Obra infantil aborda la relación entre poder y destino con una historia de abejas

Obra infantil aborda la relación entre poder y destino con una historia de abejas

La abeja reina, interpretada por la mezzosoprano Catalina PeredaFoto Yazmín Ortega Cortés

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Domingo 12 de abril de 2015, p. 3

El ciclo biológico de la abeja reina, con sus vuelos cortos de reconocimiento dentro de la colmena, que tiene como fondo la lucha por el poder, un destino donde la elección es matar o morir y vivir encerrada, es la historia trágica que cuenta Apoidea: breve ópera hexagonal, que ayer empezó temporada en el teatro Benito Juárez.

La ópera infantil, con libreto de Germán A. Panarisi y José Miguel Delgado, quien también se encarga de la conducción musical, y dirección de Jesusa Rodríguez, narra la vida de una abeja reina que, sin oportunidad de elegir, se ve sentenciada a cumplir con un duro destino que la lleva a matar a sus hermanas para ser coronada y tomar su lugar en la colmena.

El espectáculo, en el que participan la mezzosoprano Catalina Pereda, como la abeja reina; el narrador Leonardo Ortizgris, y las larvas y zánganos, Alejandro Camacho y Carlos Brown, está dividido en seis episodios relacionados con las etapas en la vida de la abeja reina: el nacimiento, encierro en el panal, conocer la luz del Sol, encontrar a los zánganos, su reproducción y muerte.

Los episodios son acompañados por la música ejecutada por el sexteto de cámara integrado por el flautista Vincent Touzet, el clarinetista Pablo Ramírez, el violinista Haroldo de León, la violonchelista Natalia Pérez Turner, el guitarrista César Castellanos y el percusionista Charles Daniels.

Con proyecciones que muestran la vida dentro de una colmena, donde miles de abejas cumplen con su tarea conforme pasan los días, se sumerge al niño en una trepidante, trágica y a la vez divertida historia sobre la familia de insectos himenópteros, a los que pertenecen las abejas.

José Miguel Delgado se inspiró en el ciclo de vida de la abeja reina, la cual se limita a parir para garantizar la continuidad de su linaje. En la ópera infantil recurre a la figura de un narrador para que explique a los niños las etapas que vive la reina y que son cantadas por la mezzosoprano Catalina Pereda.

En un escenario hexagonal, que es la colmena, el público observa cómo transcurre el día a día de la reina, desde que nace hasta que debe seguir su instinto y para reinar. Los pequeños, además de escuchar las arias que cuentan la vida de la reina, se divierten con la interacción de los personajes.

La trama permite al espectador conocer que no siempre los que tienen el poder son libres, y que así como gozan de privilegios no tienen muchas alegrías en su vida. Llega un momento en que la reina se libera un instante del encierro para ver la luz y tener un encuentro con los zánganos, en busca de su heredero. Esta parte del espectáculo se destaca porque se interpreta un danzón, que el público disfruta, ya que todo es fiesta en el escenario: hasta el director musical se anima a bailar con la reina.

Después del episodio donde aparecen los zánganos, la reina sabe que no puede luchar contra su destino y con el nacimiento de sus herederos; su ciclo de vida se cierra. La vejez de la reina la lleva a la muerte y tras el triste final suenan los aplausos, y los pequeños se acercan a los actores y músicos para felicitarlos, señal de que les ha gustado la breve ópera.

Apoidea: breve ópera hexagonal se presentará hasta el 10 de mayo, los sábados y domingos a las 13 horas en el teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc).

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Cierran un museo en Rusia por una muestra de la Segunda Guerra Mundial

Afp

Periódico La Jornada
Domingo 12 de abril de 2015, p. 5

Moscú.

Un museo de Ekatiremburgo, en los Urales, cerró sus puertas por orden de las autoridades un día antes de la inauguración de una exposición de fotografías tomadas por británicos y estadunidenses durante la Segunda Guerra Mundial, informó el sábado la prensa rusa.

La exposición, organizada por la Casa de Metenkov con la colaboración de los consulados estadunidense y británico, debía presentar 150 imágenes tomadas durante la Segunda Guerra Mundial por grandes de la fotografía, como Robert Capa, Ansel Adams o W. Eugen Smith. Pero el jueves, en la víspera de la apertura de la muestra, el museo anunció en su página web que tenía que cerrar por un tiempo indefinido por razones técnicas.

El sábado, el periódico Kommersant informó, citando una fuente policial, que era la cooperación con los consulados, y no las fotografías, lo que originó la orden de Moscú, que obedecía a motivaciones políticas.

Según dijo una fuente próxima al dosier, que pidió el anonimato, "la participación de estos consulados es inaceptable dada la situación diplomática actual.

La principal razón (para el cierre del museo) es que el presidente estadunidense y el primer ministro británico no vienen a Rusia para asistir a las celebraciones organizadas el 9 de mayo en Moscú por el 70 aniversario de la victoria contra la Alemania nazi, explicó la misma fuente.

También el presidente francés, François Hollande, y la canciller alemana, Angela Merkel, declinaron la invitación del presidente ruso, Vladimir Putin. En total, de los 68 líderes mundiales invitados, sólo una treintena, incluidos los dirigentes chino, norcoreano, checo, cubano y griego, respondieron positivamente, una muestra del aislamiento de Rusia tras más de un año de crisis en Ucrania.

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El libro será objeto de festejos durante cuatro días de múltiples actividades

Ericka Montaño Garfias

Periódico La Jornada
Domingo 12 de abril de 2015, p. 4

La conmemoración por el Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor se inicia el domingo 19 de abril en la explanada y la sala Manuel M. Ponce, del Palacio de Bellas Artes, con actividades organizadas durante todo el día por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), entre las que habrá homenajes a Fernando del Paso, Edmundo Valadés y al caricaturista Gabriel Vargas.

Además, el jueves 23 de abril (fecha de la efeméride) comienza la Fiesta del Libro y la Rosa en distintos espacios de la Universidad Nacional Autónoma de México: el Centro Cultural Universitario, el Museo Universitario del Chopo, la Casa del Lago, el Antiguo Colegio de San Ildefonso y el Centro Cultural Universitario Tlatelolco.

El programa del Conaculta (http://dgp.conaculta.gob.mx/dml2015/) tiene como temas centrales la literatura, la ilustración y la cultura digital, con talleres, lecturas, cuentacuentos y un concierto para cerrar el domingo.

Las actividades marcan también el comienzo de los festejos del 20 aniversario del Programa Nacional de Salas de Lectura (PNSL). La inauguración será el domingo a las 10:15 de la mañana en el escenario principal dedicado a Fernando del Paso, donde minutos después se proyectará una videoconferencia con el autor israelí Etgar Keret, y a las 12 horas, en la Sala Manuel M. Ponce, será el homenaje por los 80 años del escritor Fernando del Paso.

Para el cuentista Edmundo Valadés se dedicará una conferencia sobre su papel como editor (17 horas), y a las 16 horas se realizará un diálogo sobre el sentido de la lectura en la era virtual y el significado de interacción a través de los soportes digitales, con Mónica Nepote, Alfonso Ochoa y Daniel Fragoso.

Los booktubers también estarán presentes con una plática sobre John Green, autor de Buscando a Alaska, Bajo la misma estrella y Ciudades de papel.

Se instalará un centro de lectura con más de 600 libros impresos, incluido un acervo en lenguas indígenas, y habrá sesiones de fomento a la lectura.

Variedad de formatos

En el Espacio Interactivo habrá libros en soporte digital, ilustración en vivo, y ediciones digitales en náhualt y español del Instituto Tlaxcalteca de Cultura. En el Mural de Ilustradores Gabriel Vargas se crearán imágenes con los ilustradores Alejandra Espino, David Lara, Cristina Niizawa y Bernardo Fernández Bef.

También habrá talleres simultáneos de ilustración. Otras actividades son Librobici, Árboles Poéticos (textos de Fernando del Paso, Edmundo Valadés y gáficos de Gabriel Vargas impresos con forma de hoja de árbol), Nichos de lecturas, un espacio para tomarse una foto con Maximiliano y Carlota, y narraciones móviles.

De las 13 a las 16 horas, autores como María Baranda, Felipe Ugalde y Luis Felipe Lomelí, del acervo del PNSL, hablarán con el público; de las 11 a las 19 horas habrá lecturas colectivas.

En tanto, la UNAM ya tiene listo un amplio programa en el que durante cuatro días se realizarán diversas actividades de música, cine, teatro, exposiciones y danza, además de las tradicionales conferencias, presentaciones editoriales y Libros Libres. Al comprar un libro, se regalará una rosa.

La sede principal es el Centro Cultural Universitario, que permanecerá abierta los cuatro días, de las 10 a las 20 horas. El jueves 23 de abril habrá actividades en la Casa del Lago Juan José Arreola de las 10 a las 18 horas; en el Centro Cultural Universitario, los días 24 y domingo 25 tendrá un horario de 10 a 19 horas; el sábado 25 también habrá actividades por el día del libro en el Museo Universitario del Chopo (de las 11 a las 19 horas), y en el Antiguo Colegio de San Ildefonso de las 10 a las 18 horas).

Esta es la séptima ocasión que se realiza la Fiesta del Libro y la Rosa, en el día que se recuerda a William Shakespeare, Miguel de Cervantes Saavedra y a El Inca Garcilaso de la Vega.

El programa completo se encuentra disponible en la dirección universodeletras.unam.mx/fiesta2015/ index.php

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“La música me salvó; el piano y las partituras son mi centro”

Ericka Montaño Garias

Periódico La Jornada
Domingo 12 de abril de 2015, p. 5

El pianista ruso Mikhail Rudy recuerda que Mendelssohn sostenía "que la música es demasiado precisa para ser descrita con palabras. Creo que siempre será mística y mágica, provocará un shock emocional del que estaremos agradecidos". Hoy, el músico ofrecerá un concierto a las 12 horas en el Anfiteatro Simón Bolívar, del antiguo Colegio de San Ildefonso, dentro del Festival Centro Histórico.

En esta presentación el pianista (Uzbekistán, 1953) interpretará, en la primera parte, Intermezzi, op. 117, y Klavierstüke, op. 118, de Brahms; en la segunda parte, El color de los sonidos, ejercicio en el que se proyectará el filme que realizó con obras de Chagall y música de Gluck, Mozart, Wagner, Debussy y Ravel, propuesta similar a la que presentó en México en 2013, titulada Cuadros de una exposición, con acuarelas de Vasily Kandinsky y música de Modest Mussorgsky.

La infancia y la juventud de Rudy, reconocido como uno de los grandes pianistas del mundo, fue difícil. Su familia fue deportada por el régimen soviético a Uzbekistán, donde nació. A los cinco años descubrió la música y después estudió en el Conservatorio Chaikovsky de Moscú. A mediados de los 70, después de una gira internacional, pidió asilo político en Francia; desde entonces colabora con grandes orquestas y directores del mundo.

La música me salvó. Se convirtió en mi centro. Puedo estar en México, París o cualquier parte del mundo, pero el piano y las partituras son mi centro y siempre estarán ahí hasta el final, dice en entrevista.

Mikahil Rudy no se dedica sólo a la música clásica: escribió el libro The novel of a pianist, además de obras de teatro; también ha realizado videos experimentales. Fundó además el Festival Saint Riquier, y ha obtenido numerosos premios por sus interpretaciones. Cada vez hago más cosas. He tenido que renunciar sobre todo a dar conciertos. Antes ofrecía unos 100 al año, ahora, la mitad.

Así que roba tiempo al tiempo. "Siempre me interesaron muchas cosas, pero primero era como espectador; lo que hago ahora es bastante reciente. Antes lo hacía de manera privada, pero algunos de mis proyectos tuvieron mucho éxito.

Hoy interpretará Intermezzi, op. 117 y Klavierstüke op. 118, de Brahms, en la primera parte; luego, El color de los sonidosFoto Yazmín Ortega Cortés

Cada vez pensaba que me iban a castigar por no dedicarme nada más a la música, a tocar, pero después de 30 años de conciertos en todo el mundo me di ese lujo de dedicarme a otras cosas; entonces, estoy experimentando mucho más.

Parte de esta experimentación es su disco más reciente, que saldrá en unos días, que incluye el concierto que ofreció en el Louvre con uno de los representantes de la música electrónica, Jeff Mills. Ha trabajado también con el pianista de jazz Misha Alperin, con improvisaciones sobre el repertorio clásico.

Para mí es natural hacer esta vinculación entre la música clásica y otros géneros, así como con la escritura. He escuchado eso toda mi vida, he escrito toda mi vida. Me gustan la poesía y la pintura desde siempre, sólo que pensaba que eran incompatibles con la disciplina de un concertista, pero encontré un equilibrio. Después de varias décadas de concertista me sentía un poco frustrado porque tenía todo eso dentro. Habría sido tonto no lanzarme. Dio un poco de miedo, pero lo hice.

El trabajo del artista en la sociedad moderna es muy útil, añade. "Creo en eso y lo veo. Hablo de la música clásica, podría parecer que sólo la escucha cierto tipo de personas, la burguesía –no tengo nada contra la burguesía, aclaro–, pero hay otras experiencias, como la de Venezuela, es increíble, hay esperanza.

Pienso que todo mundo ya tiene acceso a la música, no es una cuestión económica, sino cultural que lo impide. Todo lo que podamos hacer para popularizar la música, pero también la literatura, la poesía, se debe hacer, porque es lo que da valor a la civilización. Cuando trabajo no pienso demasiado en eso, porque mi papel es servir al compositor. Ser lo mas fiel a Brahms o a Schubert y transmitirlo al público. Mi papel es más modesto.

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Bárbara Jacobs: La tentación de leer

G

race Paley es una escritora tan presente para mí que a cada rato se me olvida que se murió hace unos diez años. Cuando era joven estudió poesía con W. H. Auden en un conocido centro de estudios de Nueva York. Luego un día, ya hecha toda una poeta, toda una mamá y toda una esposa también y activista y además amiga, fue muy amigable, muy querida y querible, fue a visitar a su papá en el hospital, ya viudo longevo, médico ruso emigrado para salvarse de la persecución a los judíos, y tuvo una conversación con él que amplió el alcance de la expresividad de ella pues, al despedirse y tomar el Metro de regreso a casa en un viaje largo, reflexionó en la conversación que había entablado con su papá y apenas llegó a su cocina, y precisamente ante la mesa de su cocina, escribió en prosa con enorme entusiasmo la conversación, y al hacerlo se convirtió en cuentista, sin dejar en ningún momento de ser poeta. Escribió cuentos como había escrito poemas, con todo el corazón, pero al mismo tiempo que participaba, con todo el corazón, en manifestaciones en contra de la guerra y luchaba por los derechos de la mujer, el primero, el de ocupar un lugar en el mundo que no fuera el segundón sino tan a la cabeza como el otro. Escribió su autobiografía en forma de ensayos, en los que destaca los puntos clave, los formativos, los determinantes, a lo largo de su existencia. La tituló algo así como Tal como pensé. Ya la compré, pero la condición que me autoimpuse para leerla fue primero registrar mis impresiones de la lectura de su libro póstumo de poemas, Fidelidad, que me regaló una amiga mía poeta el día en que celebramos la dada de alta de una de las dos precisamente del mismo mal del que había sido dada de alta un tiempo atrás la otra. Estábamos muy contentas las dos, y comentamos que nuestra admirada Paley había vencido igualmente el mismo mal al menos durante el tiempo suficiente para vivir, contenta y activa, hasta pasados los 85 años de edad. Leí Fidelidad y lo releí casi de inmediato. Aparte, no he dejado de llevarlo conmigo en la bolsa para que la voz de Grace Paley me siga acompañando, con su profunda aunque en apariencia entrecortada y sobre todo muy particular melodía, movida tanto por sentimientos que alegran como por los que entristecen, pero tan de la vida diaria ambos, tan de la vida real aunque se pueble de sueños y tan de la vida real aunque se nuble a cada rato, que estremecen, en un sentido o en el otro. Va y viene, esa alegría clara de Paley por la vida y esa tristeza clara también, también por la vida, porque se alternan, se despejan y se imponen uno sobre otro y luego se despejan, el uno del otro. Como siempre que me enamoro de un libro en inglés, me acometió el deseo de traducir al español este poemario póstumo de Grace Paley. Entusiasmos montaña, éstos que irrumpen en mí de tanto en tanto, escalables, pero para mí solamente en mi mundo interno, pues en el externo deben ser dejados en paz, porque en mí son desviaciones del camino más que caminos en sí. Debo dejarlos en paz al menos hasta mejor ocasión, cuando no tenga entre manos sueños anteriores que atender mientras palpiten como seres vivos en mí. Luego pensé que ya que no me iba a sentar a traducir Fidelity de Grace Paley, podía quizás escoger uno o dos de sus poemas estremecedores por naturales y melodiosos en su alegría o su tristeza de todos los días, tuyas y mías y de él y de ella y de nosotros, los humanos hombres y mujeres; escoger uno o dos de los poemas póstumos de Paley, digo, y ya que no puedo de momento traducirlos porque no tengo tiempo entonces memorizarlos. En eso oiría la voz del papá de Grace Paley decirme, como le decía a su hija cuando ella le contaba un cuento para entretenerlo un rato en su agonía, Qué mala conclusión alcanzaste, esa de memorizar un poema que te gusta y que por pereza no te sientas a traducir. Idea otra, me ordenaría desde su cama de hospital. Así que me pregunto cuál podría ser una conclusión que él aprobara. No lo sabrás, me contesto yo misma, mientras no la idees y la pongas a prueba. De modo que empiezo a tantear. Si por alguna razón no me siento a traducirlos, y si memorizarlos no es una buena conclusión para el papá de Grace Paley, entonces voy a traducir aunque sea sólo uno de ellos con tal de darlo a conocer porque, sabes, lector amigo, con lo que te apasiona no hay sino que compartirlo.

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Fotobiografía de Clarice Lispector

Pablo Espinosa

Periódico La Jornada
Sábado 11 de abril de 2015, p. 3

Clarice Lispector en todo momento: en su natal Ucrania, luego el exilio, la infancia, la adolescencia, la juventud, la madurez, la escritura. Sobre todo, la escritura.

Hamburgo, Recife, Río de Janeiro, Nápoles, Berna, Turquía, Washington...

Una, varias, muchas cámaras fotográficas captaron los instantes de vida de una de las más grandes escritoras: la brasileña de origen ucranio Clarice Lispector (1920-1977) y esas imágenes, seleccionadas escrupulosa, diestra, inteligentemente, se reúnen en una novedad bibliográfica de cuyo contenido ofrecemos a los lectores de La Jornada un adelanto, con autorización de Alias Editorial.

El libro se titula Clarice Lispector: fotobiografía y fue realizado por Nádia Battella Gotlib, catedrática de la Universidad de Sao Paulo. Por cierto, a la fecha prepara un libro sobre Elisa Lispector, hermana de Clarice.

Se trata de una bella edición de 635 páginas, pasta dura, exquisitez en los detalles (cajas, tipografías, tintas en varios tonos) y equilibrio entre imágenes y textos, que incluyen fotografías de manuscritos de Clarice, fragmentos, citas de algunas de sus obras, un texto de Carlos Drummond de Andrade acerca de ella y una introducción (Ver a Clarice) a cargo de la autora, quien viajó a todos los lugares donde vivió Clarice y obtuvo testimonios invaluables, de bibliotecas, hemerotecas, museos, fondos personales, que en este libro recogió.

Clarice Lispector (1920-1977), en imágenes de la escritora brasileña de origen ucranio, incluidas en el libro publicado por Alias Editorial; además, la portadaFoto Acervo Paulo Gurgel Valente
© Herederos de Clarice Lispector y Bluma Wainer

La asombrosa buena organización de todo este material incluye una serie de apéndices, donde la autora aporta comentarios sobre las imágenes que completan los datos concisos que componen los pies de foto, con información adicional de diversa índole, como la transcripción de algunos textos mencionados en los capítulos y la debida especificación de fuentes bibliográficas de los textos ahí transcritos o simplemente aludidos.

La pertinencia de este libro es evidente. No obstante, la autora se permite ponerla en duda y para justificarla cita a Roland Barthes y enseguida a la propia Lispector, quien en su obra Un soplo de vida hace reflexionar a su personaje, Angela Pralini: La cámara fotográfica ha singularizado el instante. Y he aquí que automáticamente salí de mí misma para captarme mareada por mi enigma, frente a mí, insólito y aterrador porque es extremadamente verdadero, profundamente vida desnuda amalgamada a mi identidad.

He aquí algunas de esas imágenes.

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Juan Arturo Brennan: Esto fue Mozart

E

n días recientes, esta ciudad se llenó de muy benéficas músicas, cortesía del festival Esto es Mozart, que tuvo su origen y sede principal en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), con extensiones a Bellas Artes y el Conservatorio. A una programación abundante, rica y variada, se añadió el modus operandi de combinar conjuntos y solistas extranjeros con intérpretes locales, y los resultados fueron de muy buen nivel. Por coincidencia, las tres funciones de Esto es Mozart a las que pude asistir en el auditorio Blas Galindo del Cenart incluyeron sendos conciertos para piano, que resultaron en buena medida una confirmación de que el Amadeus salzburgués es el compositor supremo en este género.

Con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Hansjörg Schellenberger, el pianista Lars Vogt tocó el Concierto No. 20, en mi opinión el mejor y más acabado de todos los conciertos de Mozart. Dramática tonalidad menor, expresividad de corte casi romántico, exquisito equilibrio entre la pasión y la contemplación; todo esto y mucho más fue perfilado con claridad, precisión y fuerza por el pianista alemán, poseedor de una técnica robusta que nunca es un fin en sí misma, intérprete igualmente generoso con la filigrana virtuosa que con los episodios más delicados y diáfanos. Antes, la flautista Julieta Cedillo y la arpista Margit-Anna Süss (con arpa de época) habían tocado el Concierto para flauta y arpa, dándole una buena y apreciable dosis de estilo rococó, y mostrando un sólido trabajo de conjunto.

Otro día, el holandés Ronald Brautigam se unió al Cuarteto Latinoamericano para interpretar la versión mínima (más que autorizada por el propio Mozart) del Concierto No. 13. Novedad magnífica: Brautigam tocó la obra en un fortepiano, y la combinación de este instrumento transicional con la sonoridad de las cuerdas individuales resultó todo un descubrimiento. Mérito principal (entre muchos) de Brautigam, su sabiduría para fundirse orgánicamente con el cuarteto en los tutti, cual fortepiano obbligato, y hacer resaltar la delicada proyección de su instrumento en los pasajes cabalmente solistas. Acompañamiento impecable del Cuarteto Latinoamericano, fusionado sin costuras ni arrebatos con el trabajo de Brautigam. Además, el Latinoamericano ofreció ejecuciones depuradas de dos cuartetos (el 17 y el 18) que a pesar de su cercanía parecieran ser distantes. En el primero, los músicos sacaron a relucir con igual dosis de discreción y claridad cierta predominancia del primer violín, elemento proveniente de la prehistoria cercana del cuarteto de cuerdas; en el segundo, abordaron con gran convicción estilística una escritura que pareciera mirar ya al romanticismo, con su expresión más enérgica y sus sutiles aventuras armónicas que tienden fugazmente al cromatismo.

La noche de clausura de Esto es Mozart fue un delicioso concierto de la Camerata de Salzburgo, dirigida por Louis Langrée y con Till Fellner en el piano; su ejecución del Concierto No. 23 fue una pulida joya de facetas brillantes y luminosos destellos. Fellner complementó su transparente articulación de los movimientos exteriores con un canto casi sotto voce en el hermoso Adagio central. El acompañamiento de los salzburgueses, alternativamente potente y delicado, con el atractivo sonoro (ciertamente híbrido) de una orquesta con trompetas naturales y timbales barrocos, pero con alientos modernos en el resto de los atriles. Además, un lujo especial, altamente disfrutable: entre el programa y los encores, Langrée y sus músicos ofrecieron lúdicas y potentes versiones de las tres oberturas de las óperas mozartianas con libreto de Lorenzo Da Ponte, cosa que en sí misma es una delicia. Muy apreciado, también, el juguetón gesto de Langrée de interpretar los pocos compases que existen del Menuetto de la Sinfonía No. 34, para beneplácito de los completistas de Mozart.

Además de la buena programación y los buenos resultados musicales, Esto es Mozart provocó en esos días una atractiva efervescencia de público en el Cenart, algo que siempre se agradece, en el entendido de que los espacios de divulgación artística requieren día a día de la gente para permanecer vivos y vigentes.

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Beethoven hace ver “la discapacidad no como deficiencia, sino como diferencia”

El médico e investigador Adolfo Martínez Palomo, en El Colegio Nacional, donde disertó alrededor de los trastornos del ritmo cardiaco y la sordera progresiva de Ludwig van BeethovenFoto Guillermo Sologuren

Ana Mónica Rodríguez

Periódico La Jornada
Sábado 11 de abril de 2015, p. 4

Los trastornos del ritmo cardiaco y la sordera progresiva padecidos por Ludwig van Beethoven (1770-1827) influyeron e inspiraron al compositor.

Así lo explicó el médico Adolfo Martínez Palomo en la conferencia-concierto El electrocardiograma de Beethoven, inscrita en el ciclo Música y medicina, efectuada la noche del jueves en El Colegio Nacional como parte del Festival del Centro Histórico.

Desde el siglo XIX, dijo el ponente, la música del genio de Bonn se ha dividido en tres periodos creativos en los que se observa alguna relación con la sordera.

En biografías, prosiguió Martínez Palomo, se describe una etapa exuberante del compositor a sus 30 años y no tenía problema de audición; después, entre los 30 y 45 años, ya existían síntomas manifiestos de que el músico trataba de sobreponerse a la sordera y, finalmente, un periodo creativo que va de los 45 años hasta su muerte que coincide con la pérdida completa del sentido del oído.

Entre los 36 y 41 años, Bee-thoven entró en fase de depresión relacionada con el convencimiento gradual de la pérdida irreparable de la audición y un año después escribió a sus hermanos una supuesta carta conocida como testamento Heiligenstandt.

En ese amplio texto, el compositor explica a sus dos hermanos: "Fui afectado por una enfermedad incurable tratada por doctores torpes, engañado cada año con la esperanza de abreviarme y obligado finalmente a aceptarla como una calamidad permanente.

"La experiencia doblemente miserable de mi mala audición: es no poder decir a la gente 'hablen más fuerte, griten, estoy sordo'. ¿Cómo podría confesar mi imperfección en el sentido que debía ser en mí el más perfecto, un sentido que tuve alguna vez con la mayor perfección, sin duda, a un grado que pocos en mi profesión tienen o han tenido nunca? Debo vivir solo como alguien que ha sido excluido, porque si me acerco a un grupo de personas me asalta la ansiedad y el temor de que mi defecto se haga evidente."

Martínez Palomo señaló que se ha dado por supuesto que el testamento de Heiligenstandt es la contrapartida literaria de la Sinfonía Heroica. Esta obra se ha interpretado como la representación del artista como héroe golpeado por la sordera, retraído del mundo, conquistando sus impulsos de suicidio y luchando contra el destino.

Además, junto con la sordera, Beethoven sufría al escuchar ruidos –lo que sucede en las personas que empiezan a padecer esta enfermedad–, mismos que en ocasiones le impedían concentrarse. Se ha sugerido, añadió el investigador, que ciertos acordes estridentes y reiterados en el inicio de la Sinfonía Heroica están relacionados con esos ruidos.

También ejemplificó con la Sonata no. 81 y el Cuarteto para cuerdas en si bemol mayor opus 130 la forma en que Beethoven plasmó sus arritmias cardiacas en notas musicales.

La vida y la obra del compositor, dijo Martínez Palomo, son un poderoso ejemplo de la superación de una discapacidad severa y, es posible, que Beethoven llegue a facilitar la compresión de la discapacidad no como una deficiencia, sino como una diferencia. En este sentido, las últimas composiciones pueden interpretarse tal vez como manifestaciones de su genio absoluto, escritas muy a pesar de su sordera, sino tal vez gracias a ella.

En la conferencia-concierto participó la pianista Farizat Tchibirova, quien ejecutó fragmentos de las obras del Cuarteto para cuerdas y de la Sonata No. 26 en mi bemol mayor Los Adioses, con las cuales Martínez Palomo ejemplificó la concordancia entre obra y enfermedad.

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Convocan a transformar la palabra “en mensaje público frente a una sociedad tan terrible”

Convocan a transformar la palabra en mensaje público frente a una sociedad tan terrible

Ericka Montaño Garfias y Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Sábado 11 de abril de 2015, p. 5

La edición 11 del festival internacional Poesía en Voz Alta.15, que este año ostenta el lema Si la lengua no alcanza, comenzará el día 14 con una caminata de la puerta del Acuario a la Casa del Lago, sede del encuentro.

Entre los participantes figuran Michel Raji (Marruecos) y Serge Pey (Francia); este último dijo: La poesía es un acto de pobreza, todos pueden caminar y escribirla. Si desarrollaran marchas internacionales de poesía, sería un mensaje público frente a esta sociedad que es tan terrible.

Lo más importante hoy, en una sociedad antipoética, del objeto, donde las personas confunden sujeto y ego, hacer un festival de poesía público es un combate para la civilización, añadió Pey, para quien el compromiso del poeta con la sociedad, tema central del encuentro, es también con el lenguaje.

La poesía actual, dijo ayer durante una conferencia de prensa, es una ruptura total, pero es también como una flor que encontramos en el desierto, que cuando la tomamos, vemos que tiene raíces de miles de kilómetros, la poesía inventa siempre su propia página, y como decía Mandelstam: la poesía es siempre una guerra. Pero no contra la sociedad, sino dentro de ésta.

El mexicano Yamil Narchi explicó que el poeta necesita jugar varios papeles y uno es hablar por su identidad, por las personas que se identifican como él con las mismas cosas culturales. Somos portadores de una tradición y responsables de que ésta continúe siendo elocuente, y eso es un problema porque desde principios del siglo XX hemos encontrado cómo no nos alcanza lo ya hecho, que la realidad nos pide nuevas cosas y el poeta se vuelve, entonces, muchas voces. Al mismo tiempo una voz individual que lanza una botella al mar y una voz colectiva, porque el poeta, quiera o no, sigue siendo un representante de su siglo, su tiempo y espacio.

El papel del poeta

El programa de este año, en el que la poesía se entrelazará con otras expresiones artísticas, se forma precisamente a partir de la pregunta sobre el papel del poeta en las sociedades actuales, y la respuesta se plantea a través de dos ejes: el ejercicio de la tradición oral y de las tradiciones de los pueblos originarios, y las nuevas formas de poesía, refirió Ana Franco, durante el anuncio de las actividades del encuentro, en el que participaron algunos de los poetas invitados, entre ellos Pey, Raji, Pedro Serrano, Rocío Cerón, Edson Lechuga y Chefa Alonso.

Además de la participación de los poetas, se presentará el Colectivo Gallegos, de Oaxaca, ganador del premio del primer Concurso del Festival Poesía en Voz Alta, y se ofrecerán tres charlas con Jerome Rothemberg y Charles Bernstein (Estados Unidos), otra con Outspoken (Zimbabwe) y Marcelo Sahea (Brasil), y la última sólo con Outspoken dedicada a la importancia de la libertad de expresión y el poder de la poesía en el desarrollo de las comunidades.

El encuentro, que terminará el domingo 19, propone un recorrido por el lenguaje poético que va de la reinterpretación chamánica al cuestionamiento de las formas actuales.

El programa completo de Poesía en Voz Alta.15, en la Casa del Lago del Bosque de Chapultepec, se puede consultar en el sitio web www.casadellago.unam.mx.

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La idiosincrasia del mexicano que retrató Posada llega a Ciudad Universitaria

Fabiola Palapa Quijas

Periódico La Jornada
Sábado 11 de abril de 2015, p. 5

La finalidad de El Carro de Comedias, proyecto de la Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), es producir versiones escénicas contemporáneas aptas para todo el público.

Ahora, con Posada es el nombre del juego lleva a escena la personalidad festiva y el folclor de los mexicanos retratados por el grabador José Guadalupe Posada.

El montaje, que inicia temporada este sábado en la explanada del Centro Cultural del Bosque, es una adaptación y dirección de Carlos Corona, de la obra El nombre del juego es Posada, del dramaturgo Hugo Hiriart.

A bordo del Gran Tren del Progreso Nacional, que va del presente al futuro, una sonriente Catrina presenta a cada uno de los personajes y guía al espectador por la historia de amor de dos parejas.

Los personajes extraídos de los grabados de Posada, llamativos y coloridos, de finales del siglo XIX y principios del XX, son don Joaquín de la Cantolla y Rico, quien vuela los globos bautizados con su apellido, su amada Ignacia, quien ha sido hipnotizada por Efrén Aguirre Malpica.

En esta aventura romántica también figuran los eternos enamorados Facundo Ortigosa y Ortigosa y Pachita, quienes son novios desde hace 50 años, pero lo mantienen en secreto porque el padre de ella es celoso.

"El cuento entrelaza cuatro historias que ocurren en un tren y son narradas por La Catrina. Llevamos a escena la estética de Posada, por eso los actores trabajan con máscaras que son fácilmente reconocibles, diseñadas por Alberto Lomnitz a partir de los grabados de Posada", explica Corona.

En esta comedia de enredos y amor también participa Ramoncito Ochentera, el galán, el rey del gallinero, que busca una víctima para que sea su novia número 100. Es hijo de Pascuala Benavides y Goyo Ochentera, a quienes chantajea y maltrata.

Cuatro historias de amor

Posada es el nombre del juego representa con gran sentido del humor al pueblo mexicano desde los enamorados hasta el hipnotizador que logra que la joven Ignacia se comporte como un perro, pasando por Godofredito, joven valiente que lucha contra un cocodrilo, hasta llegar a los padres de Ramoncito, que causaron daño a su hijo por darle todo sin poner límites.

Para Carlos Corona, el grabador combinó lo que percibió de la Revolución Mexicana y el porfiriato. "Posada fue el fundador de la estética de México; si se ve su gallo, La Catrina o la calaca zapatista, pues es México. Hay mucho de la idiosincrasia del mexicano en su obra.

"Posada mezcla con maestría. Era un grabador muy riguroso con una complejidad en sus trazos y al mismo tiempo está presente lo popular. Cuando se da esta mezcla con el rigor técnico logra un trabajo virtuoso, arraigado en lo mexicano. Hiriart y yo somos fans de Posada porque refleja de manera íntima a los mexicanos."

Al grito de ¡Ya se va el tren! los actores inician el viaje donde cuatro historias de amor se entrelazan y enfrentan obstáculos, al tiempo que se recuerda la época del genial grabador mexicano.

Posada es el nombre del juego, montaje inspirado en la obra de Hugo Hiriart, con adaptación y dirección de Carlos Corona, se presenta a partir de hoy, los sábados y domingos a las 11 horas en la explanada del Centro Cultural Universitario (avenida Insurgentes Sur 3000).

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