existan tantas formas de distraerse; lo que buscamos hacer cuando no trabajamos es jugar con algún dispositivo. El avance tecnológico sirve para entretener a las masas; la televisión es cosa del pasado, precursora nomás. El trabajo moderno, duro como es para la mayoría de las mujeres y los hombres, inhumano y sin derechos, mal pagado, abusivo, enajenante y arbitrario, no tiene alternativa para sobrellevarla. En la maquila, la mina o la migración, para el recolector, empacador, cargador, despachador o el que aprieta un botón, lo de el trabajo os hará libres de los nazis se extiende como maldición.

Peor fantasma es el desempleo. No trabajar da más miedo que el infierno laboral. Me matan si no trabajo, y si trabajo me matan cantaba Daniel Viglietti hace ya cuánto. Entonces, cuál es el miedo, ¿perder las cadenas y quedarnos sin nada? Habría que escuchar al poeta y pensador en acción Wendell Berry: Por lo que a mí respecta, el futuro no dice nada. No existe hasta que se convierte en pasado. Las predicciones de desastre han sido limitadas. El sol sale y se pone tal como se espera que lo haga. Supongo que es previsible que la Tierra desaparezca, pero todos los plazos, hasta ahora, han sido erróneos (Yes!, publicación de Positive Futures Network, Nueva Inglaterra, primavera de 2015). Hay que comenzar el cambio cerca de casa, considera Berry. El presente es el único futuro que tenemos.

Ningún movimiento social exige hoy lo que para el socialismo utópico sería la victoria definitiva: la abolición del trabajo (¿y el homo faber?). El problema real es que no hay empleo para todos. Y si el que hay está del carajo, peor es no tenerlo. Rebasadas por la derecha las utopías, nos encontramos a las puertas de esa victoria que ya nadie demanda. El trabajo robotizado –que estábamos olvidando como posibilidad, encandilados por las computadoras y los dispositivos– regresa por sus fueros, liberado de la ciencia ficción. Ya vienen los robots a liberarnos del trabajo, alerta el ensayista británico John Lanchester (The Robots Are Coming, London Review of Books, 5 de marzo) ¿Llegan tarde y mal, o son una oportunidad?

La fantasía de los robots tuvo su momento, luego perdió prestigio y quedó en caricaturas. Lo que comenzaba a ocurrir con las computadoras (¡lo que le cabe a un chip!) era tan extraordinario, impresionante y transformador que la parte mecánica de la nueva revolución tecnológica pareció rezagarse. Hoy los nuevos avances robóticos están por inundar el mercado; como las computadoras y los móviles, cada día serán más eficaces y baratos. Su huella en la sociedad y la cultura aún son difíciles de predecir. Lanchester advierte: El trabajo en las fábricas y en cualquier otro lugar donde se requiera trabajo manual repetitivo está que se va, se va, se fue. El perfeccionamiento del chip y sus derivados intangibles, traducido en las capacidades procesadoras y comunicadoras del boom digital, fue suficiente para desencadenar una revolución y transformar las mentalidades, los cálculos, los proceso cognitivos y numerosas actividades. El progreso exponencial de esa industria que en medio siglo ha multiplicado sus alcances y ganancias sin cesar (cumpliendo la mal llamada ley de Moore) habría dejado atrás a las máquinas que erradicarían el trabajo físico.

Mientras en 1997 la supercomputadora Deep Blue podía vencer al campeón mundial de ajedrez Gary Kasparov, los robots seguían siendo torpes. Las máquinas ganaban en ajedrez, pero no tenían la destreza motora ni la percepción de un niño de un año. Eso quedó atrás. Los robots son ya capaces de actividades sutiles y precisas. Algo previó en 1983 el economista Wassily Leontief al apuntar que, así como el caballo fue desplazado por el tractor del trabajo agrícola, del mismo modo desaparecerá el trabajo humano, el factor más importante de la producción. Escribía Hannah Arendt en 1958: El superior poder de la máquina se manifiesta en su velocidad, que es mayor que la del cerebro humano; debido a ésta mayor velocidad, la máquina puede prescindir de la multiplicación, que es el ingenio técnico preelectrónico, para acelerar la suma. Se trata de la máquina inteligente, el homúnculo de los alquimistas (La permanencia del mundo y la obra de arte, traducción de Ernesto Rubio en Más allá de la filosofía, Editorial Trotta, Madrid, 2014). ¿Es una oportunidad, o una condena? ¿Qué pasará con el artificio humano, que según Arendt ha de ser el lugar apropiado para la acción y el discurso?

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Sepultarán el jueves los restos de Ricardo III

Dpa

Periódico La Jornada
Lunes 23 de marzo de 2015, p. a11

Londres. Los restos de Ricardo III, el último rey de Inglaterra que murió en el campo de batalla, salieron hoy de la Universidad de Leicester para iniciar su último viaje antes de que el jueves reciban sepultura en la catedral, más de 500 años después de su muerte. El último monarca de la dinastía Plantagenet falleció en 1485 en la batalla de Bosworth, cerca de Leicester, mientras luchaba contra las fuerzas de Enrique Tudor. Éste se convertiría más tarde en Enrique VII, poniendo fin a la llamada Guerra de las Dos Rosas. Descubiertos bajo un estacionamiento en 2012, los restos de Ricardo III fueron sometidos a estudio por un equipo de arqueólogos en la Universidad de Leicester. Los expertos que examinaron sus huesos señalan que sufrió ocho heridas graves en la cabeza, lo que apunta a una muerte brutal a golpe de espada u otra arma. El ataúd con los restos del monarca, fabricado en madera de roble por el carpintero canadiense Michael Ibsen –descendiente del rey que vivió en el siglo XVII–, recorrerá hoy la ciudad hasta Bosworth. Después permanecerán en la catedral hasta el entierro el jueves, donde se espera que Isabel II lea unas palabras. Según los historiadores, Ricardo III fue enterrado hace 530 años sin sarcófago y a toda prisa. Ahora, su segundo entierro se hará con todos los honores. El funeral costará casi 3.8 millones de dólares, reunidos principalmente mediante donaciones.

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